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SUMMARY:YO-YO MA AVEC L'OCL
DESCRIPTION:YO-YO MA\nAttention au changement d’heure : le concert débutera à 19h30. \nDirection: Renaud Capuçon\nOrchestre de Chambre de Lausanne\n\n\nNous rêvions de l’inviter depuis longtemps\, il accepté ! L’immense violoncelliste Yo-Yo Ma se produira avec l’Orchestre de Chambre de Lausanne dirigé par Renaud Capuçon ! \nCette soirée de gala permettra de soutenir financièrement la saison.  \nMarie-Noëlle Tirogalas \n\n\n\nPROGRAMME\n\n\nRobert Schumann\n Concerto pour violoncelle en la mineur\, op.129 \nLudwig van Beethoven\nSymphonie n°3 en mi bémol majeur\, op.55 « Eroica » \n\n\n  \n\n \n© Federal studio \n  \n\n\n\n\nYo-Yo Ma\n\nYo-Yo Ma est né en 1955 de parents chinois vivant à Paris. Il commence à étudier le violoncelle avec son père à l’âge de quatre ans et\, trois ans plus tard\, déménage avec sa famille à New York\, où il poursuit ses études de violoncelle à la Juilliard School avant de poursuivre une formation en arts libéraux à Harvard. Il a reçu de nombreuses récompenses\, notamment le prix Avery Fisher (1978)\, la médaille nationale des arts (2001)\, la médaille présidentielle de la liberté (2010)\, les Kennedy Center Honors (2011)\, le prix Polar Music (2012) et le prix Birgit Nilsson (2022). Il a joué pour neuf présidents américains\, et plus récemment à l’occasion de l’investiture du président Biden. \nLa carrière multiforme de Yo-Yo Ma témoigne de sa conviction que la culture a le pouvoir de susciter la confiance et la compréhension. Qu’il interprète des œuvres pour violoncelle connues ou non\, qu’il rassemble des communautés pour explorer le rôle de la culture dans la société ou qu’il s’engage dans des formes musicales inattendues\, Yo-Yo Ma s’efforce toujours d’établir des liens qui stimulent l’imagination et qui renforcent notre humanité. \nRécemment\, Yo-Yo Ma a entamé Our Common Nature\, un voyage culturel visant à célébrer les façons dont la nature peut nous réunir dans la poursuite d’un avenir commun. Our Common Nature fait suite au Bach Project\, une tournée des Suites pour violoncelle de Bach dans 36 communautés et sur six continents\, associée à une programmation culturelle locale. Ces deux projets reflètent l’engagement du célèbre violoncelliste à repousser les limites des genres et des traditions pour comprendre comment la musique nous aide à imaginer et à construire une société plus forte. \nYo-Yo Ma est un fervent défenseur d’un avenir guidé par l’humanité\, la confiance et la compréhension. Parmi ses nombreuses fonctions\, il est Messager de la paix des Nations Unies\, le premier artiste nommé au conseil d’administration du World Economic Forum (WEF). Il est aussi membre du conseil d’administration de Nia Tero – une organisation à but non lucratif basée aux États-Unis qui travaille en solidarité avec les peuples et les mouvements indigènes du monde entier – et le fondateur du collectif musical mondial Silkroad. \nSa discographie de plus de 120 albums (dont 19 récompensés par des Grammy Awards) va des interprétations emblématiques du canon classique occidental aux enregistrements qui défient toute catégorisation\, tels que « Hush » avec Bobby McFerrin et les « Goat Rodeo Sessions » avec Stuart Duncan\, Edgar Meyer et Chris Thile. Yo-Yo Ma a récemment publié « Six Evolutions »\, son troisième enregistrement des Suites pour violoncelle de Bach\, et « Songs of Comfort and Hope »\, créé et enregistré avec la pianiste Kathryn Stott en réponse à la pandémie de COVID-19. Le dernier album de Yo-Yo Ma est le troisième d’une nouvelle série d’enregistrements intitulée « Beethoven for Three » avec le pianiste Emanuel Ax et le violoniste Leonidas Kavakos. \nYo-Yo Ma et sa femme ont deux enfants. Il joue de trois instruments : un instrument de 2003 fabriqué par Moes & Moes\, un violoncelle Montagnana de Venise datant de 1733 et un Stradivarius Davidoff de 1712. \n  \n\n© Jason Bell \n\n\n\n\n\nRenaud Capuçon \n\nNé à Chambéry en 1976\, Renaud Capuçon étudie au Conservatoire national supérieur de musique de Paris dès l’âge de quatorze ans. Après cinq ans d’études couronnées de nombreuses récompenses\, il part étudier auprès de Thomas Brandis et Isaac Stern à Berlin et y reçoit le Prix de l’Akademie der Künste. En 1997\, Claudio Abbado le choisit comme violon solo du Gustav Mahler Jugendorchester\, ce qui lui permet de parfaire son éducation musicale aux côtés du Maestro\, ainsi qu’avec des chefs tels que Pierre Boulez\, Seiji Ozawa ou Franz Welser-Möst. \nDès lors\, Renaud Capuçon figure parmi les solistes les plus demandés et joue avec les orchestres les plus prestigieux\, tels que le Berliner Philharmoniker\, le Boston Symphony Orchestra\, l’Orchestre de Chambre d’Europe\, l’Orchestre de la Scala\, le London Symphony Orchestra\, l’Orchestre de Paris\, etc. Il entretient des rapports privilégiés avec de nombreux chefs parmi lesquels Daniel Barenboim\, Semyon Bychkov\, Stéphane Denève\, Gustavo Dudamel\, Christoph Eschenbach\, Daniel Harding\, Paavo Järvi\, etc. Les temps forts de sa saison 2024-2025 comprennent un retour au Toronto Symphony Orchestra avec Gustavo Gimeno et une première mondiale avec le New York Philharmonic sous la direction de Marin Alsop. Il sera également en tournée européennes avec l’Orchestre du Festival de Budapest sous la direction d’Iván Fischer ainsi qu’avec le Wiener Symphoniker sous la direction de Petr Popelka. \nEn musicien de chambre passionné\, il se produit régulièrement avec des partenaires tels que Martha Argerich\, le regretté Nicholas Angelich\, Daniel Barenboim\, Yuri Bashmet\, Yefim Bronfman\, Khatia Buniatishvili\, Hélène Grimaud\, Igor Levit\, Yo-Yo Ma\, Maria João Pires\, Kian Soltani\, Daniil Trifonov\, Yuja Wang\, ou son frère le violoncelliste Gautier Capuçon\, dans les plus célèbres festivals parmi lesquels ceux de Berlin\, Lucerne\, Verbier\, Aix-en-Provence\, La Roque d’Anthéron\, San Sebastián\, Stresa\, Salzbourg\, Édimbourg ou Tanglewood. Il a également représenté la France lors de prestigieux événements internationaux : sous l’Arc de Triomphe avec Yo-Yo Ma pour la commémoration du jour de l’armistice en présence de plus de 80 chefs d’États\, ou lors du sommet du G7 à Biarritz. \nDepuis 2021\, Renaud Capuçon est le directeur artistique de l’Orchestre de Chambre de Lausanne (OCL)\, où il dirige souvent du violon. Il est régulièrement invité au pupitre d’orchestres renommés tels que le Wiener Philharmoniker\, l’Orchestre philharmonique du Luxembourg\, le Gürzenich-Orchester à Cologne l’Orchestra Teatro di San Carlo à Naples\, la Karajan-Akademie du Berliner Philharmoniker ou les orchestres symphoniques des radios de Prague et de Hongrie. En 2022-2023\, il a fait des débuts acclamés au Carnegie Hall en dirigeant du violon l’Orpheus Chamber Orchestra. Renaud Capuçon est également le directeur artistique de trois festivals : les Sommets Musicaux de Gstaad depuis 2016\, le Festival de Pâques d’Aix-en-Provence qu’il a fondé en 2013 et\, depuis 2023\, des Rencontres Musicales d’Evian. \nÀ la tête d’une importante discographie\, Renaud Capuçon a jusqu’à récemment enregistré exclusivement chez Erato/Warner avec lequel il a publié en janvier 2024 un album intitulé « Les Choses de la Vie – Cinéma II ». Composé d’une sélection de musique de films\, cet album et fait suite à un précédent intitulé « Au cinéma »\, largement salué par la critique lors de sa sortie en 2018. En septembre 2022\, il a annoncé un nouveau partenariat avec Deutsche Grammophon et\, deux mois plus tard\, est sorti son premier album sous le label jaune. Ce dernier réunit de nombreuses sonates pour violon interprétées avec Martha Argerich et enregistrées au Festival de Pâques d’Aix-en-Provence. Toujours chez DG\, sont sorties plusieurs parutions dédiées à Mozart : un coffret consacré à 16 de ses sonates avec le pianiste Kit Armstrong\, un enregistrement de l’intégralité des concertos pour violon avec l’OCL\, ainsi qu’un CD de deux de ses quatuors avec piano. Ce disque est labélisé Beau Soir Production\, une initiative unique en son genre lancée en 2022 par Renaud Capuçon afin de soutenir de manière significative de jeunes artistes à un moment crucial de leur carrière. \nDepuis 2014\, Renaud Capuçon enseigne à la Haute École de Musique de Lausanne (HEMU). Il joue le Guarneri del Gesù « Panette » (1737) qui a appartenu à Isaac Stern. Il est promu chevalier de l’ordre national du Mérite en juin 2011 et chevalier de la Légion d’honneur en mars 2016. \n \n\n\n© Federal studio \n\n\n\nOrchestre de Chambre de Lausanne \n\nFondé en 1942 par Victor Desarzens\, l’Orchestre de Chambre de Lausanne (OCL) est devenu aujourd’hui l’un des orchestres de chambre les plus demandés d’Europe. Composé d’une quarantaine de musiciennes et de musiciens\, l’orchestre embrasse un vaste répertoire qui va des premiers baroques à la création contemporaine. Depuis 2021\, l’OCL est placé sous la direction artistique du célèbre violoniste et chef français Renaud Capuçon. Depuis la saison 2024-2025\, Barbara Hannigan est principale cheffe invitée de l’orchestre. \nTrès vite convié à l’étranger\, l’OCL se produit dans les salles de concerts et les festivals les plus réputés. Il participe ainsi au Festival d’Aix-en-Provence dès sa deuxième édition ainsi qu’à plusieurs éditions du Festival Enescu de Bucarest. Ses tournées en Allemagne et aux Etats-Unis sont des succès retentissants\, tout comme ses concerts au Concertgebouw d’Amsterdam\, aux BBC Proms de Londres\, au Musikverein de Vienne\, à la Philharmonie de Berlin ou à celle de Paris. Lors de la saison 2024-2025\, l’OCL et Renaud Capuçon seront en tournée en Corée du Sud\, en France\, au Danemark et en Allemagne. \nTout au long de son existence\, l’OCL a joué avec des solistes de premier plan. Citons par exemple Clara Haskil\, Alfred Cortot\, Walter Gieseking\, Edwin Fischer\, Murray Perahia\, Radu Lupu\, Martha Argerich\, Nikolai Lugansky\, Daniel Barenboim\, Arthur Grumiaux\, Frank Peter Zimmermann\, Paul Tortelier\, Truls Mørk\, Jean-Pierre Rampal ou encore Emmanuel Pahud. L’OCL a également toujours su attirer les baguettes les plus intéressantes de leur temps\, parmi lesquelles Paul Hindemith\, Günter Wand\, Christoph Eschenbach\, Ton Koopman\, Jeffrey Tate\, Bertrand de Billy\, Simone Young ou Daniel Harding. \nL’OCL est à la tête d’une importante discographie : de l’intégrale des opéras de Haydn dans les années 1970-1980 sous la direction d’Antal Dorati aux concertos de Beethoven et Mozart avec Christian Zacharias\, en passant par des enregistrements dédiés à Schoenberg et Webern (avec Heinz Holliger) et à Spohr et Weber (avec Paul Meyer). Les deux premiers disques enregistrés avec Renaud Capuçon sont sortis chez Warner Classic (Arvo Pärt en 2021 et Vivaldi/Chevalier de Saint-George en 2022). Un enregistrement de l’intégralité des concertos pour violon de Mozart est sorti en septembre 2023 chez Deutsche Grammophon (DG)\, nouveau partenaire discographique de Renaud Capuçon. Un nouveau disque dédié à Fauré est prévu pour juin 2024 chez DG. Parmi les autres parutions récentes de l’OCL\, citons un enregistrement live du Requiem de Mozart avec John Nelson\, ainsi qu’un disque consacré à la musique américaine et anglaise avec Joshua Weilerstein. \nUne phalange du rang de l’OCL\, c’est une identité forte forgée au fil des ans par un petit nombre de directeurs artistiques. Au fondateur Victor Desarzens (1942-1973)\, succèdent Armin Jordan (1973-1985)\, puis Lawrence Foster (1985-1990)\, Jesús López Cobos (1990-2000) et Christian Zacharias (2000-2013). De 2015 à 2021\, Joshua Weilerstein poursuivit l’œuvre de ses prédécesseurs\, tout en inscrivant l’OCL dans le XXIe siècle\, par le biais de programmes audacieux ou l’exploitation plus efficace des nouveaux moyens de communication. À l’automne 2021\, Renaud Capuçon est devenu directeur artistique de l’orchestre. La grande expérience musicale du célèbre violoniste et chef français\, son dynamisme ainsi que son envergure artistique ont permis à l’orchestre d’asseoir encore davantage sa réputation à l’international. À la clé\, des invitations prestigieuses à travers l’Europe\, ainsi que des collaborations artistiques avec des cheffes\, chefs et solistes de renom tels que Daniel Harding\, Yo-Yo Ma\, Maria João Pires ou Martha Argerich. \n\n\n\n 
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SUMMARY:REQUIEM DE MOZART & CREATION DE FAZIL SAY
DESCRIPTION:REQUIEM DE MOZART\nCréation de Fazil Say\nDirection: Michael Sanderling\nOrchestre Symphonique de Lucerne et Choeur de la radio de Berlin\n\n\n\nLa vaste scène du Rosey Concert Hall peut accueillir un chœur et un orchestre\, aussi sommes-nous très heureux de présenter notre première œuvre sacrée : le Requiem de Mozart\, avec l’Orchestre symphonique de Lucerne et le chœur de la radio de Berlin. Une création mondiale du pianiste Fazil Say complétera cette céleste soirée. \n\nMarie-Noëlle Tirogalas \n\n\n\nPROGRAMME\n\n\nWolfgang Amadeus Mozart\n Requiem en ré mineur KV 626 \nFazil Say \nMozart et Mevlana \n\n\n  \n\n \n© Philipp Schmidli \n  \n\n\n\n\nFazil Say\nWith his extraordinary pianistic ability\, Fazıl Say has been touching audiences and critics alike for almost 30 years in a way that has become rare. Concerts with this artist are different concerts; they are more direct\, more open\, more exciting. In short: they go straight to the heart. This is what the composer Aribert Reimann must have meant when\, during a visit to Ankara in 1986\, he had the pleasure\, more or less by chance\, of hearing the then 16-year-old. He immediately asked his companion\, the American pianist David Levine\, to come to the conservatoire in the Turkish capital\, and he did so with the words that have since become commonplace: “You have to listen to him\, the boy plays like a devil”. \nFazıl Say received his first piano lessons from Mithat Fenmen\, a pianist who had studied with Alfred Cortot in Paris. Fenmen – perhaps sensing how great the boy’s talent was – asked his pupil to first improvise every day on everyday themes before engaging in the necessary piano exercises and studies. It was in this engagement with free creative processes and forms that the origin was laid for the enormous improvisational talent and aesthetic outlook that forms the core of pianist and composer Fazıl Say’s self-image. As a composer\, Fazıl Say has been commissioned by Boston Symphony Orchestra\, Orpheus Chamber Orchestra and the BBC\, Salzburger Festspiele\, WDR\, Münchner Philharmoniker\, Schleswig-Holstein Musik Festival\, Wiener Konzerthaus\, Dresdner Philharmonie\, Fondation Louis Vuitton\, among others. His Oeuvre includes five symphonies\, two oratorios\, various solo concertos and numerous piano and chamber music works. \nFazıl Say received his fine-tuning as a classical pianist from 1987 onwards with David Levine\, first at the Musikhochschule “Robert Schumann” in Düsseldorf\, and later in Berlin. In addition\, he regularly attended master classes with Menahem Pressler. Moreover\, his outstanding technique soon enabled him to master the so-called war horses of world literature with astonishing aplomb\, and it was precisely this mixture of subtlety in Haydn\, Bach and Mozart\, and virtuoso brilliance in the works of Liszt\, Mussorgsky or Beethoven that finally led to his victory at the International “Young Concert Artists” Competition in New York in 1994. Fazıl Say has subsequently performed with all the renowned American and European orchestras and numerous great conductors\, developing a diverse repertoire ranging from compositions by Johann Sebastian Bach to the “classics” Haydn\, Mozart and Beethoven\, as well as Romantic and contemporary music\, including his own compositions for piano. \n \n© Fethi Karaduman \n\nMichael Sanderling\n\nMichael Sanderling\, Chief Conductor of the Luzerner Sinfonieorchester Michael Sanderling has been chief conductor of the Luzerner Sinfonieorchester since 2021. His appointment followed a successful collaboration over many years\, with a common goal of further developing the orchestra in late Romantic repertoire such as Bruckner\, Mahler and Strauss. \nSince the start of his tenure as chief conductor\, several highly-acclaimed CDs have been released. These include a Brahms cycle released in 2023 by Warner Classics\, with the four symphonies as well as his ‘fifth’ – a piano quartet orchestrated by Arnold Schoenberg – and a recording of the Schumann and Grieg piano concertos with Elisabeth Leonskaja. Under Michael Sanderling’s direction\, the Luzerner Sinfonieorchester has toured Asia\, South America and Germany. Their performance of Shostakovich’s 10th symphony at the Wiener Konzerthaus\, accompanied by William Kentridge’s animated film ‘Oh to Believe in Another World’\, attracted particular attention. This work had previously been premiered at the KKL Luzern and the Pompeii Theatrum Mundi festival. \nAs a guest conductor\, Michael Sanderling directs leading orchestras around the world. These include the Berlin Philharmonic\, the Gewandhausorchester Leipzig\, the Indianapolis Symphony Orchestra\, the Hong Kong Philharmonic Orchestra\, the Royal Concertgebouw Orchestra\, the Orchestre de Paris\, the Philharmonia Orchestra in London\, the NHK Symphony Orchestra\, the Tonhalle Orchestra Zurich\, the Wiener Symphoniker\, the Toronto Symphony Orchestra\, the Helsinki Philharmonic Orchestra and the BBC Scottish Symphony Orchestra. \nFrom 2011 to 2019 Michael Sanderling was chief conductor of the Dresden Philharmonic. During this time he raised the orchestra’s profile\, establishing it as one of Germany’s leading ensembles. He performed with them both on the concert stage in Dresden and on numerous international tours\, and recordings of the complete symphonies of Beethoven and Shostakovich for Sony Classical are a testament to this. Prior to this he was chief conductor of the Kammerakademie Potsdam\, where he was artistic director from 2006 to 2011. \nIn addition to the recordings mentioned above\, Michael Sanderling’s extensive discography includes recordings of major works by Dvořák\, Schumann\, Prokofiev and Tchaikovsky\, as well as works for cello and orchestra by Bloch\, Korngold\, Bruch and Ravel with Edgar Moreau and the Luzerner Sinfonieorchester. \nIn 2011 he conducted the new production of Sergei Prokofiev’s ‘War and Peace’ at Cologne Opera\, for which he was voted ‘Conductor of the Year’ by Opernwelt magazine. Michael Sanderling is a passionate supporter of young musicians. He teaches at the Frankfurt University of Music and Performing Arts\, and also works regularly with the Schleswig-Holstein Festival Orchestra. From 2003 to 2013 he was chief conductor of youth orchestra the Deutsche Streicherphilharmonie. \n \n© Philipp Schmidli \n  \n\nOrchestre Symphonique de Lucerne\nThe Luzerner Sinfonieorchester has been inspiring music-lovers in Lucerne and much further afield for over 200 years. Switzerland’s oldest symphony orchestra\, which started in the 1805/06 season\, has won recognition far beyond its own region\, successfully combining tradition and innovation. \nThanks to its world-class musicians drawn from some 20 nations\, the orchestra has developed over the years into an ensemble of international standing. Strongly anchored in its locality\, the Luzerner Sinfonieorchester also has an international scope; it represents Lucerne’s musical life on international tours\, and is orchestra in residence at the KKL Luzern. It also acts as the opera orchestra of the Lucerne Theatre. Michael Sanderling has held the post of Chief Conductor of the orchestra since the 2021/22 season. \nThe Luzerner Sinfonieorchester actively promotes new music through the commissioning of works from composers including William Kentridge\, Sofia Gubaidulina\, Dieter Ammann\, Rodion Shchedrin\, Thomas Adès and Wolfgang Rihm. The Rising Stars series\, lunchtime concerts and the Arthur Waser Prize signal the orchestra’s commitment to fostering young talent. It runs its own orchestra academy and a comprehensive outreach programme\, for which it was awarded the ‘Junge Ohren’ prize in 2018. \nSince 2021 the Luzerner Sinfonieorchester has been ideally located in the Orchesterhaus\, which serves as home\, workshop\, rehearsal space and recording studio. Besides rehearsals – some of which are open to the public – chamber music concerts and numerous music outreach events also take place at this location. \nThe international profile ofthe orchestra is reflected in its output ofCDs andDVDs. SonyClassical has released albums including ‘Rachmaninoff in Lucerne’ and Beethoven’s Ninth Symphony. In 2021 the orchestra sealed a long term partnership with Warner Classics. Following a criticallyacclaimed Brahms cycle\, they recently released a recording of the Grieg and Schumann piano concertos\, with Elizabeth Leonskaja as soloist. \nThe 2024/25 season features renowned artists such as Martha Argerich\, Janine Jansen\, Anastasia Kobekina\, Kian Soltani\, Rudolf Buchbinder\, Gautier Capuçon\, Julia Fischer\, Mikhail Pletnev and Beatrice Rana\, some of whom have enjoyed a close association with the orchestra over many years. Michael Sanderling will also tackle two of history’s great Requiems: Mozart’s 1791 Requiem in D minor (KV 626) and Antonín Dvořák’s Requiem Op. 89 (B 165)\, composed in 1890. In November\, Fazil Say’s new work ‘Mozart and Mevlana Rumi’ will receive its world premiere. \nThe Luzerner Sinfonieorchester has been running the annual international piano festival ‘Le Piano Symphonique’ since 2022\, under the artistic direction of Numa Bischof Ullmann. In January 2025\, piano enthusiasts can look forward to another fantastic line-up of guest soloists. The festival will take place from 13th to 18th January 2025. Three further recitals with star performers will be held during the season in connection with the 2025 festival: Khatia Buniatishvili (19.10.24)\, Krystian Zimerman (13.03.25) and Evgeny Kissin (20.06.25). Evgeny Kissin is also involved in a highlight of the 2025 festival: the « Shostakovich Project ». In this project\, the Russian star pianist will perform works by his composer compatriot together with long-standing musical friends and companions such as Gidon Kremer\, the Kopelman Quartet\, singer Chen Reiss and tenor Michael Schade. Martha Argerich\, the « master of weightless sound »(NZZ)\, remains a key figure of the festival in her role as « Pianiste Associée ». \nThe achievements of the Luzerner Sinfonieorchester\, and of its artistic director Numa Bischof Ullmann in particular\, were honoured in spring 2023 with the European Culture Prize yœurope Award. The international promotion ofthe Luzerner Sinfonieorchesteris funded principally by theMichael and Emmy Lou Pieper Trust. \n\n\n\nChœur de la radio de Berlin\nAvec environ 60 concerts par an\, des enregistrements sur CD et des concerts invités internationaux\, le Rundfunkchor Berlin est l’un des chœurs les plus remarquables au monde. Trois Grammy Awards représentent à eux seuls la qualité de ses enregistrements. Son répertoire varié\, son son flexible et richement nuancé\, sa précision sans faille et son interprétation captivante font du chœur professionnel le partenaire d’orchestres et de chefs d’orchestre importants\, dont Kirill Petrenko\, Daniel Barenboim\, Sir Simon Rattle et Yannick Nézet-Séguin. À Berlin\, il existe une collaboration intensive avec la Philharmonie de Berlin ainsi qu’avec l’Orchestre Symphonique Allemand de Berlin et le RundfunkSinfonieorchester Berlin et leurs chefs d’orchestre. \nLe Rundfunkchor Berlin attire également l’attention internationale avec ses projets interdisciplinaires qui brisent le format classique du concert et font de la musique chorale une nouvelle expérience. La mise en scène du Requiem de Brahms en tant que « requiem humain » par Jochen Sandig et une équipe de Sasha Waltz & Guest a constitué une étape importante. Des performances invitées ont eu lieu à New York\, Hong Kong\, Paris\, Adélaïde\, Istanbul et auront lieu à Elefsina/Grèce en 2023. Avec le projet « LUTHER dansant avec les dieux » à l’automne 2017\, le chœur a reflété l’impact de Luther sur les arts et dans les arts dans un concert révolutionnaire avec Robert Wilson et des musiques de Bach\, Nystedt et Reich. Pour l’installation de concert interdisciplinaire THE WORLD TO COME\, le Rundfunkchor Berlin a créé pour la saison 2020/21 une messe de festival berlinoise basée sur la « Missa solemnis » de Beethoven. Selon le concept et la direction de Tilman Hecker\, les mouvements musicaux contemporains sont entrés en dialogue avec le chef-d’œuvre de Beethoven. Le voyage musical dans le monde de demain a réuni des artistes nationaux et internationaux tels que Birke J. Bertelsmeier\, Colin Self\, Mohammad Reza Mortazavi\, Moor Mother et Planningtorock. En 2022\, le Rundfunkchor Berlin a poursuivi ses projets interdisciplinaires avec « Time Travelers » à la Schinkelhalle Potsdam. Avec ses projets communautaires destinés à différents groupes cibles – le grand concert de chant à la Philharmonie de Berlin\, le festival des cultures chorales pour des chœurs du monde entier et l’échange de chansons pour les étudiants berlinois – le Rundfunkchor Berlin veut attirer le plus grand nombre de personnes possible. possible de chanter. Son vaste programme éducatif SING! vise la mise en réseau durable de différents partenaires afin de promouvoir le chant en tant qu’élément naturel de la vie quotidienne des écoles primaires de Berlin. Avec l’Académie et la Schola ainsi que la Master Class internationale de direction de chœur à Berlin\, l’ensemble soutient de jeunes chanteurs et chefs d’orchestre professionnels. \nFondé en 1925\, le Rundfunkchor Berlin fêtera son 100e anniversaire en 2025. Le chœur a été influencé par des chefs tels que Helmut Koch\, Dietrich Knothe\, Robin Gritton et Simon Halsey. Depuis la saison 2015/16\, le Néerlandais Gijs Leenaars est à la tête de l’ensemble en tant que chef d’orchestre et directeur artistique. Simon\nHalsey reste associé au chœur en tant que chef honoraire et chef invité. \nLe Rundfunkchor Berlin est un ensemble du Rundfunk Orchester und Chore gGmbH Berlin\, parrainé par Deutschlandradio\, la République fédérale d’Allemagne\, l’État de Berlin et le Rundfunk Berlin-Brandenburg. \n\n\n\n\nPene Pati\nPene Pati est admiré pour son « don extraordinaire : celui d’une voix semblable à un fil d’or capable de se déployer sans effort jusqu’à la magnificence » (The Telegraph). Il est reconnaissable grâce à sa « voix ronde et ensoleillée » (Le Monde). Apprécié du public et des critiques du monde entier pour sa personnalité chaleureuse\, il obtient une renommée dès ses années de formations à la Wales International Academy of Voice\, où il obtient sa maîtrise. Il est le premier ténor samoan à se produire sur les plus grandes scènes d’Europe et fait preuve d’une grande polyvalence en interprétant de nombreux rôles\, de Mozart à Massenet\, en passant par Donizetti\, Gounod\, Puccini et Verdi. Son premier album éponyme d’airs italiens et français lui a valu le prix Opus Klassik de la révélation de l’année\, celui du meilleur interprète masculin aux Opera Critics’ Awards et le prix des lecteurs d’Opera Magazine aux International Opera Awards. Artiste exclusif de Warner Classics\, son deuxième album\, Nessun Dorma\, sort en septembre 2024. \nPene Pati ouvre sa saison 24/25 avec un retour à l’Opéra national de Paris dans le rôle de Faust de Gounod. Elle se poursuivra au Royal Ballet and Opera à Covent Garden et au Metropolitan Opera dans des débuts très attendus. Il interprètera le rôle de Rodolfo dans La Bohème de Puccini sous la direction de Speranza Scappucci et celui de Duca dans Rigoletto de Verdi sous la direction de Maurizio Benini. Il fera ses débuts dans le premier rôle au Bayerische Staatsoper\, au Lyric Opera de Chicago et son retour au San Francisco Opera. Le ténor élargit également son répertoire avec le Werther de Massenet\, au programme de son dernier album\, qu’il interprètera en version de concert avec l’Orchestre de Chambre de Genève. Au Festival de Pâques de Salzbourg\, Pene Pati chantera Elias de Mendelssohn sous la direction de Maxim Emelyanychev. Il interprètera et enregistrera à la fois le Requiem de Mozart et la première mondiale de Fazil Say\, Mozart ve Mevlana\, avec le Luzerner Sinfonieorchester sous la direction de Michael Sanderling. Il se produira également en récital à l’Opéra national de Bordeaux avec le pianiste Mathieu Pordoy\, avec Amina Edris dans le cadre de la série de récitals Les Sommets de la Voix à Crans-Montana\, en Suisse\, et à l’occasion de concerts de gala à Berlin\, Paris et Istanbul. \nAu cours des dernières saisons\, le ténor a fait de nombreux débuts remarqués à l’opéra\, notamment dans L’elisir d’amore (Nemorino) à l’Opéra national de Paris et à l’Opéra de San Francisco ; Roméo et Juliette (Roméo) à l’Opéra de San Francisco\, à l’Opéra Comique et à l’Opéra national de Bordeaux ; La traviata (Alfredo) au Staatsoper de Berlin\, au Deutsche Oper Berlin et au Dutch National Opera ; Manon (des Grieux) au Gran Teatre del Liceu et au Staatsoper de Hambourg ; La Damnation de Faust (Faust) à l’Opéra de Monte-Carlo ; Lucia di Lammermoor(Edgardo) au Teatro San Carlo di Napoli ; Mitridate\, re di Ponto au Staatsoper de Berlin ; Béatrice di Tenda(Orombello) à l’Opéra national de Paris; La Bohème (Rodolfo) au Théâtre des Champs-Elysées et à la Canadian Opera Company ; Anna Bolena (Percy) au Wiener Staatsoper ; La Favorite (Fernand) à l’Opéra national de Bordeaux ; Rigoletto (Duca) à l’Opéra de Rouen Normandie\, au Staatsoper de Berlin et au Teatro San Carlo di Napoli ainsi que Moïse et Pharaon (Aménophis) et le rôle-titre de La Clemenza di Tito au Festival d’Aix-en-Provence. Dans le cadre de la série Les Grandes Voix\, le ténor rejoint le casting de Thaïs de Massenet au Théâtre des Champs-Elysées à Paris avec Pierre Bleuse à la direction de l’Orchestre National de France et\, en tant qu’artiste en résidence auprès du CBSO\, il chante La Damnation de Faust de Berlioz et Madame Butterfly de Puccini au Birmingham Symphony Hall. \nLe 14 juillet 2024\, à l’occasion de la fête nationale en France\, Pene Pati interprète des airs de Puccini et de Verdi\, diffusés en direct à la télévision. Il a ouvert la saison du centenaire de l’Opéra de San Francisco en tant que soliste invité lors d’un concert de célébration sous la direction musicale d’Eun Sun Kim. Son concert de gala au Rudolfinum de Prague avec la Philharmonie de Prague sous la direction de Łukasz Borowicz s’est déroulé à guichets fermés et a été enregistré et diffusé par Medici.tv. \nAu cours des saisons précédentes\, Pene Pati a interprété Das Lied von der Erde de Mahler avec l’Orchestre Tonkünstler sous la direction de Hans Graf et avec l’Orchestre Philharmonique de Monte Carlo sous la baguette de Kazuki Yamada et s’est produit dans la Neuvième Symphonie de Beethoven avec Mikko Franck et l’Orchestre Philharmonique de Radio France. \nPene Pati est présent sur les réseaux sociaux : @pene.pati sur Instagram\, TikTok Facebook et @penepatitenor sur X. \n  \n \n© Simon Fowler \n\nMarianne Crébassa\nAprès avoir complété ses études de chant\, de piano et de musicologie dans sa ville natale de Montpellier\, Marianne Crebassa est engagée au studio d’opéra de l’Opéra national de Paris\, où elle fait ses débuts dans le rôle-titre d’Orphée et Euridice de Gluck et apparaît dans productions de « Lulu » et « Rigoletto » et « La finta giardiniera ». En août 2012\, elle fait ses débuts au Festival de Salzbourg aux côtés de Plácido Domingo dans « Tamerlano » de Haendel. Elle y revint plus tard dans le rôle de Celio dans « Lucio Silla » de Mozart\, Sesto dans « La clemenza di Tito » et pour le rôle-titre dans la première de « Charlotte Salomon » de Dalbavie. En tant que Chérubin dans « Les Noces de Figaro »\, elle a fait des apparitions à l’Opéra National de Vienne et à l’Opéra National d’Amsterdam ainsi qu’au Staatsoper Unter den Linden Berlin et au Teatro alla Scala\, où elle est également revenue à plusieurs reprises dans d’autres rôles. En 2016/17\, elle fait également ses débuts au Lyric Opera de Chicago et à l’Opéra-Comique de Paris. En mai 2018\, elle fait ses débuts au Staatsoper Unter den Linden dans le rôletitre de « Pelléas et Mélisande ». \nDes concerts l’ont conduite au Festival de Saint Denis\, au Festival Mozart de Salzbourg\, au Musikverein de Vienne et régulièrement au Festival de Radio France à Montpellier\, à l’Orchestre National de France\, à l’Orchestre de Paris\, au Chicago Symphony Orchestra\, à la Staatskapelle. Berlin et autres Les Musiciens du Louvre. \nElle a récemment sorti son premier album « Oh\, boy »\, acclamé par la critique et a été honorée comme meilleure chanteuse d’opéra aux Victoires de la Musique Classique 2017. \n \n© SimonFowler \n\n\n\nFatma Saïd\nÀ l’âge de quatorze ans\, Fatma Said a commencé son voyage musical qui la mènera de sa ville natale du Caire au studio d’opéra de La Scala de Milan\, à la BBC Radio 3 New Generation Artists et finalement sur les scènes de concert et d’opéra les plus prestigieuses du monde. En tant qu’artiste exclusive à Warner\, elle a sorti son premier album El Nour\, acclamé par la critique\, en 2020 \, pour lequel elle a remporté\, entre autres\, le Gramophone Classical Music Award pour le « Meilleur album de chansons »\, le BBC Music Magazine Vocal Award et l’Opus Klassik. \nFatma a reçu ses premiers cours de chant au Caire avec la soprano Neveen Allouba et a ensuite étudié le chant d’opéra à l’Université de musique Hanns Eisler de Berlin avec le professeur Renate Faltin. Saïd a ensuite reçu une bourse de l’Académie du Théâtre de la Scala de Milan\, sur la scène mondialement connue de laquelle elle a été la première Égyptienne à se produire. Pendant son séjour à l’Académie\, elle a chanté – parmi de nombreux autres rôles – le rôle-titre de Pamina dans la nouvelle production acclamée par la critique de Peter Stein de La Flûte enchantée de Mozart \, à propos de laquelle le Frankfurter Allgemeine Zeitung a écrit : « Fatma Said est parfaitement radieuse dans le rôle de Pamina. une découverte. » \nAu cours de la saison 2022/23\, Fatma Said donnera quatre concerts variés en tant qu’artiste en résidence au Konzerthaus de Vienne\, dont un programme de musique de chambre avec des chansons européennes\, américaines et arabes avec la plateforme K+K Vienne\, Shéhérazade avec l’Orchestre Symphonique de la Radio ORF. et Marin Alsop\, le Stabat Mater de Pergolesi avec Jakub Józef Orliński et un récital avec Joseph Middleton. Fatma Said sera également en tournée la saison prochaine avec Il Pomo d’Oro Dido et Aeneas ainsi qu’avec Malcolm Martineau et Sabine Meyer et leur programme en trio. Elle attend également avec impatience ses débuts au Liceu de Barcelone lors d’un gala pour le 100e anniversaire de Victoria de los Angeles\, son retour à l’Orchestre Philharmonique de Radio France pour Shéhérazade avec Pietari Inkinen\, ainsi que d’autres concerts et récitals à Londres\, Istanbul\, Prague\, Paris\, Sofia\, Dortmund et Amsterdam. \nParmi les moments forts récents de la saison écoulée\, citons sa résidence au Konzerthaus de Berlin\, où elle a présenté une série de programmes hauts en couleur\, dont le concert pour la sortie de son deuxième album Kaleidoscope en septembre 2022\, un concert de gala au Grand Musée égyptien du Caire\, ainsi que ainsi que des performances avec Giovanni Antonini\, Iván Fischer et Alondra de la Parra. Chanteuse passionnée de lieder\, Fatma est également revenue en récital à la Schubertiade de Hohenems et a fait ses débuts au Carnegie Hall de New York et aux Celebrity Series de Boston. \nCes dernières années\, elle s’est produite lors de nombreux concerts\, récitals et festivals dans de nombreuses salles de concert et opéras de renom dans le monde entier\, notamment le Teatro San Carlo de Naples\, l’Opéra national de Hambourg\, le Concertgebouw d’Amsterdam\, le Teatro Lirico de Cagliari et le Le Royal Opera House de Mascate\, l’Opéra de Wexford en Irlande\, le Gewandhaus de Leipzig\, l’Orchestre philharmonique de Cologne\, les salles de concert de Berlin et de Vienne\, le Mozarteum de Salzbourg\, la Tonhalle de Düsseldorf\, le Birmingham Symphony Hall\, le Festival de musique de Pembroke\, la Schubertiade de Valdegovia\, le Festival Lockenhaus\, les Festivals Schumann et Beethoven à Bonn\, la Semaine Mozart à Salzbourg et le Festival de Musique de Bad Kissingen. \nSur la scène de l’opéra\, elle incarne les rôles de Pamina ( La Flûte enchantée )\, Nannetta ( Falstaff )\, Clorinda ( La cenerentola )\, La Pastourelle ( L’enfant et les sortilèges )\, Berta ( Il barbiere di Siviglia )\, 1ère écologiste ( CO2 )\, Feanichton ( Bataclan ) et L’Amour ( Orphée et Eurydice ) au Teatro alla Scala. Elle a chanté le rôle de Genovieffa (Suor Angelica) dans un concert avec le Boston Symphony Orchestra et Andris Nelsons\, ainsi que le rôle principal de Tharsis dans une nouvelle production de THAMOS dirigée par Alondra de la Parra et mise en scène par La Fura dels Baus. lors de la Semaine Mozart 2019. \nIl est très important pour Fatma Said de soutenir des causes caritatives : en septembre 2021\, elle s’est produite devant la Tour Eiffel à Paris lors du Global Citizen Live – un concert en direct de 24 heures diffusé dans le monde entier\, au cours duquel des artistes du monde entier ont appelé les hommes politiques à Pour ce faire\, prenez des engagements pour protéger l’environnement\, mettre fin à l’extrême pauvreté et mettre fin à la pandémie de COVID-19 grâce à une distribution équitable des vaccins. Elle a présenté l’Égypte lors de la Journée des droits de l’homme des Nations Unies à Genève en 2014\, 2017 et 2018 et devant le temple de Louxor en Égypte. En 2016\, le Conseil national égyptien pour les femmes lui a décerné un prix honorifique pour ses réalisations artistiques internationales exceptionnelles. Elle a également été la première chanteuse d’opéra égyptienne à recevoir de l’État le Prix de la créativité\, l’une des plus hautes distinctions égyptiennes. L’année dernière\, Fatma a reçu le prix Rafik Al Hariri pour l’excellence artistique de l’Atlantic Council à Washington. \nFatma continue de travailler avec le professeur Renate Faltin et a également étudié avec d’importants professeurs et entraîneurs tels que Julia Varady\, Claar Ter Horst\, Anita Keller\, Wolfram Rieger et Tom Krause. Fatma a remporté de nombreux concours de chant prestigieux\, dont le 8e Concours international de chant Veronica Dunne (Dublin\, 2016)\, le 7e Concours international d’opéra Leyla Gencer (Istanbul\, 2012)\, le deuxième prix du 16e Concours international Robert Schumann (Zwickau\, 2012) et le Grand Prix du premier Concours de chant Giulio Perotti (Allemagne\, 2011). L’académie stART de Bayer promeut également la culture. \n \n© James Bort \n\nAlexandros Stavrakakis\nLa basse grecque Alexandros Stavrakakis est le premier prix du Concours international Tchaïkovski 2019 et est un invité régulier du Semperoper de Dresde\, où ses rôles cette saison incluent Alidoro (La Cenerentola)\, Filippo II (Don Carlo) et Colline (La bohème) parmi autres. Cette saison\, il fera ses débuts au Théâtre des Champs Elysées à Paris et reviendra au Bayerische Staatsoper\, au Schloss Elmau et au Semperoper. \nAu cours des saisons passées\, Alexandros a fait ses débuts au Metropolitan Opera de New York\, au Bayerische Staatsoper de Munich\, à l’Opéra national de Bordeaux\, au Deutsche Oper de Berlin\, au Théâtre Bolchoï de Moscou\, au Teatro Massimo di Palermo\, au Festival de Verbier et au Festival d’Aix- en Provence. \nLes saisons à venir verront son retour au Semperoper de Dresde et au Bayerische Staatsoper\, ainsi que des débuts en maison au Teatro del Liceu Barcelona\, au Houston Grand Opera et à l’Opéra national de Paris. \nEn tant que soliste\, Alexandros est apparu dans des productions d’opéra de l’Opéra national grec et du Megaron Athens Concert Hall\, a travaillé dans de nombreuses émissions de radio et récitals à Athènes\, Thessalonique\, Ioannina\, Syros (Théâtre Apollo)\, Corfou\, Céphalonie\, Delphes\, Dresde\, Berlin\, Baden-Baden\, Kaiserslautern\, Landau\, Bad Elster\, Istanbul\, en collaboration avec des orchestres tels que l’Orchestre Symphonique Grec de l’ERT\, l’Orchestre d’État de Thessalonique\, le Deutsche Philarmonie Orchestra SWR\, la Staatskapelle Dresden. \nIl a collaboré avec des chefs d’orchestre dont Christian Thielemann\, Ivan Repušić\, Omer Meir Wellber\, John Fiore\, Andres Orozco-Estrada\, Nikolaj Znaider\, Jonathan Darlington\, Daniele Rustioni\, Joana Mallwitz\, Marco Armiliato\, Antonello Manacorda et Mark Wigglesworth. Les metteurs en scène notables incluent Damiano Michiletto\, Christof Loy\, David Mc Vicar\, Katharina Thalbach\, Andreas Homoki\, Nikolaus Lehnhoff\, Grischa Asagaroff et Dmitry Bertman. \nLes programmes de récitals d’Alexandros vont de Schubert\, Brahms et Schumann à Moussorgski\, Rachmaninov et Tchaïkovski. \nIl a commencé son éducation musicale dès son plus jeune âge en recevant des cours de piano auprès de sa mère. À l’âge de huit ans\, il devient membre du chœur d’enfants de l’ERT (Hellenic Broadcasting Corporation). Deux ans plus tard\, il rejoint le « Chœur d’enfants Manolis Kalomiris » du Conservatoire national\, ce qui lui permet de participer à de nombreuses productions d’opéra de l’Opéra national grec. \nEn 2014\, il a obtenu son diplôme avec mention et prix spécial et la même année\, il a reçu la bourse Maria Callas. En plus de sa victoire au Concours International Tchaïkovski 2019\, Alexandros a remporté le 3e Concours International Wagner à Leipzig et est lauréat du Deuxième Prix et du Prix du Public au prestigieux Concours Hans Gabor Belvedere (Riga\, 2018). \n \n\n 
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SUMMARY:CINÉ-CONCERT : PSYCHOSE
DESCRIPTION:CINÉ-CONCERT\nPsychose d’Alfred Hitchcock\nDirection: Ernst van Tiel \nOrchestre de la Suisse Romande\n\n\n\nFidèles aux ciné-concerts\, nous quittons notre cher Chaplin pour assister à la représentation de Psychose\, du maître Alfred Hitchcock ; la musique mythique sera interprétée live par nos amis de l’Orchestre de la Suisse Romande. Une soirée au suspens obsédant grâce notamment au génie musical de Bernard Herrmann. \n  Marie-Noëlle Tirogalas \n\n\n \n© A Universal Picture \n\nMusique de Bernard Herrmann \nFrissons garantis avec la musique de Bernard Herrmann pour Psychose\, un des films les plus noirs et les plus angoissants du maître du suspense\, avec la figure inquiétante d’un jeune homme détraqué superbement incarné par Anthony Perkins. Pour cette quatrième collaboration avec le grand Hitch\, le compositeur avait reçu carte blanche mais disposait d’un budget limité l’empêchant d’utiliser un orchestre symphonique. Cette contrainte fut finalement des plus bénéfiques\, car le choix des cordes seules colle parfaitement aux images en noir et blanc\, particulièrement dans « la scène de la douche » devenue si célèbre grâce à la musique stridente de Bernard Herrmann accompagnant sèchement le geste fatal du meurtrier. Herrmann révolutionne la musique de film par ses harmonies dissonantes\, ses ostinatos\, son minimalisme et ses structures harmoniques se distançant du romantisme qui sévissait alors à Hollywood. \nErnst Van Tiel\nPendant et immédiatement après ses études au Conservatoire d’Utrecht\, Ernst van Tiel a dirigé divers orchestres de radiodiffusion néerlandais\, tels que le Radio Philharmonic et le Metropole Orchestra\, ainsi que des orchestres de musique classique\, de jazz et de cinéma. \nErnst van Tiel a étudié la direction d’orchestre avec Franco Ferrara\, Gary Bertini\, Jean Fournet et Lucas Vis. Il a dirigé de nombreux orchestres\, tels que l’Orchestre philharmonique de Rotterdam\, le London Symphony Orchestra\, le Royal Philharmonic Orchestra\, l’Orchestre National de Lyon\, l’Orchestre symphonique d’État de Moscou\, l’Orchestre national russe\, l’OBC Barcelona\, La Verdi Milano\, Santa Cecilia Roma\, 21CO\, entre autres. Il a également été l’assistant de Valeri Gergiev\, qui l’a invité à diriger des opéras au théâtre Mariinsky\, comme Elektra\, Lucia di Lammermoor\, Rigoletto. \nErnst van Tiel a travaillé avec de nombreux solistes\, comme Anna Netrebko et Maxim Vengerov\, avec qui il a enregistré les Concertos pour violon de Wieniawski. \nAvec le Brussels Philharmonic Orchestra\, il a enregistré la musique originale du film The Artist de Ludovic Bource. Récompensé par cinq Oscars\, sept Baftas\, trois Golden Globes et six Césars\, dont un pour la composition originale de Bource\, le film fait aujourd’hui l’objet d’une tournée internationale avec un orchestre en direct\, sous sa direction. \nSpécialiste de ciné-concerts\, Ernst van Tiel dirige la plupart des grands titres\, d’Alexander Nevski à Star Wars\, en passant par West Side Story\, Vertigo et Close Encounters of the 3rd kind\, ainsi que les titres des films Harry Potter avec orchestre. Récemment\, il a dirigé des concerts avec le groupe Foreigner. L’enregistrement en direct de ces concerts a été publié le 27 avril 2018 et a immédiatement atteint la première place du classement des albums classiques aux États-Unis. \n \n©Dariusz Kula \n\nOSR: Orchestre de la Suisse Romande\nCréé en 1918 par le chef Ernest Ansermet\, l’Orchestre de la Suisse Romande se compose de 112 musiciennes et musiciens permanents\, représenté par 22 nationalités différentes. Sous la direction du chef britannique Jonathan Nott\, en poste depuis 7 ans\, l’Orchestre joue chaque année plus de 80 concerts\, dont une vingtaine à l’étranger. Il assure les concerts d’abonnement à Genève et Lausanne\, les concerts symphoniques de la Ville de Genève\, le concert annuel à l’occasion de la journée de l’Organisation des Nations Unies\, ainsi que les représentations lyriques au Grand Théâtre de Genève. Près de 700 musiciennes et musiciens ont contribué à sa réputation\, bâtie au fil des ans grâce à ses enregistrements historiques et à son interprétation des répertoires français et russes du XXe siècle. \nFormation de réputation mondiale\, sous la baguette de son chef fondateur\, puis de ses directeurs musicaux successifs (Paul Klecki 1967–1970\, Wolfgang Sawallisch 1970–1980\, Horst Stein 1980–1985\, Armin Jordan 1985–1997\, Fabio Luisi 1997–2002\, Pinchas Steinberg 2002–2005\, Marek Janowski 2005–2012\, Neeme Järvi 2012–2015)\, de son principal chef invité Kazuki Yamada (2012–2017) et du chef Jonathan Nott\, l’OSR a toujours contribué activement à l’histoire de la musique avec la découverte et le soutien de compositrices et compositeurs contemporains. Soutenir la création symphonique\, et particulièrement suisse est une des principales missions de l’OSR. L’Orchestre a notamment participé à la création des œuvres d’Igor Stravinski\, Darius Milhaud\, Arthur Honegger\, Frank Martin\, André-François Marescotti\, Benjamin Britten\, Witold Lutosławski\, Heinz Holliger\, William Blank\, Peter Eötvös\, James MacMillan\, Pascal Dusapin ou encore Michael Jarrell. \nLancé en 2019\, le programme d’artistes en résidence a permis de recevoir les compositeurs Yann Robin et Michael Jarrell\, les pianistes Francesco Piemontesi et Marc Perrenoud\, le violoniste Frank Peter Zimmermann\, le clarinettiste Martin Fröst ainsi que Daniel Harding comme chef en résidence. L’OSR accueillera en 2024–25 la saxophoniste Valentine Michaud. Ce programme permet à l’Orchestre de nouer de riches relations et d’insuffler un renouveau artistique. \nEn 2022\, l’Orchestre de la Suisse Romande créé le poste de chef·fe assistant·e afin de permettre à de jeunes talents de travailler directement avec le directeur musical et artistique et l’orchestre pour préparer le programme des concerts\, d’enregistrements\, d’opéras et de tournées\, et acquérir une expérience précieuse dans la gestion d’un orchestre. Depuis 2024\, l’OSR a pris la décision de ne réserver qu’aux seuls talents féminins le poste de cheffe assistante. \nCollaborant étroitement avec la Radio Télévision Suisse dès son origine\, l’Orchestre de la Suisse Romande est très tôt diffusé sur les ondes radiophoniques\, donc écouté par des millions de personnes à travers le monde. Grâce à un partenariat avec Decca (plus de 100 disques)\, qui donne naissance à des enregistrements légendaires\, l’OSR confirme sa présence sur la scène musicale mondiale. Il a enregistré avec une dizaine de labels internationaux des disques qui ont reçu de nombreuses distinctions. \nLes tournées internationales de l’OSR le conduisent dans les salles prestigieuses d’Europe (Berlin\, Londres\, Vienne\, Salzbourg\, Paris\, Amsterdam\, Moscou\, Saint-Pétersbourg\, Brno\, Madrid) et d’Asie (Tokyo\, Séoul\, Beijing\, Shanghai\, Bombay)\, ainsi que dans les grandes villes des continents américains (Boston\, New York\, San Francisco\, Washington\, Sao Paulo\, Buenos Aires ou Montevideo). L’OSR est l’hôte de nombreux festivals : citons\, depuis 2000\, le Budapest Spring Festival\, les Chorégies d’Orange\, le Festival de Música de Canarias\, le Festival de Pâques\, le Lucerne Festival\, Les Nuits Romantiques à Aix-les- Bains\, le Festival de Radio France et Montpellier\, le Gstaad Menuhin Festival\, le Septembre Musical de Montreux-Vevey\, le Festival International de Santander\, les Robeco Zomerconcerten à Amsterdam\, le Grafenegg Festival en Autriche et les BBC Proms de Londres. \nL’OSR a également créé son propre festival ; depuis 2020\, il se produit à Genève-Plage\, aux bords du Lac Léman avec des artistes comme Yoav Levanon\, Marzena Diakun\, Francesco Piemontesi et cette saison le chanteur Matt Dusk. L’une des missions de l’OSR est de promouvoir la musique symphonique auprès des jeunes d’aujourd’hui (et du public de demain) au gré d’une large palette d’activités. Celles-ci comprennent notamment les parcours pédagogiques qui préparent les enfants à venir aux concerts avec divers ateliers proposés en amont\, les Concerts pour petites oreilles avec la possibilité d’essayer des instruments\, les Concerts en famille au Victoria Hall\, les concerts scolaires et les répétitions ouvertes aux classes en collaboration avec le département de l’instruction publique (DIP) de l’État de Genève. L’Orchestre réalise chaque année une tournée en Suisse romande afin de permettre aux écolières et écoliers de tous les cantons romands de l’écouter. \nL’Orchestre de la Suisse Romande est soutenu par la Ville de Genève\, la République et canton de Genève\, le canton de Vaud\, la Radio Télévision Suisse\, les associations genevoise et vaudoise des Amis de l’OSR et de nombreux sponsors et mécènes. \n \n©Niels Ackermann \n\n 
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SUMMARY:NIGHT OF QUEEN
DESCRIPTION:NIGHT OF QUEEN\nJohan Boding with the Night of Queen Band and Choir\n\n\n\nLa saison s’ouvre sur une soirée hommage au mythique groupe Queen\, 50 ans après sa création\, avec Night of Queen\, 11 artistes qui font revivre l’esprit de Freddy Mercury et ses musiciens. Le meilleur groupe dans cet exercice promet de mettre le feu au Rosey Concert Hall. \nMarie-Noëlle Tirogalas \n\n\nThe Freddie Mercury 2024 Birthday Tribute Concert\nTHE REVIVAL – 2024  \nAfter hundreds of tributes from 2008-2022\, Johan Boding – Night of Queen Band & Choir are back! Now we’re returning to Switzerland to revive our tribute to Freddie and Queen\, hence the name – The Revival 2024. Johan Boding\, also known as the « King of Queen\, » together with the Night of Queen Band and Night of Queen Choir\, has celebrated Queen throughout Sweden on arena tours\, in London\, Liverpool\, and especially in Montreux. Following the success in Montreux in 2017\, we have once again been invited to Switzerland. This time\, on Friday\, September 6\, we will be performing for 850 music students from all over the world in a fantastic concert hall outside Geneva. Since starting in 2008\, the objective for Johan Boding & Night of Queen has been to honor Freddie & Queen through « sound-alike » performances\, all delivered LIVE! \nJohan Boding\nJohan has been able to show his wide range in several popular TV shows on Swedish television and has been seen in major tours with the music from Queen. He has been the lead singer in several different Queen tributes all over Sweden\, Norway\, England\, Italy\, Portugal and Azerbaijan. In 2017 he was invited to perform at Freddie Mercury’s official birthday-party in Montreux\, Switzerland. Most of all he works with the concept ”Johan Boding – Night of Queen Band & Choir”. \n \nOfficial website \n  \n\n\n\nNight of Queen Band\nTwo guitarists\, a drummer\, a bassist\, and a keyboardist—all with a love for Queen’s music and respect for an immense musical legacy. Every note\, every drumbeat\, every riff is meticulously studied and practiced until it sounds just like the original. No detail is too small to be refined. The Night of Queen band has spent hours studying live shows and studio recordings to understand how each song should be performed. With great joy and unwavering precision in every detail\, they have created a lively\, pulsating tribute to Queen that both old and new fans can appreciate. \nTomas Gantelius\, Bandleader & keyboard \nSamuel Boding\, guitar \nStefan Jonsson\, guitar \nPer-Arne Pettersson\, bass \nMagnus Anderfjärd\, drums \n \nOfficial website \n\nNight of Queen Choir\nWhen the Night of Queen concept started\, the choir consisted of a total of 16 members. Since the year 2012\, the choir has been much smaller in number\, but these singers form a fantastic group. Their voices are unique both individually\, and as a choir\, they create an incredible dynamic in true Queen choir spirit. The members of Night of Queen love singing together\, and the choir is characterised by immense stage joy and precision in their performances. \nAnnelise Rynefors\, soprano \n Johanna Zander\, soprano \nSofie Rynefors\, alto \nMarica Lindé\, alto \nFredrik Sjöstedt\, tenor \nKlas Brohagen\, bass \n\n 
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LOCATION:Rosey Concert Hall\, Le Rosey\, Rolle\, 1180\, Suisse
CATEGORIES:Concert
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SUMMARY:CINÉ-CONCERT : LE DICTATEUR DE CHAPLIN
DESCRIPTION:CINÉ-CONCERT\nLe dictateur de Chaplin\nDirection: Timothy Brock \nOrchestre de la Suisse Romande\n\n\n\nLe retour de nos ciné-concerts ! Les films de Charlie Chaplin se prêtent à merveille à cet exercice et cette année\, nous avons la chance de recevoir nos amis de l’Orchestre de la Suisse Romande qui joueront en live la bande-son du film. A noter qu’il s’agit d’une grande première suisse\, le film Le Dictateur n’ayant jamais encore été adapté en ciné-concert chez nous.  \n  Marie-Noëlle Tirogalas \n\n\n \n© Roy Export SAS \n\nLe dictateur \nUn barbier blessé durant la première guerre mondiale rentre chez lui après 20 années de réclusion dans un hôpital. La poussière et les toiles d’araignées ont envahi sa boutique\, mais rien ne le prépare aux inscriptions haineuses sur sa vitrine. Les sbires d’Hynkel\, Dictateur féroce\, le persécutent lui\, les Juifs de sa communauté et la belle Hannah… Une satire visionnaire qui marqua l’Histoire autant qu’elle en porte l’empreinte. \nEn juillet 1940\, Charlie Chaplin achevait le tournage du Dictateur mais il lui restait encore du pain sur la planche. Son fils Charles Chaplin\, Jr. se souvient : « les choses se détendirent pour Paulette [Goddard] et pour les autres acteurs… Mais pas pour papa. Véritable force de la nature\, il tourna ensuite son attention vers la composition de la musique. » Comme cela fut le cas pour Les Lumières de la ville (1931) et Les Temps modernes (1936)\, Chaplin contrôla la bande originale du Dictateur en composant sa propre musique. \nEn 1941\, Le Dictateur fut nominé pour cinq Oscars\, dont celui de la meilleure musique originale. \nSynopsis du Dictateur\nPendant la Première Guerre Mondiale\, un anonyme combattant de l’armée de Tomania\, sauve la vie d’un officier nommé Schultz. L’avion dans lequel ils se trouvent s’écrase et le petit soldat est envoyé dans un hôpital où il restera vingt ans\, ignorant les changements qui s’opèrent autour de lui. Il ne sait pas que Hynkel est devenu dictateur de Tomania et qu’il persécute les juifs avec l’aide de ses deux ministres\, Garbitsch et Herring.  \nA sa sortie de l’hôpital\, la victime amnésique retourne dans sa boutique de barbier dans le ghetto espérant retrouver tout ce qu’il avait laissé vingt ans auparavant. Il fait la connaissance d’Hannah et il en tombe amoureux.  \nEntretemps\, Schultz est devenu un personnage incontournable du régime\, reconnaît le barbier et ordonne à ses troupes de le laisser tranquille. Pendant ce temps\, Hynkel planifie l’invasion de l’Osterlich\, pays frontalier\, et quand Schultz remet en cause cette invasion\, le dictateur le condamne aux camps de concentration. Aussitôt\, Schultz organise son évasion du camp en essayant de provoquer une rébellion contre le gouvernement. Il se réfugie dans le ghetto\, chez son ami le barbier\, mais les troupes de Hynkel détruisent sa vitrine et rendent sa nouvelle vie misérable.  \nMais juste avant de mener à bien son plan d’évasion\, lui-même et son ami le barbier sont arrêtés ensemble et internés dans un camp.  \nPoursuivant son plan d’invasion de l’Osterlich\, Hynkel invite au palais Napaloni\, le dictateur de Bacteria\, et\, après quelques différends comiques\, envahit l’Osterlich. L’invasion est un succès et Hannah\, qui s’est réfugiée dans ce pays avec ses amis\, se retrouve une fois de plus sous la domination du régime cruel de Hynkel.  \nPendant que le dictateur célèbre se dernière conquête en prenant des vacances\, Schultz et son ami le barbier réussissent leur fuite du camp. Hynkel est arrêté par ses propres troupes et le barbier est confondu avec le dictateur. Réalisant l’importance de sa nouvelle position\, le barbier organise un plan et fait un discours devant le peuple de Tomania\, dénonçant tous les méfaits de Hynkel\, allant jusqu’à faire l’éloge de la démocratie.  \n\nCharlie Chaplin\nCharles Spencer Chaplin est né à Londres le 16 avril 1889. Ses parents\, Charles et Hannah\, tous deux artistes de music-hall\, se séparent avant ses trois ans. Mme Chaplin se bat pour élever Charles et son demi-frère aîné Sydney\, enfant illégitime\, malgré sa santé défaillante (elle a fini par être internée en hôpital psychiatrique). Vivant la plupart du temps dans des conditions d’extrême pauvreté\, les deux garçons passent le plus clair de leur petite enfance dans des institutions pour jeunes indigents. \nÀ dix ans\, cependant\, Charles débute sa carrière professionnelle dans une troupe d’enfants danseurs de claquettes. Pendant plusieurs années\, il joue le petit groom Billy dans la pièce Sherlock Holmes\, apparaissant même dans ce rôle dans un théâtre du West End\, à Londres. D’autres emplois dans le music-hall finissent par aboutir à son recrutement dans la troupe de Fred Karno\, le plus grand imprésario britannique de spectacles de cabaret. Les talents comiques exceptionnels de Chaplin en font très vite la star de la compagnie Karno. Fin 1913\, lors d’une tournée dans les music-halls américains\, il est remarqué par Mack Sennett et engagé dans la Keystone Comedy Company à Hollywood. C’est le début d’une longue série de courts et de moyens métrages. Il crée alors le costume et le maquillage qui vont le rendre célèbre ; en l’espace d’une année\, il a pris le chemin d’une gloire et d’une affection internationales\, telles qu’aucun autre comédien n’en a jamais connu. \nRapidement\, il passe d’une compagnie à une autre\, avec un salaire qui n’en finit pas de grimper\, toujours en quête d’une plus grande autonomie créative. En 1918\, il monte son propre studio et en 1919 il est cofondateur\, avec Douglas Fairbanks\, Mary Pickford et D.W. Griffith\, de United Artists (les Artistes Associés)\, une maison de distribution indépendante. Avec des chefs-d’oeuvre comme L’Émigrant\, Charlot soldat\, Le Gosse ou La Ruée vers l’or\, Chaplin apporte une nouvelle dimension à la comédie\, pas seulement par les talents extraordinaires de son jeu d’acteur ou de sa créativité burlesque\, mais aussi dans le domaine de l’étude de caractère\, de l’émotion et de la satire sociale présentes dans ses films. L’avènement du parlant a constitué un problème plus difficile pour Chaplin que pour les autres stars du muet. Il avait conquis le public du monde entier grâce au langage universel de la pantomime; et dans ses premiers films parlants\, Les Lumières de la ville et Les Temps modernes\, il continue en fait à réaliser des films muets\, utilisant le nouveau support du son uniquement pour ajouter aux images un accompagnement musical synchronisé et préenregistré. Quand il se lance enfin dans les dialogues avec Le Dictateur en 1941\, il prouve qu’il peut manier le son et la parole à la perfection. \nChaplin a connu une dévotion universelle quasi unique; mais dans la paranoïa ambiante des États-Unis d’après-guerre\, il est la cible des attaques répétées d’une droite américaine qui le soupçonne pour ses positions radicales. Le FBI\, sous la direction de son célèbre patron J. Edgar Hoover\, orchestre contre lui à grand renfort de publicité un procès en reconnaissance de paternité qui ne fait qu’éroder un peu plus sa popularité. En 1952\, Chaplin choisit d’établir sa résidence permanente en Suisse plutôt que de continuer à se battre contre les Etats-Unis. Il réalise deux autres films en Europe\, publie deux autobiographies et continue à écrire des scénarios et à composer de nouvelles partitions musicales pour ses anciens films muets pratiquement jusqu’à sa mort\, dans la nuit de Noël 1977. \n\nTimothy Brock\nTimothy Brock est un chef d’orchestre et compositeur spécialisé dans les œuvres de concert du début du XXe siècle et la direction de musique en direct pour films muets. Chef d’orchestre de partitions pour films muets et conservateur\, ses réalisations majeures comprennent la restauration de l’unique partition pour film muet de Dmitri Chostakovich\, New Babylone\, de la partition dadaïste d’Eric Satie\, Entr’acte\, The Assassination of Duke DeGuise de Saint-Saën et Vampyr (1930) de Wolfgang Zeller. Depuis 1999\, Timothy Brock travaille en tant que conservateur de partitions pour la famille de Charles Chaplin. Il est à ce jour le spécialiste le plus éminent de la musique de Charles Chaplin et il a réalisé 15 éditions en direct critiques et révisées des principaux films de Chaplin\, dont Modern Times\, City Lights\, The Gold Rush et The Kid\, toutes publiées par Bourne Music\, International. \nEn juin 2023\, il dirigera l’Orchestra del Teatro dell’Opera di Roma dans la première mondiale de The Great Dictator (1940) de Chaplin. Brock fait ses débuts sur le podium de l’historique Caracalla avec une musique jamais interprétée auparavant en direct. \nEn tant que compositeur\, il a écrit plus de 40 musiques de films muets\, dont The General\, Steamboat Bill Jr. de Buster Keaton\, Nosferatu de F.W. Murnau\, Frau im mond de Fritz Lang\, et a récemment créé sa nouvelle partition commandée pour Foolish Wives d’Erich von Stroheim au San Francisco Silent Film Festival en mai 2022. \nBrock continue également à mettre l’accent sur ses programmes Entartete Musik\, qu’il a lancés en 1990 en tant qu’ancien chef du Washington Chamber Orchestra\, mettant en lumière le génie négligé de ces compositeurs qui ont été supprimés par la tyrannie artistique du Troisième Reich. \nTimothy Brock a dirigé certains des orchestres les plus prestigieux du monde\, notamment le New York Philharmonic\, l’Orchestre de Paris\, le BBC Symphony\, le Chicago Symphony\, l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia\, le Montreal Symphony\, l’Orchestre philharmonique de Radio France et le Swedish Radio Symphony. \nIl a élu domicile à Bologne\, en Italie. \n \n© Nicola Vincenzo Rinaldi \n\nOSR: Orchestre de la Suisse Romande\nActeur culturel incontournable de la Suisse romande\, l’OSR est le premier orchestre symphonique de la région ainsi que l’orchestre principal du Grand Théâtre de Genève. Composé de 112 musiciens\, l’OSR compte aujourd’hui parmi les grands orchestres internationaux. Fondé en 1918 par Ernest Ansermet\, l’OSR rayonne à la fois en Suisse romande\, ainsi qu’à l’international. Il perpétue aujourd’hui ses valeurs d’ouverture\, de partage et de création. L’OSR assume également ses missions de médiation culturelle\, de pédagogie et de valorisation de son patrimoine par de nombreuses actions au sein de la Cité. Mêlant styles et époques et à l’aube de son deuxième siècle d’existence\, l’OSR se veut résolument être un passeur de culture et d’émotions. \n\n 
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SUMMARY:LES SOLISTES DE LA MENUHIN ACADEMY
DESCRIPTION:LES SOLISTES DE LA MENUHIN ACADEMY\nAvec leurs professeurs et Renaud Capuçon\nPartenaire de la soirée:\n \n\n\nComme chaque année\, les Solistes de la Menuhin Academy\, notre orchestre en résidence depuis 2015\, donnent un concert d’exception avec leurs professeurs. Un moment unique de partage de connaissances et d’échange intergénérationnel qui met en lumière une des missions du Rosey Concert Hall. \nMarie-Noëlle Tirogalas \n\nPROGRAMME\n\n\nFrank Bridge\nPhantasy pour quatuor avec piano en fa dièse mineur \nRobert Schumann \nQuintette pour piano en mi bémol majeur op. 44  \nSans entracte  \nCyprien Lengagne \n« Le souffle de l’aurore» pour orchestre à cordes  \nFelix Mendelssohn \nSymphonie pour cordes n° 9 en do majeur « Suisse » \n \n© Aurelia Thys \n\n  \nInternational Menuhin Music Academy\nQuand Lord Menuhin créa en 1977 avec son disciple et ami Alberto Lysy l’International Menuhin Music Academy\, à Gstaad\, il inventait une forme toute nouvelle d’académie musicale\, sans frais de scolarité\, où les futurs solistes\, recrutés pour 3 ou 4 ans dans le monde entier après leurs études secondaires\, seraient réunis par une même passion de la musique et une même volonté de progresser\, apprendraient à jouer ensemble et à se produire en public et partageraient un même idéal humaniste de tolérance et d’ouverture au monde et aux autres. Un noyau de trois professeurs anciens élèves de Menuhin et de Lysy se chargèrent après 2009 de transmettre cette flamme et cet héritage artistique et culturel : Oleg Kaskiv reprit la direction musicale et l’enseignement du violon\, Pablo de Naverán\, celui du violoncelle\, Ivan Vukčević\, celui de l’alto. Ils ont formé quotidiennement avec la même ferveur les seize solistes qui composent l’ensemble des Menuhin Academy Soloists et qui bénéficient de l’accompagnement au piano d’Olga Sitkovetsky (de la Menuhin School dans le Surrey). Les meilleurs se présentent à des concours réputés. \nDe 2012 à 2019\, Maxim Vengerov a été le directeur artistique de l’Académie. \nEn 2015\, les solistes de l’Académie sont devenus l’orchestre résident de l’Institut Le Rosey à Rolle. \nIls y offrent des concerts publics\, participent à plusieurs festivals en Suisse et en Europe et préparent des tournées internationales. Au total une trentaine de concerts annuels. \nEn juillet 2019\, Renaud Capuçon a rejoint l’Académie pour en prendre la direction artistique et lui insuffler un élan nouveau. Il s’est adjoint un deuxième enseignant pour le violon\, Guillaume Chilemme. De prestigieuses invitations sont depuis régulièrement lancées pour organiser des master classes au Rosey Concert Hall pour chaque instrument et pour la musique de chambre. Le corps professoral s’est récemment étoffé grâce à la venue de deux autres maîtres\, Gérard Caussé pour l’alto et Clemens Hagen pour le violoncelle. \n\nRenaud Capuçon\nNé à Chambéry en 1976\, Renaud Capuçon a commencé ses études au Conservatoire national supérieur de musique de Paris à 14 ans\, où il a reçu de nombreuses récompenses durant ses cinq années d’études. Il s’est ensuite installé à Berlin pour étudier avec Thomas Brandis et Isaac Stern et a reçu le prix de la Berliner Akademie der Künste. En 1997\, il est choisi par Claudio Abbado pour devenir Konzertmeister du Gustav Mahler Jugendorchester\, pendant trois étés\, travaillant avec des chefs comme Pierre Boulez\, Seiji Ozawa\, Franz Welser-Möst et Claudio Abbado. \nDès lors\, Renaud Capuçon s’est imposé comme soliste de très haut niveau. Il joue avec les grands orchestres : Berliner Philharmoniker\, Boston Symphony Orchestra\, Chamber Orchestra of Europe\, Filarmonica della Scala\, London Symphony Orchestra\, New York Philharmonic\, Wiener Philharmoniker\, Orchestre de Paris\, Orchestre National de France et Orchestre Philharmonique de Radio France. Il travaille avec de nombreux chefs\, tels que Daniel Barenboim\, Semyon Bychkov\, Ernő Dohnányi\, Gustavo Dudamel\, Christoph Eschenbach\, Valery Gergiev\, Bernard Haitink\, Daniel Harding\, Long Yu\, Paavo Järvi\, Andris Nelsons\, Yannick Nézet-Séguin\, François-Xavier Roth\, Lahav Shani\, Robin Ticciati\, Jaap van Zweden… \nSon engagement pour la musique de chambre l’a conduit à collaborer avec Martha Argerich\, Nicholas Angelich\, Daniel Barenboim\, Yuri Bashmet\, Yefim Bronfman\, Khatia Buniatishvili\, Hélène Grimaud\, Maria João Pires\, Daniil Trifonov\, Yo-Yo Ma et Yuja Wang\, ainsi qu’avec son frère\, le violoncelliste Gautier Capuçon. Il a ainsi notamment joué aux festivals de Berlin\, Lucerne\, Verbier\, Aix-en-Provence\, La Roque d’Anthéron\, San Sebastián\, Stresa\, Salzbourg\, Édimbourg et Tanglewood. Il a également représenté la France dans certains des événements internationaux les plus prestigieux : en 2018 il s’est produit avec Yo-Yo Ma sous l’Arc de triomphe pour la commémoration de l’Armistice en présence de plus de 70 chefs d’État ; il a par ailleurs joué au sommet du G7 à Biarritz en 2019. \nRenaud Capuçon est le directeur artistique de deux festivals : les Sommets musicaux de Gstaad\, depuis 2016\, et le Festival de Pâques d’Aix-en-Provence\, qu’il a fondé en 2013. En 2019-2020 il s’est produit avec le Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks\, la Filarmonica della Scala\, les Wiener Symphoniker\, l’Israel Philharmonic Orchestra\, l’Orchestre philharmonique tchèque\, le London Philharmonic Orchestra et le Chamber Orchestra of Europe. Il fera des tournées aux États-Unis avec le Budapest Festival Orchestra et assurera la création mondiale d’un concerto pour violon de Michael Jarrell avec le Tokyo Symphony Orchestra. Il se produira en récital à la Salzburger Festspiele\, au Musikverein et au Wigmore\nHall ; il jouera le cycle complet des trios de Beethoven avec Gautier Capuçon et Frank Braley et enregistrera toutes les sonates pour violon et piano de Mozart en live avec Kit Armstrong. \nRenaud Capuçon a construit une vaste discographie et enregistre exclusivement chez Erato/Warner Classics. Ses récentes parutions incluent des sonates de Bach avec David Fray\, des trios de Dvořák et de Tchaïkovski avec Lahav Shani et Kian Soltani en direct du Festival d’Aix\, les deux concerti pour violon de Bartók avec le London Symphony Orchestra et François-Xavier Roth\, un disque Brahms et Berg avec les Wiener Philharmoniker et Daniel Harding et des œuvres de musique de chambre de Debussy. Son disque Au cinéma\, comportant une sélection de musiques de films\, est sorti en octobre 2018 et a été acclamé par la critique. En 2017\, Renaud Capuçon a fondé un nouvel ensemble\, les Lausanne Soloists\, composé d’actuels et d’anciens étudiants de la Haute École de musique de Lausanne\, où il est professeur depuis 2014. Il joue le Guarneri del Gesù «Panette» (1737) qui a appartenu à Isaac Stern. Il a été nommé chevalier dans l’Ordre National du Mérite en juin 2011 et chevalier de la Légion d’honneur en mars 2016. \n\n\n\nGérard Caussé\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nGérard Caussé est l’un des rares altistes classiques à mener une carrière internationale de soliste. Il est\, avec Nobuko Imai\, l’une des deux plus grandes stars de l’instrument depuis William Primrose. Il joue sur un alto très ancien (1560) de Gasparo da Salo. Caussé est étroitement associé à la musique de chambre de Mozart\, qui\, selon lui\, a été le premier compositeur à réaliser le potentiel de l’alto en tant que « médiateur » entre les voix supérieures et inférieures de l’orchestre et du quatuor à cordes.\nIl joue également la musique des deux compositeurs de l’ère romantique qui ont le plus favorisé l’alto\, Hector Berlioz et Max Bruch.\nCependant\, il est aussi un champion particulier de la musique du XXe siècle\, car c’est à cette époque que l’alto s’est le plus imposé comme instrument solo. Il joue des œuvres de Bartók\, Britten\, Martinu et Stravinsky\, et des œuvres solos ont été écrites pour lui par Grisey\, Hersant\, Jolas\, Lenot\, Masson\, Nunes et Reverdy. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nIl a participé à la création mondiale du quatuor à cordes Ainsi la nuit d’Henri Dutilleux\, communément classé avec les quatuors de Debussy et Ravel comme les plus grandes œuvres françaises de cette forme. Caussé a enregistré plus de 25 disques compacts sur les grands labels EMI\, Philips\, Erato et Deutsche Grammophon\, et a remporté le Prix de l’Académie Charles Gros\, le Prix Gabriel Fauré\, le Prix de la SACEM et le Grand Prix du Disque français. \nSon arrivée\, en octobre 2021\, à la Menuhin Academy\, s’inscrit dans une longue histoire tracée depuis quelques cinq décennies avec Yehudi Menuhin :\nEn 1970\, concert avec Yehudi Menuhin \, salle Pleyel à Paris.\nPuis\, avec l’Orchestre Sinfonia Varsovia\, sous la direction de Yehudi Menuhin\, plusieurs « Symphonie Concertante » de Mozart avec Vladimir Spivakov.\nEgalement plusieurs Jurys Internationaux présidés par Yehudi Menuhin.\nL’histoire se poursuit avec Alberto Lysy\, merveilleux violoniste\, qui reprend le flambeau de Yehudi Menuhin à la tête de la Camerata. \nUn nouveau chapitre s’ouvre donc pour lui en octobre 2021.  À l’invitation de la Menuhin Academy et de son Directeur Artistique\, Renaud Capuçon\, il vient se joindre à cette École de l’Excellence\, et à son éthique au long cours : celle de la transmission\, du partage\, de l’exigence et de l’inventivité. \n\n\n\n\nGuillaume Chilemme\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nremier Prix du Swedish International Duo Competition avec le pianiste Nathanaël Gouin\, et 3ème Grand Prix ainsi que Prix spécial des élèves des conservatoires de Paris au concours international Marguerite Long-Jacques Thibaud\, Guillaume Chilemme figure parmi les violonistes les plus reconnus de sa génération. En 2010\, après avoir obtenu ses Masters de Violon et de Musique de chambre avec félicitations dans les classes de Boris Garlitsky et Pierre-Laurent Aimard au Conservatoire National Supérieur de Paris\, il part se perfectionner auprès de Stéphane Picard et d’Eckart Runge (Quatuor Artemis) à Berlin\, puis auprès de David Grimal à Saarbrücken. Sélectionné par Seiji Ozawa de 2008 à 2013 pour participer à l’International Music Academy Switzerland\, il bénéficie de l’enseignement de Nobuko Imaï\, Pamela Frank\, Sadao Harada\, Robert Mann et Seiji Ozawa. Passionné par le répertoire du quatuor à cordes\, il fonde avec Marie Chilemme\, Matthieu Handtschoewercker et Bruno Delepelaire\, le Quatuor Cavatine avec lequel il remporte la même année deux prix au Concours International de Musique de Chambre de Hambourg (ICMC).\nEn août 2013\, le quatuor remporte le deuxième Grand Prix au prestigieux Concours International de Quatuor à Cordes de Banff (Canada). \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nGuillaume Chilemme forme depuis de nombreuses années un duo avec son ami Nathanaël Gouin. Leur discographie comporte notamment un album consacré aux sonates de Ravel et de Canal (Label Maguelone) et un enregistrement consacré à la musique de Schubert (Label Evidence). Par ailleurs\, ils se produisent régulièrement en trio avec Yan Levionnois. Guillaume est invité dans de nombreux festivals : Les Folles Journées de Nantes\, Varsovie\, Tokyo\, Les Sommets Musicaux de Gstaad\, Musique à L’Empéri\, Les Schubertiades de Schwarzenberg\, le Festival de Pâques à Aix-en-Provence\, le Festival de l’Orangerie de Sceaux\, le Julitafestival en Suède\, le Festival des Serres d’Auteuil\, La Roque d’Anthéron\, le Festival des Arcs\, le Festival de Pâques à Deauville… Il s’y produit aux côtés de musiciens tels que Frank Braley\, Andreas Ottensamer\, Renaud Capuçon\, Gauthier Capuçon\, Raphaël Pidoux\, Michel Portal\, Lise Berthaud\, Paul Meyer\, Emmanuel Pahud\, le Quatuor Voce\, Alois Posch\, Christian Ivaldi\, Nicholas Angelich\, Pierre Fouchenneret\, Claire Désert\, Adam Laloum\, Victor Julien-Laferrière\, Xavier Gagnepain\, Florent Boffard\, Emmanuelle Bertrand\, Khatia Buniatishvili… Depuis 2016 Guillaume Chilemme est le nouveau violon solo de l’Orchestre d’Auvergne.\n\nIl est fréquemment invité en tant que Violon solo dans divers orchestres : l’Orchestre du Capitole de Toulouse\, l’Orchestre de Radio France\, le Malher Chamber Orchestra\, l’Orchestre Symphonique de Barcelone\, l’Orchestre Gulbenkian de Lisbonne\,La Camerata de Salzbourg… Il a fait partie durant du collectif d’artistes Les Dissonances de David Grimal durant de nombreuses années. Guillaume Chilemme se produit régulièrement en tant que soliste. Il est notamment invité par l’Orchestre du Capitole de Toulouse sous la baguette de Tugan Sokhiev\, l’Orchestre Besançon Franche-Comté\, l’ensemble Les Dissonances\, l’Orchestre d’Auvergne… Depuis 2015\, il prend part au « Adolph Busch Project »\, quatuor créé par Renaud Capuçon avec Edgar Moreau et Adrien Lamarca. Les quatre musiciens se produisent dans les plus grandes salles d’Europe (Concertgebouw d’Amsterdam\, Musikverein de Vienne\, Wigmore Hall de Londres… Il enseigne au sein de l’ International Menuhin Music Academy (Suisse).\n\nGuillaume Chilemme est lauréat de la fondation Safran (2015).\nIl joue un magnifique violon de Nicolas Lupot « Quatuor Château Pape Clément » de 1795\, généreusement mis à disposition par Bernard Magrez.\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nClemens Hagen\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nLe violoncelliste Clemens Hagen est né à Salzbourg dans une famille de musiciens. À l’âge de six ans\, il a commencé à étudier le violoncelle ; deux ans plus tard\, il était étudiant au Mozarteum de Salzbourg et il a ensuite étudié au Conservatoire de Bâle avec Wilfred Tachezi et Heinrich Schiff. En 1983\, il a reçu un prix spécial des Wiener Philharmoniker et le prix Karl Bцhm. \nClemens Hagen s’est produit avec de nombreux orchestres illustres\, dont le Philharmonique de Berlin\, l’Orchestre symphonique de Vienne\, l’Orchestre du Concertgebouw\, la Camerata Academica Salzburg\, l’Orchestre symphonique de la radio de Fribourg (SWR)\, la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen\, l’Orchestre de chambre d’Europe\, l’Orchestre NHK de Tokyo et l’Orchestre de Cleveland. Il a collaboré avec des chefs d’orchestre tels que Claudio Abbado\, Sylvain Cambreling\, Daniel Harding\, Nikolaus Harnoncourt\, Manfred Honeck\, Ingo Metzmacher\, Horst Stein et Franz Welser-Mцst. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nClemens Hagen a interprété le Triple Concerto de Beethoven à la Styriarte de Graz avec l’Orchestre de Chambre d’Europe sous la direction de Nikolaus Harnoncourt\, Thomas Zehetmair et Pierre-Laurent Aimard. Ce projet a été produit par Warner Classics. Il a effectué une tournée en Allemagne avec le Houston Symphony Orchestra sous la direction de Hans Graf. En 2006\, Clemens Hagen est retourné au Cleveland Orchestra pour des concerts sous la direction d’Osmo Vдnskд. \nOutre ses récitals en solo et ses concerts réguliers avec le Quatuor Hagen\, il joue de la musique de chambre avec Martha Argerich\, Renaud Capuзon\, Itamar Golan\, Paul Gulda\, Hйlйne Grimaud\, Gidon Kremer\, Oleg Maisenberg\, Andrбs Schiff\, Benjamin Schmid et Mitsuko Uchida. \nClemens Hagen a effectué des tournées avec la Radio Philharmonie Hannover NDR et Eiji Oue\, se produisant à Vienne\, Budapest et Zagreb. Il a également donné des concerts en trio des Variations Goldberg de Bach (arrangées par Sitkovetsky) avec Mihaela Martin et Nobuko Imai à Amsterdam\, Rotterdam\, Hambourg et Vienne. \nPour le concert d’ouverture des Wiener Festwochen (Festival international de Vienne) en 2009\, Clemens Hagen a été invité en tant que soliste à se produire avec les Wiener Philharmoniker sous la direction de Nikolaus Harnoncourt. \nIl a enregistré les Sonates pour violoncelle de Beethoven avec Paul Gulda pour JVC Records et le Double Concerto de Brahms avec Gidon Kremer et l’Orchestre du Concertgebouw sous la direction de Nikolaus Harnoncourt pour Teldec. Récemment\, Dabringhaus und Grimm a publié un CD de musique de chambre de Brahms et Pfizner\, enregistré avec Benjamin Schmid et Claudius Tanski. \nClemens Hagen joue un violoncelle Antonio Stradivari de 1698. \n\n\n\n\nLionel Cottet\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nNé à Genève en 1987\, Lionel Cottet étudie à la Juilliard School de New York\, au Mozarteum de Salzbourg\, à la Hochschule de Zurich et au Conservatoire Supérieur de Genève\, auprès de Joel Krosnick\, Clemens Hagen\, Thomas Grossenbacher et François Guye. Nommé violoncelle solo du Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks à Munich en 2016\, il mène aussi une carrière de soliste et chambriste sur les plus grandes scènes internationales : Carnegie Hall de New York\, Wigmore Hall de Londres\, Philharmonie de Berlin\, Musikverein de Vienne\, Suntory Hall de Tokyo. Il se produit en soliste notamment avec l’Academy of St Martin in the Fields\, l’Orchestre National de Russie dirigé par Mikhail Pletnev\, le Philharmonique de Belgrade\, l’Orchestre Symphonique de la Radio polonaise\, l’Orchestre de Chambre de Lausanne\, le Sinfonieorchester St. Gallen ou le Musikkollegium Winterthur. Passionné de musique de chambre\, il est présent dans les plus grands festivals: Marlboro\, Bergen\, Verbier\, Gstaad\, aux côtés d’artistes comme Itzhak Perlman\, Mitsuko Uchida\, Igor Levit ou encore en duo avec son partenaire de musique de chambre Louis Schwizgebel-Wang. Il a également joué avec l’ensemble des 12 violoncellistes du Berliner\nPhilharmoniker ainsi qu’au sein de cet orchestre légendaire. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nLauréat de nombreuses compétitions internationales (Concours Lutoslawski de Varsovie\, Concours Brahms en Autriche\, Astral Artist Auditions à Philadelphie) et finaliste du Concours Eurovision\, il est aussi lauréat du Swiss Ambassador’s Award\, Soliste du Migros Kulturprozent et boursier des fondations Leenards et Wilsdorf. Dès septembre 2022\, Lionel Cottet sera 1er violoncelle solo de l’Orchestre de la Suisse Romande\, après avoir brillamment remporté l’audition. Il se produira d’ailleurs en soliste avec l’orchestre et son\nchef principal Jonathan Nott dès l’ouverture de la saison au Victoria Hall de Genève. Ses deux albums enregistrés chez Sony Classic (From Latin America to Paris et Romberg Concertos) ont été vivement salués par la presse. \nEn véritable ambassadeur de la musique\, Lionel Cottet participe à de nombreux programmes de sensibilisation et d’éducation auprès d’écoles et de communautés n’ayant que peu accès à la musique classique. Il joue sur un violoncelle Jean-Baptiste Vuillaume de 1852. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nPablo de Neveran\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nNé en 1975 à Bilbao\, Pablo de Naverán a commencé d’étudier le violoncelle à l’âge de 11 ans avec Mihai Besedovschi. Il a été admis à 17 ans à la prestigieuse International Menuhin Music Academy\, Gstaad (Suisse)\, où il a étudié avec Lord Menuhin\, Alberto Lysy and Radu Aldulescu\, une expérience qui a profondément influencé sa carrière. Il a rejoint plus tard la classe de Philippe Muller au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris\, où il a passé son diplôme académique\, en obtenant la plus haute mention. Il a remporté de nombreux prix dans des concours nationaux et internationaux\, tels que le Gaspar Cassadó International Cello Competition\, le National Spanish Chamber Music Competition for Young Musicians\, le premier prix du Conservatoire National de Paris et le prix d’interprétation du Collège d’Espagne à Paris. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nPablo de Naverán s’est produit dans des récitals et comme soliste dans de nombreux pays : Suisse\, Allemagne\, France\, Hollande\, Belgique\, Suède\, Autriche\, Italie\, Portugal\, Espagne\, Argentine\, Ukraine et Japon\, et dans des hauts lieux de la musique tels que le Teatro Colón (Buenos Aires)\, le Tokyo and Osaka Symphony Hall\, le Victoria Hall (Genève)\, l’Athénée roumain (Bucarest)\, la Tonhalle (Zürich)\, la Philharmonie (Berlin)\, le Teatro Arriaga (Bilbao) et le Mozarteum (Salzbourg). \nÉtant donné son intérêt particulier pour la musique de chambre\, il a été invité à se produire dans de prestigieux festivals : Cello-Fest (Belgrade)\, Festival de Radio-France (Montpellier)\, Menuhin Festival (Gstaad)\, Salzburg Festival\, Midis-Minimes (Brussels)\, Prussia Cove (England)\, Festival do Estoril (Portugal)\, Festival of Torroella (Spain)\, Festival Lysy (Argentina)\, Incontri Musicali (Siena)\, Festival Ibérico (Spain)\, Festival di Pompei (Italy)\, Schubert Festival (Austria). \nSalué par la presse internationale pour son exceptionnel talent musical et ses capacités de communication\, Pablo de Naverán a séduit le public comme les critiques depuis son plus jeune âge. Sa discographie variée pour des maisons comme Dinemec Classics (Suisse)\, Hilargi (Espagne)\, Several Records (Espagne) ou Stil (France)\, a été accueillie avec enthousiasme dans les media et dans le public. \nÀ l’âge de 27 ans\, il a été engagé comme professeur de violoncelle et de musique de chambre à l’International Menuhin Academy en Suisse\, ainsi qu’en tant que violoncelliste solo de la Camerata Lysy. Il a été professeur au Conservatoire Supérieur de Musique d’Estrémadure (Espagne) et il est actuellement professeur permanent à plein temps à la Menuhin Academy en Suisse (à Rolle) où il donnait déjà des cours réguliers. Il est également régulièrement invité à donner des master classes en Suisse\, Espagne\, Belgique et Portugal. \nPablo de Naverán joue sur un violoncelle Carlo Antonio Testore de 1723. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nOleg Kaskiv\nOleg Kaskiv est né à Kremenetz\, Ukraine\, en 1978. Il a d’bord étudié à l’Ecole de Musique Spéciale de Krushelnytska\, puis au Conservatoire Lysenke de Lviv\, Ukraine. Durant cette période\, il a remporté de nombreux prix\, dont les Concours Internationaux Dvarionas (Lituanie) et Kotorovych (Ukraine). Il a rejoint la Menuhin Académie en tant qu’étudiant en 1996\, sous la houlette d’Alberto Lysy. Il y enseigne aujourd’hui le violon et dirige l’orchestre de l’Académie. Depuis 2007\, il enseigne également au Conservatoire de Genève. Au sein de l’Académie Menuhin\, il a joué avec la Camérata Lysy lors de tournées mondiales. \nIl a été lauréat de nombreux concours de violons\, dont le Queen Elisabeth International Music Competition (Belgique)\, l’International Oistrakh Competition (Ukraine)\, l’International Spohr Competition (Allemagne)\, l’International Montreal Competition (Canada)\, l’International Premio Lipizer (Italie)\, et l’International Molinari Competition (Suisse). \nIl a joué en tant que soliste avec la Camerata Lysy\, la Camerata de Lausanne\, l’Orchestre National de Belgique\, l’Orchestre Symphonique de Montréal\, l’Orchestre Symphonique de Baden-Baden\, l’orchestre National de Kiev\, et l’Orchestre Philarmonique d’Odessa. Il joue sur un\nviolon Guarneri del Gesù de 1729. Oleg Kaskiv joue le violon «Caspar Hauser»  de Giuseppe Guarneri del Gesù (vers 1724)\, généreusement fourni par un sponsor privé suisse. \n\n\nwww.menuhin.com
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SUMMARY:PINK MARTINI
DESCRIPTION:PINK MARTINI\nFeaturing : China Forbes\n\n\nLors de sa venue à l’automne 2022\, ce groupe emblématique avait fait salle comble et soulevé un engouement tel que nous nous devions de les inviter à nouveau ! Ils chantent dans plus de 10 langues des airs du monde entier\, dans une ambiance à ne pas manquer. \nMarie-Noëlle Tirogalas \n\n \n© Chris Hornbecker \n\nPink Martini\nIn 1994\, in his hometown of Portland\, Oregon\, Thomas Lauderdale was working in politics\, thinking he would run for mayor one day. Like other eager politicians-in-training\, he went to every political fundraiser under the sun… but was dismayed to find the music at these events underwhelming\, lackluster\, loud\, and un-neighborly. Drawing inspiration from music from all over the world—crossing genres of classical\, jazz and old-fashioned pop—and hoping to appeal to conservatives and liberals alike\, he founded the “little orchestra” Pink Martini in 1994. His aim? To provide more beautiful and inclusive musical soundtracks for political fundraisers supporting causes such as civil rights\, affordable housing\, the environment\, libraries\, public broadcasting\, education\, and parks. \nOne year later\, Lauderdale called China Forbes\, a Harvard classmate living in New York City\, and asked her to join Pink Martini. They began to write songs together. Their first\, “Sympathique\,” was an overnight sensation in France and nominated for Song of the Year at the Victoires de la Musique Awards. To this day\, it remains a mantra for striking workers: “Je ne veux pas travailler (I don’t want to work)”.  \nPink Martini has sold well over 3 million albums worldwide on their own independent label Heinz Records (named after Lauderdale’s dog). In 2016\, Pink Martini released its ninth studio album\, Je dis oui!\, which features vocals from China Forbes\, Storm Large\, Ari Shapiro\, fashion guru Ikram Goldman\, civil rights activist Kathleen Saadat\, and Rufus Wainwright. The album’s 15 tracks span eight languages (French\, Farsi\, Armenian\, Portuguese\, Arabic\, Turkish\, Xhosa and English)\, and affirm the band’s history of global inclusivity and collaborative spirit.  In 2019\, Pink Martini collaborated on a new release with the international singing sensation Meow Meow\, entitled Hotel Amour\, and also released two 5-song EPs\, Besame Mucho\, featuring regular guest singer Edna Vazquez\, and Tomorrow\, featuring regular guest singer Jimmie Herrod\, a finalist on 2021’s season of NBC’s America’s Got Talent. During their pandemic hiatus\, the band release two new digital singles written by Thomas Lauderdale\, China Forbes\, and producer Jim Bianco\, “Let’s Be Friends\,” and “The Lemonade Song\,” which already has nearly 8 million streams on Spotify alone. \nFeaturing more than a dozen musicians\, Pink Martini performs its multilingual repertoire throughout the world. Says Lauderdale\, “We’re very much an American band\, but we spend a lot of time abroad and therefore have the incredible diplomatic opportunity to represent a broader\, more inclusive America… the America which remains the most heterogeneously populated country in the world… composed of people of every country\, every language\, every religion.” \nThe band made its European debut at the Cannes Film Festival in 1997 and its orchestral debut with the Oregon Symphony the following year. Since then\, Pink Martini has played with more than 50 orchestras internationally\, including Los Angeles Philharmonic\, Boston Pops\, National Symphony\, San Francisco Symphony\, Cleveland Orchestra\, and the BBC Concert Orchestra at London’s Royal Albert Hall. Other appearances include a performance at the official post-Oscars celebration Governors Ball\, four sold-out concerts at Carnegie Hall\, the opening party of the remodeled Museum of Modern Art in New York\, multiple sellouts and a festival opening at Montreal Jazz Festival\, and multiple appearances\, including sellouts\, at the Hollywood Ball and Walt Disney Concert Hall in downtown Los Angeles. In its 20th year\, Pink Martini was inducted into the Hollywood Bowl Hall of Fame and the Oregon Music Hall of Fame. In 2023\, the band is celebrating its 29th year of performing. \n\n\n\n\nChina Forbes\nChina Forbes was born and raised in Cambridge\, Massachusetts and graduated cum laude from Harvard\, majoring in Visual Arts and English Literature with a minor in Theater. After winning the Jonathan Levy Prize at Harvard for « most promising actor »\, Forbes earned her Equity card appearing in New York regional theatre and off-Broadway productions while also performing regularly as a singer/songwriter in NYC clubs. Her first album « Love Handle » (November Records) was released in 1995 and she was chosen to sing « Ordinary Girl\, » the theme song to the TV show Clueless (ABC/UPN). \nAlso in 1995\, Harvard friend and classmate Thomas Lauderdale invited her to sing with Portland\, Oregon band Pink Martini\, and she has fronted the little orchestra ever since. Co-writing many of Pink Martini’s most beloved songs with Lauderdale\, beginning with  “Sympathique (Je ne veux pas travailler) “\, the duo also composed “ Lily”\, “Hang on Little Tomato”\, “Una note a Napoli” and  “Let’s Never Stop Falling in Love”\, among many others. In 2000\, “Sympathique” was nominated for song of the year at (the French Grammy awards) Les Victoires de la Musique. \nForbes’s original song “Hey Eugene” is the title track of Pink Martini’s third album and also appears on her second solo album 78 (Heinz Records)\, a collection of autobiographical folk-rock songs. Her voice and songs have been featured prominently on acclaimed film and television soundtracks such as Mr. and Mrs. Smith\, The weekend Away\, Hitch\, Emily in Paris\, Parks and Rec\, Money Heist\, Sherlock and season two of The White Lotus. She sings  “Qué Será Será” over the credits of Jane Campion’s film In the Cut  and her original song « The Northern Line » plays over the end credits of sister Maya Forbes’s directorial debit « Infinitely Polar Bear » (Sony Pictures Classics). \nWith Pink Martini\, Forbes has appeared on The Late Show with David Letterman\, Late Night with Conan O’Brien\, The Tonight Show with Jay Leno and Later with Jools Holland. She has duetted with legendary artists including Rufus Wainwright\, Michael Feinstein\, Carol Channing and Little Jimmy Scott. \nSinging in over 20 languages on nine Pink Martini studio albums\, China and Pink Martini have graced the stages of Carnegie Hall\, Red Rocks\, the Hollywood Bowl\, Paris’s l’Olympia \, the Sydney Opera House and Royal Albert Hall. \nLast year\, China Forbes released her post-pandemic anthem « Full Circle » followed by her suicide prevention anthem « Rise »\, both singles from her third solo album\, slated for release in September 2023. She is the recipient of the 2022 Ella Fitzgerald Award at the Montreal International Jazz Festival; previous winners include Diana Ross\, Etta James\, Liza Minelli\, Diana Krall and Aretha Franklin. \n\nJimmie Herrod\nJimmie Herrod is a Pacific Northwest-based artist and performer who is based in Portland\, Oregon. He holds a Bachelors of Music degree in music composition and performance from Cornish\, and a Masters of Music in Jazz Studies from Portland State University. While he currently serves as an adjunct professor of jazz voice\, he remains and active performer\, both as soloist and collaborator. Jimmie has worked in Seattle’s lauded musical theater scene at ArtsWest and the 5th Avenue Theater. Recent performance highlights include being a featured soloist with the Oregon Symphony’s showcase in the 2018 TedX series\, working with international acts such as ODESZA as well as being a regular guest vocalist with Pink Martini\, touring throughout the US\, Canada and Europe. In 2018 Jimmie recorded “Exodus”\, his first single with Pink Martini. In 2019 Jimmie Herrod released an EP with Pink Martini\, entitled Tomorrow.   \n In spring of 2021\, Jimmie was requested to audition for the current season of the hit NBC show America’s Got Talent\, where he quickly became both a judge and fan favorite\, winning a coveted Golden Ticket for his incredible vocal performance of “Tomorrow”. Jimmie continues to compete and advance to the semifinals of the show while touring with Pink Martini whenever possible.  \n\nEdna Vazquez\nBorn in Jalisco\, Mexico\, and currently based on Portland\, Oregon\, Edna Vazquez is a fearless singer\, songwriter and guitarist whose powerful voice and musical talent transcend the boundaries of language to engage and uplift her audience. Her original music crosses the genres of alternative rock\, folk\, pop\, and R&B seamlessly and delivers a message of light\, love and cultural healing. Her passion for music and education have lead her to empower youth and the community through workshops and projects with the Bravo Youth Orchestras\, Young Audiences and the Lullaby Project by Carnegie Hall through the Oregon Symphony. After releasing her album\, Sola Soy\, Edna Vazquez began to perform at venues nationwide that include\, the Lincoln Center\, and the Kennedy Center. She has also performed at the MGM in Las Vegas\, in a special performance with Latin Grammy award-winner Flor de Toloache and Natalia Lafourcade. Vazquez received the Most Influential Latina Award 2019\, and is currently regularly touring with Pink Martini as featured guest vocalist. Pink Martini’s album with Edna Vazquez\, Bésame Mucho\, will be released on October 4\, 2019. Edna Vazquez looks forward to sharing more of her original compositions in 2020 as the headliner of the program Fiesta! with the Oregon Symphony.  \n\nThomas M. Lauderdale\nRaised on a plant nursery in rural Indiana\, Pink Martini bandleader Thomas M. Lauderdale began piano lessons at age six with Patricia Garrison.  When his family moved to Portland in 1982\, he began studying with Sylvia Killman\, who to this day continues to serve as his coach and mentor. He has appeared as soloist with numerous orchestras and ensembles\, including the Oregon Symphony\, the Seattle Symphony\, Portland Youth Philharmonic\, Chamber Music Northwest and several collaborations with Oregon Ballet Theatre.  In 2008\, he played Gershwin’s Piano Concerto in F with the Oregon Symphony under the direction of Christoph Campestrini.   \n   Active in Oregon politics since a student at U.S. Grant High School (where he was student body president)\, Thomas served under Portland Mayor Bud Clark and Oregon governor Neil Goldschmidt. In 1991\, he worked under Portland City Commissioner Gretchen Kafoury on the drafting and passage of the city’s civil rights ordinance. He graduated with honors from Harvard with a degree in History and Literature in 1992.  He spent most of his collegiate years\, however\, in cocktail dresses\, taking on the role of “cruise director” … throwing waltzes with live orchestras and ice sculptures\, disco masquerades with gigantic pineapples on wheels\, midnight swimming parties\, and operating a Tuesday night coffeehouse called Café Mardi.   \n   Instead of running for political office\, Lauderdale founded Pink Martini in 1994 to play political fundraisers for progressive causes such as civil rights\, the environment\, affordable housing and public broadcasting. In addition to his work with Pink Martini\, Lauderdale has most recently completed two long awaited collaborations with dear friends.  In 2018 he completed Love for Sale\, an album of jazz standards with singer/civil rights leader Kathleen Saadat\, that began as a gift to a few friends and ended up being a Billboard Jazz charts-ranking album the month it was released.   \n In 2019\, Thomas Lauderdale and members of Pink Martini collaborated on a new release with the international singing sensation Meow Meow. The album Hotel Amour – the culmination of almost a decade of work- features guest appearances by Rufus Wainwright\, The von Trapps\, Barry Humphries (of Dame Edna fame)\, and the inimitable late French pianist and composer\, Michel Legrand.  2022 saw long awaited release of Thomas’s collaboration with Portland’s own surf-rock indie icons\, Satan’s Pilgrims\, and two singles with Darcelle XV\, Portland’s own\, world record setting longest performing drag queen on the occasion of her 92nd birthday. Currently\, Thomas is collaborating with the iconic Iranian singer Googoosh\, on her forthcoming album.  \n  Lauderdale serves on the boards of the Oregon Symphony\, Pioneer Courthouse Square\, the Oregon Historical Society\, and the Confluence Project with Maya Lin. He lives in Portland with his partner Hunter Noack.  \n\n 
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SUMMARY:PHILHARMONIA
DESCRIPTION:PHILHARMONIA\nDirection : Santtu-Matias Rouvali\nPiano : Bruce Liu\n BILLETS \n\n\n  Ce grand orchestre britannique devait se produire au Rosey Concert Hall au printemps 2020… 4 années plus tard\, c’est avec le même enthousiasme que nous nous apprêtons à l’écouter sous la baguette de son chef Santtu-Matias Rouvali avec en soliste la jeune star montante du piano\, Bruce Liu.   \nMarie-Noëlle Tirogalas \n\n Avec le généreux soutien d’Aline Foriel-Destezet \n  \n\nPROGRAMME\nSerguei Rachmaninov\nConcerto pour piano n°2 en do mineur\, op. 18  \n***  \nDmitri Chostakovitch\nSymphonie n°10 en mi mineur\, op. 93  \n  \n \n© Benjamin Ealovega \n\nPhilharmonia Orchestra \nThe Philharmonia Orchestra was founded in 1945\, and has worked with a who’s who of 20th- and 21st-century music. Finnish conductor Santtu-Matias Rouvali took up the baton as Principal Conductor in September 2021. The sixth person to hold the title\, he is known for his expressive\, balletic conducting style and irrepressible energy. Herbert von Karajan\, Otto Klemperer\, Wilhelm Furtwängler\, Arturo Toscanini\, Riccardo Muti and Esa-Pekka Salonen are just a few of the great artists to be associated with the Philharmonia\, and the Orchestra has premiered works by Richard Strauss\, Sir Peter Maxwell Davies\, Errollyn Wallen\, Kaija Saariaho and many others.    \nSouthbank Centre’s Royal Festival Hall\, in the heart of London\, has been the Philharmonia’s home since 1995. The Orchestra also has residencies at venues and festivals across England\, each embracing a Learning & Engagement programme that empowers people to engage with\, and participate in\, orchestral music.  \n In the 2022/23 season\, cellist Sheku Kanneh-Mason is the Orchestra’s Featured Artist\, performing around the UK and taking part in talks\, chamber music performances and projects with young musicians. Anna Clyne is Featured Composer. Her music features in several residency seasons\, including a major premiere at the Royal Festival Hall. She curates two free Music of Today concerts\, and works with this year’s Composers’ Academy cohort.  \n The Philharmonia’s international reputation is built in part on its extraordinary 76-year recording legacy\, which in the last ten years has been built on by pioneering work with digital technology. The Orchestra’s installations and VR experiences have introduced hundreds of thousands of people to the symphony orchestra. The Philharmonia has won four Royal Philharmonic Society awards for its digital projects and audience engagement work.   \n The Philharmonia is the go-to orchestra for many film and videogame composers in the UK and Hollywood\, and its music-making has been experienced by millions of cinema-goers and gamers. It has recorded around 150 soundtracks\, with film credits stretching back to 1947. The Orchestra releases live recordings with Signum Records.   \n The Philharmonia has over 1m listeners each month on Spotify\, and a vibrant YouTube channel with over 126\,000 subscribers. The channel features free performances; instrument guides; interviews with artists; and in-depth documentaries. The Philharmonia is Classic FM’s Orchestra on Tour and broadcasts extensively on BBC Radio 3.  \n Throughout its history\, the Philharmonia has toured across Europe\, Asia and America. In the 2022/23 season the Orchestra performs in Denmark\, Finland\, Italy\, Spain\, Germany and Switzerland.   \n The Philharmonia’s Emerging Artists Programme aims to increase diversity within the classical music industry\,  and develop the next generation of instrumentalists\, composers and conductors.   \n The Philharmonia is a registered charity\, proud to be supported by Arts Council England\, many generous individuals\, corporate supporters and Trusts and Foundations.   \n A team of 80 outstanding musicians from 16 countries\, the Philharmonia looks forward to bringing music into your life\, through great concerts and ground-breaking projects\, for many years to come.    \nwww.philharmonia.co.uk  \n\nSanttu-Matias Rouvali\n In the 2022/23 season Santtu-Matias Rouvali starts his second year as Principal Conductor of the Philharmonia Orchestra and continues as Chief Conductor of Gothenburg Symphony\, alongside his longstanding Chief Conductor and Artistic Director position with Tampere Philharmonic Orchestra close to his home in Finland.   \n In summer 2022\, Rouvali made his BBC Proms debut with the Philharmonia Orchestra\, performing the European premiere of a new violin concerto\, Procession\, by Missy Mazzoli with Jennifer Koh\, alongside extracts from Tchaikovsky’s Swan Lake and Prokofiev’s Romeo and Juliet. Throughout this season\, he continues his relationships with top level orchestras across Europe\, including Berliner Philharmoniker\, Wiener Symphoniker\, Royal Concertgebouw Orchestra and Münichner Philharmoniker\, as well as returning to the New York Philharmonic for his annual visits. He works with soloists including Víkingur Ólafsson\, Nemanja Radulović\, Yuja Wang\, Nicola Benedetti\, Behzod Abduraimov\, Patricia Kopatchinskaja\, Alice Sara Ott\, Sheku Kanneh-Mason\, Vadim Gluzman\, Randall Goosby\, and Vilde Frang.   \n As well as concerts in London and the rest of the UK\, Rouvali and the Philharmonia embark on a tour to Italy in September 2022\, with music by Prokofiev and Sibelius. This is the first of many touring highlights this season with the Philharmonia\, including trips to Spain\, Germany and Hungary.   \n Rouvali continues to build on his discography\, not only adding to Gothenburg Symphony’s impressive legacy\, but also with his orchestras in London and at home in Tampere. In January 2019 with Gothenburg\, he released a celebrated first disc of an ambitious Sibelius cycle\, pairing the Symphony No.1 with the early tone poem En saga. The album won the Gramophone Editor’s Choice award\, the Choc de Classica\, a prize from the German Record Critics and the prestigious French Diapason d’Or ‘Decouverte’. In February 2020 they released the second volume\, which features Sibelius’ Symphony No.2 and King Christian II\, which has also been immediately awarded a Choc de Classica award. The Sunday Times commented that “Thanks to conductor Santtu-Matias Rouvali’s overall shaping and a rhythmic precision that nevertheless leaves the composer’s characteristically fluid phrases intact\, the Gothenburg players’ performance\, beautifully balanced and characterfully coloured\, is powerfully cogent.”   \n In 2020 his first Philharmonia CD\, a live recording of excerpts from Tchaikovsky’s Swan Lake\, was released by Signum Records\, followed by another live recording of Prokofiev No.5\, released in early 2021.   \n With Tampere Philharmonic Orchestra and violinist Baiba Skride\, he has recorded five concertos on the Orfeo label: Nielsen\, Sibelius\, Bernstein\, Korngold and Rózsa.   \n \n© Marco Borggreve \n\nBruce Liu \nBruce Liu was brought to the world’s attention in 2021\, when he won the First Prize at the 18th Chopin International Piano Competition in Warsaw.  \nFollowing his competition’s success\, he immediately embarks on a world tour\, appearing at Théâtre des Champs-Elysées in Paris\, Vienna Konzerthaus\, BOZAR Brussels\, Tokyo Opera City\, Sala São Paulo\, Royal Festival Hall with the Philharmonia Orchestra\, U.S tour with the Warsaw Philharmonic\, Orchestre Philharmonique du Luxembourg\, Polish National Radio Symphony Orchestra\, NHK Symphony Orchestra\, and Seoul Philharmonic Orchestra. Past highlights include performance with ensembles such as the Cleveland Orchestra\, Israel Philharmonic Orchestra\, as well as North-America tour with the China NCPA Orchestra.  \n His upcoming highlights include debut with the Royal Philharmonic Orchestra\, European tour with Montreal Symphony Orchestra\, Wiener Symphoniker at Musikverein\, festival appearances at la Roque d’Anthéron\, Klavier-Festival Ruhr\, Rheingau\, Edinburgh\, Chopin and his Europe\, Duszniki\, and Gstaad Menuhin.   \n An exclusive recording artist with Deutsche Grammophon\, his first album featuring the winning performances from the Chopin Competition won a Fryderyk Award and received international acclaim including both the Critics’ choice and Editor’s choice from the Gramophone Magazine\, as well as being included in its list of Best classical albums from 2021.   \n« What we all have in common is our difference »\, the young pianist likes to say. Born in Paris to Chinese parents\, Bruce Liu grew up in Montreal. His life has been steeped in cultural diversity\, which has shaped his differences in attitude\, personality and character. He draws on various sources of inspiration for his art: European refinement\, Chinese long tradition\, North American dynamism and openness.   \nFollowing his artist path with optimism and a smile\, his teachers include Richard Raymond and Dang Thai Son. \n  \n© Yan Zhang
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SUMMARY:PRIX PADEREWSKI
DESCRIPTION:PRIX PADEREWSKI\nElia Cecino \nRécital de piano \n\n\nAu cœur de cette saison qui fait la part belle au piano\, nous accueillons\, comme de coutume\, le lauréat du Prix Paderewski. Elia Cecino est un jeune pianiste virtuose italien\, le 3ème lauréat du prestigieux prix de piano après San Jittakarn et Sergey Belyavsky à se produire sur notre scène ; nous lui souhaitons une belle et longue carrière !  \n Marie-Noëlle Tirogalas \n\nPROGRAMME\n Frédéric Chopin\nSonata n. 2 en Si bémol mineur\, op. 35 \nGrave — Doppio movimento \nScherzo \nMarche funèbre: Lento \nFinale: Presto \nIgnacy Paderewski\nMazurka op. 9 n. 3\nScherzino op. 10 n. 3\nMazurka op. 9 n. 4  \n Frédéric Chopin \nPolonaise op. 44 \n***  \n Felix Mendelssohn\nVariations sérieuses\, op. 54 \nRobert Schumann\nÉtudes symphoniques op. 13 \n  \n  \n© Erich Häsle \nElia Cecino\n\nElia Cecino is recent winner of the first prize at the Iturbi International Piano Competition 2023 in Valencia\, in which the jury chaired by Joaquín Achúcarro also awarded him special prizes for the best performance of a Concerto by Beethoven and for the best interpretation of Chopin’s music. \nElia is winner of the first prize at the New Orleans International Piano Competition\, James Mottram International Piano Competition in Manchester and Ricard Viñes International Piano Competition in Lleida; he has received further international awards including the Finalist Prize at the 17th Arthur Rubinstein Piano Master Competition in Tel Aviv and the Vendome Virtuoso Award at the 8th New York Vendome Prize. \nIn 2020 the label Suonare Records released his debut CD dedicated to Beethoven\, Chopin and Skrjabin and a monographic Chopin album has been published in 2021 by OnClassical. Two new recordings for IBS Classical and Piano Classics will be released soon. Some of his recitals and interviews have been broadcast on ClassicFM\, Radio Catalunya\, ClassicalFM New Orleans\, Rai Radio 3\, Radio Popolare\, Rai Friuli Venezia Giulia and Radio MCA. His 2021 and 2023 recitals at Cappella Paolina del Palazzo del Quirinale in Rome have been streamed live on Rai Radio 3. He participated in the TV show “Prodigi” for Unicef on air on Rai 1. \nHe performed as soloist with the Royal Liverpool Philharmonic\, Orchestra del Teatro La Fenice\, Louisiana Philharmonic\, Simfònica del Vallès\, Sinfónica de Galicia\, Orquesta de València\, Düsseldorf Symphony\, Sichuan Philharmonic\, Israel Philharmonic\, Israel Camerata Jerusalem\, Sinfonica di Milano\, FVG Orchestra\, Sinfonica Città di Roma\, collaborating with conductors such as Riccardo Frizza\, Oleg Caetani\, Paolo Paroni\, Yoel Levi\, Avner Biron\, Joshua Weilerstein\, Timothy Muffitt\, Xavier Puig\, Victor Pablo Pérez\, Álvaro Albiach. \nSince 2014 Elia is regularly invited to play solo recitals in venues such as Palau de la Música Catalana in Barcelona\, Laeiszhalle in Hamburg\, Merkin Hall in New York\, Orpheum Theater in New Orleans\, Teatro La Fenice and Teatro Malibran in Venice\, Teatro Verdi in Trieste\, Teatro Municipale in Piacenza\, Teatro Sannazaro in Naples\, Teatro Lauro Rossi in Macerata\, Teatro Toniolo in Mestre\, Auditorium Cariplo in Milan\, Fazioli Concert Hall in Sacile\, Sala dei Notari in Perugia\, Sala Bianca di Palazzo Pitti in Florence\, Sala Maffeiana in Verona\, Ateneul Roman and MNAR in Bucharest\, Palatul Culturii in Iași\, Centre Cultural in Terrassa\, Auditori Enric Granados in Lleida\, Gesellschaft für Musiktheater in Vienna\, Norden Farm Centre for the Arts in Maidenhead\,. In 2016 he took part in a concert tour in the USA. \nElia has also an intense chamber music activity in string duo\, trio and quintet\, with whom he performs in halls such as the Sale Apollinee of Teatro La Fenice in Venice and Teatro Comunale di Monfalcone. In December 2020 he collaborated with cellist Mario Brunello on the occasion of 250th anniversary of Beethoven’s birth. \nBorn in Italy in 2001\, Elia began his studies at 9 with Maddalena De Facci and at 17 graduated Summa cum Laude from Cesena Conservatory. The following year Elia won the XXXVI Premio Venezia\, competition reserved for the best graduates of the Italian Conservatories. Later he studied with Andrzej Jasinski achieving in 2021 the Master Diploma at Accademia del Ridotto di Stradella. He is currently specializing with Eliso Virsaladze and Boris Berman. \n\nElia Cecino 
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LOCATION:Rosey Concert Hall\, Le Rosey\, Rolle\, 1180\, Suisse
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SUMMARY:ADIEU MR HAFFMANN
DESCRIPTION:ADIEU MR HAFFMANN\n Une pièce écrite et mise en scène par Jean-Philippe Daguerre  \n \n BILLETS \n\n\nDes grands classiques aux pièces plus contemporaines\, le théâtre a toujours tenu une part importante dans notre programmation. Cette année nous vous proposons Adieu Monsieur Haffmann\, lauréate de 4 Molières en 2018 ; cette pièce de Jean-Philippe Daguerre mêlant le drame et la comédie au cœur de l’Histoire ne laissera personne indifférent. \nMarie-Noëlle Tirogalas \n\n\n \n©Grégoire Matzneff \n\nJe ne sais pas vraiment d’où m’est venu l’idée de cette pièce : Sans doute de mes premiers souvenirs d’enfance avec “Bon Papa Alban” qui me promenait pendant des heures dans le cimetière de Montauban. On s’arrêtait devant chaque tombe\, il me racontait la vie des morts… et j’adorais ça. Sans doute de ce « voyage scolaire » à Auschwitz qui m’a éloigné de l’enfance tout en me rapprochant de l’horreur dont sont capables les Hommes. Sans doute de tous ces amis touchés par la stérilité et qui cherchent par tous les moyens à avoir un bébé. Sans doute pour chercher à écrire une pièce qui parle d’amour\, de courage et de peur… et qui puisse (m’) aider à mieux comprendre le désordre des Hommes. \n\nJean-Philippe Daguerre \n\n  \nRésumé\nParis. Mai 1942. Le port de l’étoile jaune pour les Juifs est décrété. Au bord de la faillite\, Joseph Haffmann\, bijoutier juif\, propose à son employé Pierre Vigneau de prendre la direction de sa boutique : “J’aimerais que vous viviez ici avec votre épouse pendant les mois qui vont suivre en attendant que la situation redevienne normale… la bijouterie Haffmann et Fils deviendrait la bijouterie Vigneau.“ Sachant que Pierre doit également prendre le risque d’héberger clandestinement son “ancien” patron dans les murs de la boutique\, il finit par accepter le marché de Joseph à condition que celui-ci accepte le sien : “Isabelle et moi voulons à tout prix avoir un enfant. Après plusieurs tentatives infructueuses\, nous avons fait des examens… je suis stérile\, Monsieur Haffmann… J’aimerais que vous ayez des rapports sexuels avec ma femme le temps qu’elle tombe enceinte…” \n4 Molières 2018 – Spectacle de Théâtre Privé\, Auteur Francophone Vivant\, Révélation Féminine pour Julie Cavanna\, Comédien Second Rôle pour Franck Desmedt\nPrix Théâtre 2017 de la Fondation Barrière \n\n\n\nDistribution\nAvec en alternance: Charles Lelaure ou Benjamin Brenière ou Simon Larvaron ou Alexis Moncorgé\, Julie Cavanna ou Anne Plantey ou Pauline Caupenne\, Alexandre Bonstein ou Marc Siemiatycki\, Franck Desmedt ou Jean-Philippe Daguerre ou Benjamin Egner ou Philipp Weissert et Charlotte Matzneff ou Salomé Villiers ou Herrade von Meier.  \nArtistique : \nBenjamin BRENIERE dans le rôle de Pierre Vigneau \nJean-Philippe DAGUERRE dans le rôle d’Otto Abetz \nAurélie CAMUS dans le rôle de Suzanne Abetz \nJulie CAVANNA dans le rôle d’Isabelle Vigneau \nPhilippe AWAT dans le rôle de Joseph Haffmann \nDécors: Caroline Mexme  \nLumières : Aurélien Amsellem  \nCostumes: Virginie H  \nMusique et assistant à la mise en scène : Hervé Haine  \nCollaboration artistique: Laurence Pollet-Villard  \n  \n\nBande-annonce\nhttps://www.atelier-theatre-actuel.com/spectacle/adieu-monsieur-haffmann/#video
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SUMMARY:Tinka
DESCRIPTION: COMPLET \nTINKA\nUne fable philosophique enchanteresse sur l’homme et la nature   \nThéâtre\, musique\, chant et animation de sable\n \n  \nLe Rosey invite tous les enfants de la région au spectacle Tinka\, une fable philosophique enchanteresse sur l’homme et la nature qui mêle théa’tre\, musique\, chant et animation de sable. Venez découvrir cette œuvre émouvante présentée par la compagnie Lunidea\, pour les enfants dès 7 ans.  \nUn goûter suivra le spectacle. \nLa durée du spectacle est de 1 heure. \n  \nPrésentation du spectacle\nLa littérature\, en particulier enfantine\, regorge de contes\, de légendes fabuleuses et d’histoires vraies sur les animaux. Les tigres\, les loups\, les ours…chaque culture a son imaginaire collectif très riche où les animaux occupent une place importante. Les liens entre l’homme et l’animal est très fort\, souvent ambivalent\, suscitant tantôt la peur\, tantôt le respect\, l’admiration ou même l’amour. De nos jours\, la relation entre l’homme et l’animal est un véritable phénomène de société. \nA la frontière entre le théâtre documentaire inspiré d’une extraordinaire histoire vraie et d’un récit épique qui prend l’allure d’un conte philosophique\, « Tinka » est un spectacle qui touchera certainement le cœur des grands comme des petits. \nDeux mondes se côtoient.  Le premier est celui d’une magnifique tigresse née en Norvège\, qui est devenue une véritable star dans son pays grâce à un événement hors du commun. L’autre est celui de ses congénères\, menacés d’extinction qui vivent autour du fleuve de l’Amour en Sibérie. Une légende ancestrale dit pourtant comment retrouver l’harmonie et la paix….Un explorateur part dans le grand Nord pour tenter d’y voir plus clair…En même temps\, un gardien d’un zoo norvégien découvre un grand secret…Une aventure pleine de rebondissements et d’émotions fortes attend les spectateurs ! \n \n  \n\nBande-annonce\n \n\nEnfants dès 7 ans. \n 
URL:https://www.roseyconcerthall.ch/event/tinka/
LOCATION:Rosey Concert Hall\, Le Rosey\, Rolle\, 1180\, Suisse
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SUMMARY:RACHMANINOV INTERNATIONAL ORCHESTRA
DESCRIPTION: HORS ABONNEMENT \nRACHMANINOV INTERNATIONAL ORCHESTRA\nDirection : Kent Nagano \nPiano: Mikhail Pletnev  \n \n\n\nPlus de 30 ans après avoir créé le Russian National Orchestra\, premier orchestre indépendant russe\, le pianiste et chef d’orchestre Mikhail Pletnev renouvelle son engagement envers la liberté artistique en fondant le Rachmaninov International Orchestra. Cet artiste multifacettes sera au piano pour ces deux concerts d’exception qui réuniront les 5 concertos de Rachmaninov en cette année où nous célébrons le 150ème anniversaire de la naissance du compositeur. Kent Nagano assurera la direction de cet orchestre composés de russes\, d’ukrainiens et d’européens.  \nMarie-Noëlle Tirogalas \n\nHORS ABONNEMENT\nPROGRAMME\nSergueï Rachmaninoff\nPiano Concerto No 1 \nSergueï Rachmaninoff\nPiano Concerto No 4 \n***   \nSergueï Rachmaninoff\nPiano Concerto No 2 \n \n\n  \nThe Rachmaninoff International Orchestra\nBorn of a singular moment in history\, the Rachmaninoff International Orchestra embodies the vision of its founder\, Mikhail Pletnev\, and his commitment to dismantling barriers through the universal language of music.    \nLike its namesake – composer\, pianist\, and conductor Sergei Rachmaninoff – the RIO is dedicated to the highest standards of performance and artistic expression.    \n Composed of preeminent musicians from Eastern and Western Europe\, the RIO’s recordings and performances draw from the wide breadth of classical repertoire\, with a focus on the Romantic and modern composers whose works have been the hallmark of Mikhail Pletnev’s celebrated interpretations.   \nOfficial website \n\nKent Nagano \nKent Nagano is considered one of the outstanding conductors for both operatic and orchestral repertoire. He has been General Music Director of the Hamburg State Opera and Chief Conductor of the Philharmonisches Staatsorchester Hamburg since September 2015. In addition\, he is very committed as Artistic Director of the Wagner Readings and as patron of the Herrenchiemsee Festival. In 2006 he was appointed Honorary Conductor of the Deutsches Symphonie-Orchester Berlin\, in 2019 of Concerto Köln and in 2021 of the Orchestre symphonique de Montréal.  \nThe 2022/23 season in Hamburg began for Kent Nagano with two open-air concerts at the Rathausmarkt. October at the Hamburg State Opera holds a new production of Wagner’s Der fliegende Holländer in a staging by Michael Thalheimer. This will be followed by revivals of Beethoven’s Fidelio\, Wagner’s Tannhäuser\, Strauss’ Elektra and Offenbach’s Les contes d’Hoffmann\, as well as in January 2023 the premiere of the new production of Schostakowitsch’s Lady Macbeth von Mzensk in a production by Angelina Nikonova and in May 2023 the premiere of the new production of Salvatore Sciarrino’s Venere e Adone in a production by George Delnon. With the Philharmonic State Orchestra\, he will open the 2023 International Music Festival Hamburg with a new work by U.S. conductor Sean Shepard and Beethoven’s Symphony No. 8\, a programme the orchestra will also take to Carnegie Hall. Furthermore\, during the season he conducts concerts at the Elbphilharmonie with works by Brahms\, Haydn and Mahler\, among others\, and again Jörg Widmann’s oratorio ARCHE\, which was premiered in 2017 as part of the opening festival of the Hamburg Elbphilharmonie\, with the Children’s and Youth Choir of the Hamburg State Opera\, the Alsterspatzen\, the Audi Youth Choir Academy and renowned soloists.    \nKent Nagano’s past years in Hamburg include opera productions such as Les Troyens\, Lulu\, the world premiere of Stilles Meer and German premiere of Lessons in Love and Violence\, the « Philharmonische Akademie » at St. Michaelis\, open-air concerts at the Rathausmarkt and the world premiere of Pascal Dusapin’s work Waves for organ and orchestra at the Elbphilharmonie. Orchestral tours with the Philharmonisches Staatsorchester Hamburg in the past years have taken Kent Nagano to Japan\, Spain and South America.   \nAs a much sought-after guest conductor\, Kent Nagano has worked with the world’s leading international orchestras\, including the Bavarian Radio Symphony Orchestra\, the Orchestre Philharmonique Radio France\, the Orchestre de l’Opéra national in Paris\, the Chicago and Detroit Symphony Orchestra\, the Finnish Radio Symphony Orchestra and the Wiener Symphoniker.  Special projects were the productions of Wagner’s Das Rheingold with Concerto Köln and the Bernstein opera A quiet place at the Paris Opera.   \nHis operatic work has included Dusapin‘s Il viaggio\, dante at the Festival d‘Aix-en-Provence\, Hindemith’s Cardillac and Poulenc’s Dialogues des Carmélites at the Opéra National de Paris and Henze’s The Bassarids and the premiere of Saariaho’s L’amour de loin at the Salzburg Festival. Other world premieres he has conducted include Bernstein’s A White House Cantata and the operas Alice in Wonderland by Unsuk Chin\, Three Sisters by Peter Eötvös and The Death of Klinghoffer and El Niño by John Adams.   \n Appearances in 2022/23 include the Teatro Massimo in Palermo\, the Tonhalle in Zurich\, the Vienna Musikverein\, the Philharmonie in Paris and the Isarphilharmonie in Munich\, among others. In addition\, Kent Nagano will conduct the Deutsches Symphonie-Orchester in Berlin and the Orchestre symphonique de Montréal.  \n A highlight of Kent Nagano’s collaboration with the OSM as Music Director from 2006 to 2020 included the inauguration of the orchestra’s new concert hall La Maison Symphonique in September 2011\, performances of the complete cycles of Beethoven and Mahler symphonies\, Schoenberg’s Gurrelieder\, concert versions of Wagner’s Tannhäuser\, Tristan und Isolde and Das Rheingold\, Honegger’s Jeanne d’Arc au Bücher\, and Messiaen’s Saint François d’Assise. Tours have taken Nagano and the orchestra to Canada including the Northern Territories\, Japan\, South Korea\, Europe (latest 2019)\, Latin America and the USA. In July 2018\, Kent Nagano conducted Krzysztof Penderecki’s St. Luke Passion with the OSM on the occasion of the Salzburg Festival opening concert.   \nHis recordings with the OSM on Sony Classical/Analekta include Mahler’s Orchestral Songs with Christian Gerhaher in 2013 and a complete recording of all of Beethoven’s symphonies in 2015. Decca released a recording of the North American premiere of L’Aiglon\, a rarely performed opera by Honegger and Ibert in 2016\, conducted by Nagano in 2015. Further releases by Decca are Danse Macabre with works by Dukas\, Saint-Saens\, Ives and others in 2016 and a recording of Bernstein’s A quiet place in 2018 on the occasion of the composer’s 100th birthday. John Adams’ Common tones in simple time & harmony (Decca) was released in 2019\, the Lukas Passion by Penderecki (BIS) and works by Ginastera\, Bernstein and Moussa (Analekta) in 2020.  \nAt the Bayerische Staatsoper\, where he was General Music Director from 2006 to 2013\, Kent Nagano commissioned new operas such as Babylon by Jörg Widmann\, Das Gehege by Wolfgang Rihm and Alice in Wonderland by Unsuk Chin. New productions included Mussorgsky’s Boris Godunov and Khovanshchina\, Strauss’ Ariadne auf Naxos and Die Frau ohne Schatten\, Poulenc’s Dialogues des Carmelites\, Messiaen’s Saint François d’Assise\, Berg’s Wozzeck\, George Benjamin’s Written on skin and Wagner’s Der Ring des Nibelungen.  Tours took Nagano and the Bavarian State Orchestra through Europe and Japan. In addition to Bruckner’s Symphonies Nos. 4 and 7 (Sony)\, Kent Nagano has released several opera performances with the Bavarian State Orchestra on DVD: Unsuk Chin’s opera Alice in Wonderland (2008) and Mussorgsky’s Chowanschtschina (2009) with unitel classica/medici arts\, Dialogue des Carmélites with Bel Air Classiques (2011) and Lohengrin (2010) with Decca.  \n Another very important period in Nagano’s career was his time as Artistic Director and Chief Conductor of the Deutsches Symphonie-Orchester Berlin from 2000-2006. He performed Schönberg’s Moses und Aron with the orchestra (in collaboration with Los Angeles Opera)\, and took them to the Salzburg Festival to perform both Zemlinsky’s Der König Kandaules and Schreker’s Die Gezeichneten as well as to the Festspielhaus Baden-Baden with Parsifal and Lohengrin in productions by Nikolaus Lehnhoff.  Recordings with the Deutsches Symphonie-Orchester Berlin for Harmonia Mundi include repertoire as diverse as Bernstein’s Mass\, Bruckner’s Symphonies Nos. 3 & 6\, Beethoven’s Christus am Ölberge\, Wolf’s Mörike-Lieder\, Mahler’s Symphony No. 8\, Schönberg’s Die Jakobsleiter and Friede auf Erden\, as well as Brahms’s Symphony No. 4 and Schönberg’s Variationen für Orchester Op. 31.  In June 2006\, at the end of his tenure with the orchestra\, Kent Nagano was given the title Honorary Conductor by members of the orchestra\, only the second recipient of this honour in their 60-year history. To this day he maintains a close friendship with the orchestra.   \nIn October 2019\, Kent Nagano and Mari Kodama expanded their joint recordings of Beethoven’s works for piano and orchestra with Beethoven’s Piano Concerto No. 0 E-flat Major WoO 4\, a nearly unknown youthful work by the composer\, and his Rondo for Piano and Orchestra WoO 6 with the Deutsches Symphonie-Orchester Berlin. The complete edition of Beethoven’s piano concerti was released on the Berlin Classics label.  \nNagano has worked with labels such as BIS\, Decca\, Sony Classical\, FARAO Classics and Analekta for many years\, but he has also recorded CDs with Berlin Classics\, Erato\, Teldec\, Pentatone\, Deutsche Grammophon and Harmonia Mundi. He was awarded Grammys for his recordings of Busoni’s Doktor Faust with Opéra National de Lyon\, Prokofjew’s Peter and the Wolf with the Russian National Orchestra and Saariaho’s L’amour de Loin with the Deutsches Symphonieorchester Berlin.    \nTo celebrate Kent Nagano’s 70th birthday in 2021\, a 3-CD box set of works by Olivier Messiaen was released in October on the BR Klassik label. The release includes live recordings of the works Poèmes pour Mi\, Chronochromie and La Transfiguration de Notre Seigneur Jésus-Christ from concerts with Kent Nagano and the Symphonieorchester und Chor des Bayerischen Rundfunks\, demonstrating Nagano’s close familiarity with Messiaen’s musical language in a special way.   \nIn September 2021\, Kent Nagano published his second book with Berlin Verlag. In « 10 Lessons of my Life »\, he recalls ten very personal encounters in his life from which he learned important lessons\, not only for his career. Among them are the Icelandic pop artist Björk\, Frank Zappa\, Leonard Bernstein\, Pierre Boulez and the Nobel Prize winner in physics Donald Glaser.  \nIn 2015 Kent Nagano published « Erwarten Sie Wunder! » also in Berlin Verlag\, a passionate appeal for the relevance of classical music in today’s world. In 2019 the book was published in English by the Canadian McGill-Queen’s University Press under the title ″Classical Music – Expect the Unexpected » and in 2015 under « Sonnez\, merveilles! » in French by Éditions du Boréal.  \n Born in California\, Nagano maintains close connections with his home state and was Music Director of the Berkeley Symphony Orchestra from 1978-2009.  His first major successes came with the Boston Symphony Orchestra in 1984\, when Messiaen appointed him assistant to conductor Seiji Ozawa for the premiere of his opera Saint François d’Assise. Nagano’s success in America led to European appointments: Music Director of Opéra National de Lyon (1988-1998) and Music Director of the Hallé Orchestra (1991-2000). Kent Nagano became the first Music Director of Los Angeles Opera in 2003 having already held the position of Principal Conductor for two years.    \nKent Nagano was awarded an honorary doctorate from McGill University in Montréal in 2005\, an honorary doctorate from the Université de Montréal in 2006\, and an honorary doctorate from San Francisco State University in 2018.   \nOfficial website \n\nMikhaïl Pletnev \nPianist\, conductor\, and composer\, Mikhail Pletnev is one of the most respected and influential artists of the era. His prodigious talent as a pianist has earned widespread acclaim ever since the 1978 Tchaikovsky International Piano Competition\, where he won First Prize at the age of 21.    \n  An invitation to perform at a 1988 diplomatic summit in Washington led to Pletnev’s friendship with Mikhail Gorbachev and a lifelong commitment to dismantling barriers through the universal language of music. In 1990\, Pletnev formed the Russian National Orchestra – the first independent orchestra in Russia’s history. Under his leadership\, the RNO achieved recognition as one of the world’s great orchestras.    \n Over thirty years later\, Pletnev has renewed his commitment to artistic freedom with his founding of the Rachmaninoff International Orchestra\, named after the celebrated pianist\, conductor\, and composer whose own career inspired audiences from all corners of the globe.   \n  Pletnev’s performances and recordings have shown him to be an outstanding interpreter of an extensive repertoire\, both as pianist and conductor. His recordings have earned numerous prizes\, including a 2005 Grammy Award for his own arrangement of Prokofiev’s Cinderella. He received Grammy nominations for Schumann’s Symphonic Etudes (2004) and the Rachmaninoff and Prokofiev Piano Concertos No. 3 (2003). His critically acclaimed album of Scarlatti’s Sonatas (Virgin/EMI) received a 1996 Gramophone Award\, BBC Music Magazine called it « piano playing at its greatest… this performance alone would be enough to secure Pletnev a place among the greatest pianists ever known.” His recording of the complete Beethoven symphonies and piano concertos (Deutsche Grammophon) was named “Best of 2007” by the NewYorker.    \n  The London Telegraph remarked\, « from Pletnev’s fingers and brain come ideas that vitalise the music and make it teem with freshness and wit. [He] made the music positively leap for joy. » The Times describes his playing as « born of a prodigious virtuosity of imagination outrageous in its beauty. »   \n  Pianist\, conductor\, composer and cultural leader – all are significant facets of Mikhail Pletnev’s remarkable life. Yet with his characteristic humility\, he insists that he is\, simply\, a musician. \nOfficial website \n\nArticles de presse\n\nCrescendo Magazine\nRTBF\nDiapason\n\n\n\n\n\n  \n\n\n\n\n\n 
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SUMMARY:RACHMANINOV INTERNATIONAL ORCHESTRA
DESCRIPTION:RACHMANINOV INTERNATIONAL ORCHESTRA\nDirection : Kent Nagano \nPiano: Mikhail Pletnev \nBaritone: Lester Lynch\nSoprano : Alexandra Armantrading\n \n BILLETS \n\nPlus de 30 ans après avoir créé le Russian National Orchestra\, premier orchestre indépendant russe\, le pianiste et chef d’orchestre Mikhail Pletnev renouvelle son engagement envers la liberté artistique en fondant le Rachmaninov International Orchestra. Cet artiste multifacettes sera au piano pour ces deux concerts d’exception qui réuniront les 5 concertos de Rachmaninov en cette année où nous célébrons le 150ème anniversaire de la naissance du compositeur. Kent Nagano assurera la direction de cet orchestre composés de russes\, d’ukrainiens et d’européens.  \nMarie-Noëlle Tirogalas \n\nPROGRAMME\nGordon  Getty\nPlumpJack Overture   \nGordon  Getty\nNo\, My Good Lord (aria for baritone + orchestra)   \nGordon  Getty\nHostess’ Aria (aria for soprano + orchestra)   \nSergueï Rachmaninoff\nRhapsody on a Theme of Paganini \n***   \nSergueï Rachmaninoff\nPiano Concerto No. 3    \n \n\n  \nThe Rachmaninoff International Orchestra\nBorn of a singular moment in history\, the Rachmaninoff International Orchestra embodies the vision of its founder\, Mikhail Pletnev\, and his commitment to dismantling barriers through the universal language of music.    \nLike its namesake – composer\, pianist\, and conductor Sergei Rachmaninoff – the RIO is dedicated to the highest standards of performance and artistic expression.    \n Composed of preeminent musicians from Eastern and Western Europe\, the RIO’s recordings and performances draw from the wide breadth of classical repertoire\, with a focus on the Romantic and modern composers whose works have been the hallmark of Mikhail Pletnev’s celebrated interpretations.   \nOfficial website \n\nKent Nagano \nKent Nagano is considered one of today’s outstanding conductors for both operatic and orchestral repertoire. Since September 2015\, he has been General Music Director of the Hamburg State Opera and Chief Conductor of the Philharmonic State Orchestra Hamburg. In addition\, he is committed as Artistic Director of the Ring project with Concerto Köln and the Dresden Festival Orchestra\, and as patron of the Herrenchiemsee Festival. 2023 he was appointed Honorary Conductor of the Philharmonic State Orchestra\, in 2021 of the Orchestre symphonique de Montréal\, in 2019 of the Concerto Köln\, and in 2006 of the Deutsches Symphonie-Orchester Berlin. \nKent Nagano has worked with the world’s leading international orchestras\, including the Bavarian Radio Symphony Orchestra\, the Orchestre Philharmonique Radio France\, the Orchestre de l’Opéra national in Paris\, theChicago and Detroit Symphony Orchestra\, the Finnish Radio Symphony Orchestra\, and the Wiener Symphoniker. Special projects were productions of Wagner’s Das Rheingold with Concerto Köln and the Bernstein opera A quiet place at the Paris Opera.​ His operatic work has included Dusapin‘s Ilviaggio\, Dante at the Festival d‘Aix-en–Provence\, Hindemith’s Cardillac andPoulenc’s Dialogues des Carmélites at the Opéra National de Paris and Henze’s The Bassarids and the premiere of Saariaho’s L’amour de loin at the Salzburg Festival.  \nTo celebrate Kent Nagano’s 70th birthday in 2021\, a 3-CD box set of works by Olivier Messiaen was released in October on the BR Klassik label. The release includes live recordings of the works Poèmes pour Mi\, Chronochromie and La Transfiguration de Notre Seigneur Jésus-Christ from his concerts with the Symphonieorchester und Chor des Bayerischen Rundfunks. In September 2021\,Kent Nagano published his second book with Berlin Verlag. In « 10 Lessons of my Life« \, he recalls ten deeply personal encounters from which he learned important lessons\, not only for his career but for his life more broadly. In 2015 Kent Nagano published « Erwarten Sie Wunder! » also in Berlin Verlag\, apassionate appeal for the relevance of classical music in today’s world. It was also released in English by the Canadian McGill-Queen’s University Press in French by Éditions du Boréal. \nOfficial website \n\nMikhaïl Pletnev \nPianist\, conductor\, and composer\, Mikhail Pletnev is one of the most respected and influential artists of the era. His prodigious talent as a pianist has earned widespread acclaim ever since the 1978 Tchaikovsky International Piano Competition\, where he won First Prize at the age of 21.    \n  An invitation to perform at a 1988 diplomatic summit in Washington led to Pletnev’s friendship with Mikhail Gorbachev and a lifelong commitment to dismantling barriers through the universal language of music. In 1990\, Pletnev formed the Russian National Orchestra – the first independent orchestra in Russia’s history. Under his leadership\, the RNO achieved recognition as one of the world’s great orchestras.    \n Over thirty years later\, Pletnev has renewed his commitment to artistic freedom with his founding of the Rachmaninoff International Orchestra\, named after the celebrated pianist\, conductor\, and composer whose own career inspired audiences from all corners of the globe.   \n  Pletnev’s performances and recordings have shown him to be an outstanding interpreter of an extensive repertoire\, both as pianist and conductor. His recordings have earned numerous prizes\, including a 2005 Grammy Award for his own arrangement of Prokofiev’s Cinderella. He received Grammy nominations for Schumann’s Symphonic Etudes (2004) and the Rachmaninoff and Prokofiev Piano Concertos No. 3 (2003). His critically acclaimed album of Scarlatti’s Sonatas (Virgin/EMI) received a 1996 Gramophone Award\, BBC Music Magazine called it « piano playing at its greatest… this performance alone would be enough to secure Pletnev a place among the greatest pianists ever known.” His recording of the complete Beethoven symphonies and piano concertos (Deutsche Grammophon) was named “Best of 2007” by the NewYorker.    \n  The London Telegraph remarked\, « from Pletnev’s fingers and brain come ideas that vitalise the music and make it teem with freshness and wit. [He] made the music positively leap for joy. » The Times describes his playing as « born of a prodigious virtuosity of imagination outrageous in its beauty. »   \n  Pianist\, conductor\, composer and cultural leader – all are significant facets of Mikhail Pletnev’s remarkable life. Yet with his characteristic humility\, he insists that he is\, simply\, a musician. \nOfficial website \n\n Lester Lynch\nAcclaimed by opera and concertgoers worldwide\, Lester Lynch is regarded not only as a true Verdi baritone\, but also as one of today’s foremost interpreters of American spirituals and contemporary opera. \nLynch has appeared at most of Europe’s and North America’s leading opera houses\, such as Teatro alla Scala\, Covent Garden\, Semperoper\, Dusseldorf Oper\, Welsh National Opera\, English Nation Opera\, San Francisco Opera\, Lyric Opera of Chicago\, Seattle Opera\, Detroit Metro Opera\, Minneapolis Opera\, LA Opera\, Houston Grand Opera\, and Washington National Opera. He has also sung with the leading orchestras of the world\, including the Berlin Philharmonic\, New York Philharmonic\, National Symphony\, and Cleveland Orchestra. \nLynch released his debut album in 2017 and can be heard on numerous other recordings\, such as San Francisco Opera’s Porgy and Bess and Gordon Getty’s Joan and the Bells. Upcoming performances include appearances in Russia\, England\, Spain\, German\, and the United States. \nLynch’s recent recording of spirituals and hymns On My Journey Now on Pentatone was received with great acclaim. His recording of the role of Iago in Verdi’s Otello with the Gulbenkian Orchestra in Portugal will soon be released\, also on the Pentatone label. \nOfficial website \n\nAlexandra Armantrading \nSoprano\, Alexandra Armantrading\, most recently made her debut at Festival Napa Valley in the summer of ’22\, singing three world premiere art songs composed by Jake Heggie (the morning after)\, Jack Perla (triad)\, and Luna Pearl Woolf (Journey)\, set to poetry by Lisa Delan. Prior to this\, she earned her first Associate Session Producer credit working on the film soundtrack for the opera film Goodbye\, Mr. Chips\, with music composed by Gordon Getty.  Alexandra recently sang as a soloist in Milhaud’s L’homme et son desír\, at Mills College under the baton of Maestro Nicole Paiement. Praised for her ”shimmering Nordic quality” of her voice\, and “evocative” presence as a performer\, Alexandra has been cast in such roles as Amelia in Ballo in Maschera\, Elettra in Idomeneo\, Elsa in Lohengrin\, Cio-Cio-San in Madama Butterly\, Ariadne in Ariadne auf Naxos\, Arabella in Arabella\, and Marschallin in Der Rosenkavalier among others. \nThis coming fall season\, Alexandra will sing music from Getty’s Plump Jack alongside renowned baritone Lester Lynch\, with the newly formed Rachmaninoff International Orchestra. \nAlexandra continues to study under the tutelage of the esteemed Jane Randolph. In her spare time\, she enjoys playing golf\, learning new languages\, and going to the beach with her dog Charlie. \nOfficial website \n\nArticles de presse\n\nCrescendo Magazine\nRTBF\nDiapason\n\n\n\n\n\n 
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SUMMARY:STARBUGS COMEDY
DESCRIPTION:STARBUGS COMEDY\nJUMP! Reloaded\nSoirée de bienfaisance pour les 30 ans de la Fondation Théodora\n \n BILLETS \n  \n\n\n\n\nAutre Fondation\, autre anniversaire ! La Fondation Théodora a été créée par 2 anciens élèves du Rosey dans le but d’apporter de la joie et des rires aux enfants hospitalisés. Ils fêteront leurs 30 ans chez nous\, avec les Starbugs\, artistes polyvalents qui mélangent danse\, acrobatie et comédie.  \nMarie-Noëlle Tirogalas \n\n  \n\n\n \n\nFondation Théodora  \nDepuis 1993\, la Fondation Théodora poursuit son objectif de soulager par le rire le quotidien des enfants hospitalisés ou en institutions spécialisées. Chaque semaine\, la Fondation organise et finance les visites de 72 artistes professionnels\, appelés docteurs Rêves\, dans 32 hôpitaux et 27 institutions pour enfant en situation de handicap. Chaque année\, ces personnages amusants et attachants effectuent plus de 100 000 visites auprès d’enfants en Suisse\, afin de leur offrir des sourires et des moments de joie. \nSpécialement formés pour pratiquer leur art en milieu hospitalier\, les docteurs Rêves travaillent en collaboration avec le personnel soignant. La Fondation Théodora propose cinq programmes : Docteur Rêves et l’Accompagnement pré et post chirurgical pour les petits patients à l’hôpital ; Monsieur et Madame Rêves et le Petit Orchestre des Sens pour les enfants en situation de handicap ; et Les p’tits champions pour les enfants en surpoids suivant un programme thérapeutique. \nLa Fondation Théodora est reconnue d’utilité publique et ne demande aucune subvention étatique. Le financement de la visite hebdomadaire des docteurs Rêves auprès des enfants repose entièrement sur le soutien des donateurs et partenaires. \nLa Fondation Théodora est membre fondateur de l’European Federation of Healthcare Clown Organizations (EFHCO). \nhttp://www.theodora.ch \nJUMP! Reloaded\n« JUMP ! » enthousiasme les fans du monde entier depuis son lancement. Il est temps de faire peau neuve ! À partir de l’automne 2022\, Starbugs Comedy sera en tournée avec le spectacle revisité « JUMP ! Reloaded ». Un spectacle avec de nombreuses mises à jour. \nReloaded est encore plus rapide et plus surprenant. Un must pour tous les spectateurs et spectatrices ayant déjà apprécié « JUMP ! » ou qui ne l’ont jamais vu. De New York à Tokyo\, les trois humoristes ont conquis le public avec un mélange unique de danse\, d’acrobatie et de comédie. C’est avec un dynamisme et un enthousiasme déconcertant que Starbugs Comedy sort des sentiers battus de la comédie traditionnelle. \nLes trois gars cool attirent le public avec une imagination si étonnante\, drôle et rusée qu’il ne peut s’empêcher d’être émerveillé. Ils ne racontent pas de blagues et pourtant les éclats de rire du public raisonnent. Trois hommes\, des effets spéciaux et des accessoires étonnants suffisent à emporter le public dans un spectacle inspirant et minutieusement chronométré. Leur nouvelle comédie est incroyablement forte – pleine de timing\, de rythme\, de sons et de chansons. Elle est phénoménale et toujours surprenante. Tantôt en accéléré\, parfois au ralenti Starbugs flirte avec le public tout en se déjouant. L’imagination inépuisable de la comédie a un effet secondaire extrême : le fou rire. Ainsi\, lorsque le public quitte le théâtre le sourire aux lèvres\, après le spectacle\, on sait que « Jump ! Reloaded » l’a conquis. \n\n 
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SUMMARY:CRESCENDO CON LA MUSICA\, 10 ANS !
DESCRIPTION: CRESCENDO CON LA MUSICA\,\n10 ANS !\n  \nGuitariste Miloš Karadaglić \nBaryton Benjamin Appl \nVioloncelliste Lionel Cottet \nPianiste Jorge Viladoms \nVioloniste  Oleg Kaskiv \nDanseurs  Steven McRae\, Marian Walter et Iana Salenko \nInternational Menuhin Music Academy \n\n\nLa Fondation Crescendo con la Musica qui offre l’accès à la musique à des enfants de milieux défavorisés\, notamment au Mexique\, fête cette année ses 10 ans. Deux ans après notre première collaboration\, nous sommes très heureux de fêter cet anniversaire avec elle\, d’autant plus que leur mission de promotion de la musique fait écho à la nôtre. \nMarie-Noëlle Tirogalas \n\n\n  Programme\n Edvard Grieg\nSuite Holberg Prélude + Rigaudon \n Joaquin Rodrigo\nConcert d’Aranjuez 2e mvt \nWolfgang Amadeus Mozart\n23e Concerto pour piano\, 2e mvt  \nAstor Piazzola\nLibertango \n Richard Strauss\nMorgen \n\nJudy Garland\nOver the Rainbow \n\nManuel Ponce\nLejos de Ti \n\nAstor Piazzola\nOblivion \nPiotr Ilitch Tchaikovsky\nAdagio Cantabile \n\nFranz Schubert\nStandchen \n Georg Friedrich Haendel\nOmbra Mai Fu \n Vittorio Monti\nCzardas \n \n© Aurelia Thys  \n\nCrescendo con la musica\n“La musique pour un meilleur avenir des enfants” \nLa Fondation Crescendo con la Musica\, a été créée en 2012 à Lausanne par Jorge Viladoms\, musicien professionnel au parcours international et professeur de piano au Conservatoire de Lausanne. Depuis toujours\, de par ses valeurs familiales et sa jeunesse passée au Mexique\, son pays d’origine\, il a été marqué par les conditions des enfants et des jeunes vivant dans la précarité. Il a ainsi décidé d’agir pour leur venir en aide. \nSa mission est de donner accès à la musique aux filles\, garçons et jeunes en milieu vulnérable\, en leur offrant la possibilité de recevoir une formation musicale de qualité qui contribue à leur développement intégral afin qu’ils envisagent un avenir plus large et le prennent en main. Il est prouvé que la musique permet aux enfants d’augmenter leurs facultés de concentration et de mémorisation\, leur confiance en eux ainsi que leur aisance relationnelle. Elle est de ce fait un excellent complément à l’éducation générale. \nIls ont pu mesurer l’impact de leur activité dans le comportement des enfants: le harcèlement entre garçons et filles a pratiquement disparu\, les résultats scolaires sont meilleurs\, la relation entre enfants et parents s’est améliorée\, l’ambiance dans la communauté et dans les familles également. \nEn 10 ans\, Crescendo con la Musica c’est : \n• Plus de 4’000 étudiants de 6 à 20 ans qui ont suivi notre programme \n• 75 familles impliquées chaque année \n• 52 heures de cours de musique par semaine \n• 70 bourses attribuées à des étudiants en Suisse \n• 12 membres d’une équipe pédagogique basés en Suisse et au Mexique \n• 112 étudiants qui participent chaque année à nos ateliers parascolaires \ncrescendoconlamusica.com \n\n\nMiloš Karadaglić\nMiloš est l’un des guitaristes classiques les plus célèbres au monde. Sa carrière a commencé son ascension fulgurante en 2011\, avec la sortie de son premier album “ Mediterraneo “\, best-seller international chez Deutsche Grammophon. Depuis\, il a gagné de nombreuses récompenses et une grande réputation dans le monde entier grâce à ses nombreuses tournées\, ses six enregistrements et ses apparitions à la télévision. \nDésormais exclusif à SONY Classical\, Miloš s’engage à élargir le répertoire de la guitare classique en commandant de nouvelles oeuvres. Son dernier album “The Moon and the Forest” comprend deux concertos en première mondiale\, par Howard Shore et Joby Talbot. Son nouvel album solo est prévu pour une sortie en 2023 et explorera le thème du baroque et ses trésors de répertoire pour guitare. En 2016\, BBC Music Magazine l’a inclus dans sa liste des “Six des meilleurs guitaristes classiques du siècle dernier”. \nMiloš s’est produit en tant que soliste avec certains des plus grands orchestres du monde : London and LA Philharmonic\, Atlanta Symphony\, Philadelphia Orchestra\, Chicago Symphony\, Cleveland Orchestra\,OrquestaNacional de España\, Santa Cecilia Rome\, NHK Tokyo. Son récital solo à guichets fermés au Royal Albert Hall a été salué par la critique et a fait sensation dans le monde entier. Défenseur passionné de l’éducation musicale\, Miloš est un mécène actif de nombreuses organisations caritatives soutenant les jeunes musiciens au Royaume-Uni et à l’étranger. Il se produit sur une guitare Greg Smallman de 2017. \n\nBenjamin APPL\nBenjamin Appl est l’un des plus grands barytons de notre époque. Il a débuté sa vie musicale en tant que jeune choriste au célèbre Regensburger Domspatzen\, puis a poursuivi ses études à la Hochschule für Musik und Theater München et enfin à la Guildhall School of Music & Drama de Londres. Il a eu la chance d’avoir pour mentor le légendaire chanteur Dietrich Fischer-Dieskau\, pendant des années que Benjamin juge comme inestimables et qui ont eu une influence déterminante sur sa formation. Benjamin Appl jouit également d’une collaboration à long terme avec le compositeur György Kurtág. \nBenjamin s’est produit dans de grandes salles de concert\, notamment au Festspielhaus de Baden-Baden\, au Concertgebouw d’Amsterdam\, aux Konzerthaus de Berlin et de Vienne\, à l’Elbphilharmonie de Hambourg et au Musée du Louvre de Paris\, sans compter qu’il donne régulièrement des récitals au Wigmore Hall et au Heidelberger Frühling. Sollicité comme soliste sur les scènes les plus prestigieuses du monde\, il collabore avec le Royal Concertgebouw Orchestra\, l’Orchestre Philarmonique de Vienne\, le NHK Symphony Orchestra\, la Staatskapelle Dresden et bien d’autres. \nSon premier album solo pour Sony Classical\, ‘Heimat’\, a remporté le prestigieux Prix Dietrich Fischer-Dieskau (meilleur chanteur de lied) lors des Orphées d’Or 2017-18 de l’Académie du Disque Lyrique. Parmi ses autres enregistrements récents\, citons un album de Bach avec Concerto Köln ainsi que Kullervow de Sibelius avec le BBC Scottish Symphony et Thomas Dausgaard pour Hyperion Records. \nEn dehors des salles de concert\, Benjamin Appl a récemment présenté une série de programmes pour BBC Radio 3 intitulée “A Singer’s World” et a joué dans le film “Breaking Music” qui célèbre à la fois le tango argentin et les traditions du lied allemand en brisant les frontières traditionnelles entre les genres musicaux. \n\nLionel Cottet\nNé à Genève en 1987\, Lionel Cottet étudie à la Juilliard School de New York\, au Mozarteum de Salzbourg\, à la Hochschule de Zurich et au Conservatoire Supérieur de Genève\, auprès de Joel Krosnick\, Clemens Hagen\, Thomas Grossenbacher et François Guye. Nommé violoncelle solo du Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks à Munich en 2016\, il mène aussi une carrière de soliste et chambriste sur les plus grandes scènes internationales : Carnegie Hall de New York\, Wigmore Hall de Londres\, Philharmonie de Berlin\, Musikverein de Vienne\, Suntory Hall de Tokyo. Il se produit en soliste notamment avec l’Academy of St Martin in the Fields\, l’Orchestre National de Russie dirigé par Mikhail Pletnev\, le Philharmonique de Belgrade\, l’Orchestre Symphonique de la Radio polonaise\, l’Orchestre de Chambre de Lausanne\, le Sinfonieorchester St. Gallen ou le Musikkollegium Winterthur. Passionné de musique de chambre\, il est présent dans les plus grands festivals: Marlboro\, Bergen\, Verbier\, Gstaad\, aux côtés d’artistes comme Itzhak Perlman\, Mitsuko Uchida\, Igor Levit ou encore en duo avec son partenaire de musique de chambre Louis Schwizgebel-Wang. Il a également joué avec l’ensemble des 12 violoncellistes du Berliner Philharmoniker ainsi qu’au sein de cet orchestre légendaire. \nLauréat de nombreuses compétitions internationales (Concours Lutoslawski de Varsovie\, Concours Brahms en Autriche\, Astral Artist Auditions à Philadelphie) et finaliste du Concours Eurovision\, il est aussi lauréat du Swiss Ambassador’s Award\, Soliste du Migros Kulturprozent et boursier des fondations Leenards et Wilsdorf. \nDès septembre 2022\, Lionel Cottet sera 1er violoncelle solo de l’Orchestre de la Suisse Romande\, après avoir brillamment remporté l’audition. Il se produira d’ailleurs en soliste avec l’orchestre et son chef principal Jonathan Nott dès l’ouverture de la saison au Victoria Hall de Genève. Ses deux albums enregistrés chez Sony Classic (From Latin America to Paris et Romberg Concertos) ont été vivement salués par la presse. En Octobre 2022\, il rejoint la Menuhin Academy en tant que professeur de violoncelle. \nEn véritable ambassadeur de la musique\, Lionel Cottet participe à de nombreux programmes de sensibilisation et d’éducation auprès d’écoles et de communautés n’ayant que peu accès à la musique classique. Il joue sur un violoncelle Jean-Baptiste Vuillaume de 1852. \n\nJorge Viladoms\nNé au Mexique\, Jorge Viladoms commence le piano à l’âge de 15 ans en cours privés. Après seulement quatre ans d’études\, il entre en classe professionnelle au Conservatoire de Lausanne. Il se produit depuis sur les plus grandes scènes internationales et vit une carrière aux multiples facettes\, en tant que concertiste\, professeur au Conservatoire de Lausanne\, fondateur de la Fondation Crescendo con la Musica ou encore en tant qu’Ambassadeur culturel de Rolex Mexico. \nIl a joué au Carnegie Hall et au Lincoln Center à New York\, au Théâtre Bunkamura à Tokyo\, au Festival Hall à Osaka\, à la Diplomatische Akademie de Vienne\, au Palacio de Bellas Artes de Mexico City ou encore au Bâtiment des Forces Motrices à Genève. \nJorge Viladoms voit son début avec le Queensland Symphony Orchestra en Australie aux côtés du chef d’orchestre Alondra de la Parra\, son début au Rosey Concert Hall en tant que soliste\, ainsi que des tournées en Allemagne\, en France\, au Mexique et en Suisse. Il a joué en tant que soliste avec orchestre et musique de chambre dans des festivals tels que le Steinway Hall en Suisse\, le château d’Annecy\, le festival de piano à Sainte-Ursanne\, le festival de Sion\, le festival Al Bustan à Beyrouth\, le festival St Prex Classics\, le Festival Revueltas avec des artistes tels que Gautier Capuçon\, Philippe Cassard\, Lionel Cottet\, Fumiaki Miura\, Camille Thomas ou Charlie Siem\, entre autres. \nIl a participé à des émissions radiophoniques telles que “Le Matin des Musiciens” et “Musician Letters” sur France Musique à Paris\, Bayerische Rundfunk à Munich. \nIl est invité à donner des conférences sur la Musique au WEF\, Cambridge\, London School of Economics\, HAY Festival entre autres universités dans le monde. \nIl croit au partage et à la transmission de la musique pour tous les publiques\, une valeur qui l’amène à faire des tournées dans des villages où il n’y a jamais eu un concert de Musique Classique et prévoit de parcourir tous les états du Mexique en 4 ans. \n“From Latin America to Paris“\, son dernier enregistrement avec Sony Classical et avec le violoncelliste Lionel Cottet a été très applaudi par la presse et le public. Dans sa recherche constante du partage de la musique et de l’art avec un public toujours plus large\, Jorge Viladoms a créé le projet “Luz de Luna“\, où il partage la scène avec des danseurs étoiles de l’Opéra de Paris comme Hervé Moreau\, Aurélie Dupont et Isabelle Ciaravola sur des chorégraphies de Benjamin Millepied et Jiri Bubenicek. Depuis\, il a été très actif dans le monde de la danse\, participant à des festivals internationaux dans le monde. \nLauréat du prix Gabrielle Agostini\, du concours Kiefer Hablitzel Wettbewerb et du prix Marguerite Meister\, Jorge Viladoms a obtenu son Master of Arts in Performance avec les félicitations du jury à la Zhdk dans la prestigieuse classe de Homero Francesch. \nPendant ses années d’études\, il reçoit les conseils des maîtres renommés\, tels que Pascal Devoyon\, Paul Badura Skoda\, Menagen Pressler\, Anne Queffélec et Philippe Cassard. En 2011\, à l’âge de 26 ans\, il est nommé professeur de piano au Conservatoire de Lausanne. \n\nSteven McRae\nPremier danseur au Royal Ballet london \nDanseur australien\, Steven McRae est Lauréat du Prix de Lausanne en 2003\, à la suite de quoi il rejoint immédiatement la Royal Ballet School\, puis la Royal Ballet Company en 2004. Promu Danseur Etoile (principal) en 2009\, il danse tout le répertoire emblématique de la compagnie\, y compris les nouvelles oeuvres de Wayne McGregor\, Christopher Wheeldon\, Twyla Tharp et bien d’autres. Tout en poursuivant sa carrière de danseur\, Steven a obtenu un diplôme en Business Management & Leadership ainsi qu’un Master en Marketing. Il a également joué le rôle de «Skimbleshanks » dans l’adaptation cinématographique de Cats de Universal Pictures. \nParmi ses distinctions\, on compte le Best Male Dancer Award (prix du meilleur danseur masculin) par le Critics Circle\, le Young Australian of the Year (jeune Australien de l’année)\, un Honorary Doctorate (doctorat honorifique) de la West Sydney University\, ainsi que le surnom de « Fred Astaire des temps modernes » (Guardian\, 2013). En octobre 2019\, Steven subit un incident traumatique au milieu d’une présentation et se déchire le tendon d’Achille sur scène. Tout le monde lui prédit une fin de carrière. Il n’en est rien\, et suite à une longue rééducation et un grand travail psychologique\, il revient au devant des projecteurs. Son retour sur scène\, en octobre 2021 sera présenté dans le long métrage documentaire « A Resilient Man ». \nAujourd’hui père de trois jeunes enfants et marié à l’ancienne Soliste du Royal Ballet\, Elizabeth Harrod\, Steven met sa passion pour la profession et ses connaissances en matière de santé et de bien-être au service de la Royal Academy of Dance et des programmes d’enseignants affiliés des Royal Ballet School\, ainsi qu’en tant que mécène du London Children’s Ballet. \n\n\nMarian Walter\nDanseur étoile invité\, Staatsballett Berlin \nNé en Suhl en Allemagne\, Marian Walter débute sa formation de danseur en 1992 à l’Ecole Staatsballett Berlin\, dont il obtient le diplôme en 2000. Très vite il intègre l’Opera de Munich et son célèbre Ballet d’État de Bavière\, ou il est engagé en tant que danseur professionnel pour deux ans. \nEn 2002\, il rejoint le Staatsballett Berlin. Il est nommé premier danseur en 2004 et obtient le titre d’Étoile en 2010. En 2018\, il reçoit le titre de “Berliner Kammertänzer”\, la plus haute distinction pour la danse en Allemagne. Depuis 2021\, atteignant l’échéance de son contrat\, il demeure danseur Étoile invité au sein du Staatsballett Berlin. \nMarian Walter a remporté de nombreux prix lors de concours internationaux dont ceux de Vienne (2004)\, Helsinki (2005)\, Nagoya (2005)\, le “Deutscher Tanzpreis Zukunft”. En 2010\, il est nominé au prestigieux “Benois de la Danse”. Marian Walter est également invité à se produire lors de nombreux galas internationaux à : Taipei\,Arnheim\, Innsbruck\, Nagoyxa\, Berlin\, Beijing\, Japon\, Bilbao ou Singapour. \nEn tant que danseur classique\, il est principalement connu pour avoir incarné des rôles princiers tels qu’Albrecht dans Giselle\, Siegfried dans Le Lac des Cygnes\, le prince dans Casse-Noisette et le prince Désiré dans La Belle au Bois Dormant. Le chorégraphe Maurice Béjart a fait de Walter le jeune Siegfried idéal dans Ring um den Ring\, un rôle qu’il a joué sans doublure pendant de nombreuses années. Heinz Spoerli\, lui aussi\, l’a choisi pour le rôle-titre dans sa production de Peer Gynt en raison de sa personnalité\, et récemment Víctor Ullate a reconnu son aptitude particulière pour le rôle de Basile dans son Don Quichotte. \n\nIana Salenko\nDanseuse étoile\, Staatsballett Berlin \nNée à Kiev\, en Ukraine\, Iana Salenko était à 16 ans la plus jeune danseuse jouant les premiers rôles au Donetsk Ballet en 1999. En 2002\, elle devient première danseuse au Kiev Ballet\, puis première danseuse au Staatsballett Berlin en 2006. En 2007 elle reçoit la distinction de danseuse Étoile. \nSon répertoire au Staatsballett Berlin comprend Cendrillon et La Belle au Bois Dormant de Vladimir Malakhov\, La Belle au Bois Dormant de Nacho Duato\, Casse-Noisette de Patrice Bart\, Onéguine et Roméo et Juliette de John Cranko\, le Pas de deux de Tchaïkovski de George Balanchine et La Sylphide de Peter Schaufuss. Iana Salenko est depuis 2013 danseuse invitée régulière au Royal Ballet de Londres\, où elle a faitses débuts dans le rôle de Kitri dans Don Quichotte de Carlos Acosta en 2013 et s’est produite dans Diamant de Balanchine en 2017. \nIana Salenko a remporté la médaille d’or et le prix Diaghilev au Concours international de ballet Serge Lifar en 2002. En 2004\, elle a remporté la médaille d’or au concours ÖTR de Vienne\, la médaille d’or et le prix Natalia Makarova au concours de ballet ARABESQUE et le troisième prix au concours international de ballet de Varna. L’année suivante\, elle a reçu des médailles d’or aux concours internationaux de ballet d’Helsinki et de Nagoya. Elle a été récompensée au festival international de danse Dance Open en 2012\, 2014 et 2016. Le magazine italien Danza&Danza a nommé Iana Salenka “Meilleure danseuse de l’année” en 2016. \nIana Salenko se produit régulièrement en tant qu’artiste invitée dans le monde entier\, avec des engagements à Florence\, Munich\, Moscou\, Saint-Pétersbourg\, Rome\, Essen\, Bratislava\, Slovénie et bien d’autres pays. \n\nInternational Menuhin Music Academy\nQuand Lord Menuhin créa en 1977 avec son disciple et ami Alberto Lysy l’International Menuhin Music Academy\, à Gstaad\, il inventait une forme toute nouvelle d’académie musicale\, sans frais de scolarité\, où les futurs solistes\, recrutés pour 3 ou 4 ans dans le monde entier après leurs études secondaires\, seraient réunis par une même passion de la musique et une même volonté de progresser\, apprendraient à jouer ensemble et à se produire en public et partageraient un même idéal humaniste de tolérance et d’ouverture au monde et aux autres. Un noyau de trois professeurs anciens élèves de Menuhin et de Lysy se chargèrent après 2009 de transmettre cette flamme et cet héritage artistique et culturel : Oleg Kaskiv reprit la direction musicale et l’enseignement du violon\, Pablo de Naverán\, celui du violoncelle\, Ivan Vukčević\, celui de l’alto. Ils ont formé quotidiennement avec la même ferveur les seize solistes qui composent l’ensemble des Menuhin Academy Soloists et qui bénéficient de l’accompagnement au piano d’Olga Sitkovetsky (de la Menuhin School dans le Surrey). Les meilleurs se présentent à des concours réputés. \nDe 2012 à 2019\, Maxim Vengerov a été le directeur artistique de l’Académie. \nEn 2015\, les solistes de l’Académie sont devenus l’orchestre résident de l’Institut Le Rosey à Rolle. \nIls y offrent des concerts publics\, participent à plusieurs festivals en Suisse et en Europe et préparent des tournées internationales. Au total une trentaine de concerts annuels. \nEn juillet 2019\, Renaud Capuçon a rejoint l’Académie pour en prendre la direction artistique et lui insuffler un élan nouveau. Il s’est adjoint un deuxième enseignant pour le violon\, Guillaume Chilemme. De prestigieuses invitations sont depuis régulièrement lancées pour organiser des master classes au Rosey Concert Hall pour chaque instrument et pour la musique de chambre. Le corps professoral s’est récemment étoffé grâce à la venue de deux autres maîtres\, Gérard Caussé pour l’alto et Clemens Hagen pour le violoncelle. \nwww.menuhin.com
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SUMMARY:RHONDA ROSS
DESCRIPTION:Rhonda Ross\n In Case If You Didn’t Know\n\n\n  \nRhonda est une ancienne élève du Rosey qui a relevé le double défi de réussir une carrière dans la musique tout en étant la fille de Diana Ross. Nous avons déjà eu le plaisir de la recevoir en 2017 et sommes ravis de la retrouver cette année pour un concert de rentrée puissant et joyeux\, porté par le charisme et le talent de l’artiste.  \nMarie-Noëlle Tirogalas \n\n\n \n© Crystal Blake \n\n\nRhonda Ross\nRhonda Ross has a powerful message to share:  “YOU get to control how YOU feel!” And she writes\, sings and teaches it every chance she gets. \nAs the only child between Diana Ross and Motown Founder\, Berry Gordy\, Rhonda is quick to acknowledge the privilege she was born into\, yet partly as a result of comparing herself to the world-changing brilliance of her parents\, she painfully struggled with finding her own radiance. \nIt took Rhonda years of study to finally build tools like SONGTRA™ which merges her expertise in personal development with her love and mastery of music and performance to help her transform her negative self-talk and harness her own personal power to feel fulfilled. \nNow\, as an Emmy-nominated actress\, Grammy-nominated songwriter\, Motivational Singer\, Thought Power Practitioner\, and the Founder of Happy Toolbox self-empowerment courses\, Rhonda empowers everyone from concert-goers with original songs like: “Nobody’s Business” – a groovy\, bass-led reminder that it’s nobody else’s job to make you happy\,” to entrepreneurs and corporate executives with her powerful programs that transform their limiting beliefs. \nRhonda takes her unique genre of “motivational singing” across the globe\, headlining one of President Obama’s 2nd Inaugural Balls\, and performing to rave reviews at The Hollywood Bowl\, The Montreal Jazz Festival\, Noches del Botanico in Madrid\, Juneau Jazz & Classics\, Wolf Trap\, Radio City Music Hall\, as well as The Theater at Madison Square Garden. \nWhether speaking\, writing\, teaching or singing\, Rhonda’s transformational message flows straight from her essence to yours\, showcasing that she not only has the talent\, but the significance to carry on her parents’  legacy\, all while establishing her own unique magnificence. \nThe Rhonda Ross
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SUMMARY:Badine
DESCRIPTION:Badine\nAdaptation d’après l’œuvre d’Alfred de Musset \nOn ne badine pas avec l’amour\n  \nBlack Box – Carnal Hall \n\n\nCe chef-d’œuvre d’Alfred de Musset est l’une des plus belles analyses du coeur humain et des émotions qui le traversent. Au-delà de l’histoire d’amour\, cette pièce a de grandes vertus philosophiques qui nous amènent à une remise en question de notre vision du monde et de nos émotions. Comment nous protéger de nous-même ? De notre orgueil ? Est-il possible de vivre tout en évitant de souffrir ? Je souhaite apporter à ce conte moderne et classique un doux et entêtant parfum d’années 50\, une époque où les grands couples mythiques du cinéma véhiculaient une image de l’amour passionné\, douloureux et vivant. Des mélodies jazz sensuelles jouées par les comédiens en «live» sur le plateau et une scénographie élégante et symboliste nous emporteront dans un univers onirique pour porter au plus haut les magnifiques mots de Musset. \nSalomé Villiers \n\n\n\n \n© Cedric Vasnier \n  \nBadine\nAdaptatrice et metteuse en scène Salomé Villiers \nProducteur exécutif Atelier Théâtre Actuel \nCo-producteurs Canal 33\, Prodster et Prismo Production \nPerdican et Camille s’aiment depuis toujours. Le Baron\, père du premier et oncle de la deuxième\, rêve de les unir. Perdican y est disposé mais Camille montre une réserve inexplicable. Elle aspire à un amour absolu… et préfère se faire religieuse pour échapper à la perspective de la douleur d’une histoire d’amour brisée.\nPerdican\, convaincu qu’il faut vivre sa vie pleinement\, blessé par la froideur de sa cousine\, feint de s’éprendre de Rosette\, une aimable fille de la campagne. Par orgueil et dépit\, il l’épousera\, provoquant la colère et le désespoir de Camille\, enfin consciente des sentiments qu’elle porte à son cousin… \n\nDistribution\nAdaptatrice et metteuse en scène Salomé Villiers \nDistribution Salomé Villiers\, Benjamin Egner\, Catherine Cyler\, Milena Marinelli\, Adrien Biry Vicente\, Patrick Chayriguès – Avec la voix de Marjorie Frantz \nScénographie Emmanuel Charles  \nCostumes Virginie H  \nCréation lumières Denis Koransky  \nCréation sonore Xavier Ferri  \nArrangements musicaux Adrien Biry Vicente  \nAssistant mise en scène Alexandre de Schotten \n\n\n\nBande-annonce\n\nhttps://www.atelier-theatre-actuel.com/spectacle/badine/#video
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SUMMARY:JESS GILLAM ENSEMBLE
DESCRIPTION:JESS GILLAM\nSaxophone\n\n\nElle a 24 ans\, un saxophone au cou\, un sourire contagieux et déjà une belle carrière. Plus jeune soliste à jamais participer au Last Night of the Proms de Londres en 2018\, Jess Gillam est une ambassadrice de la jeunesse et de la musique. Elle anime sa propre émission musicale sur la BBC 3 et vient partager avec nous sa passion de la musique. Quel bel exemple pour Le Rosey qui entend encourager de jeunes artistes et de faire découvrir la musique classique à toutes les générations. \nMarie-Noëlle Tirogalas \n\n  Programme\n Orbit\n Will Gregory \n Allegro Assai from Flute Concerto in A Minor\nCPE Bach arr. Simon Parkin  \nMerry Christmas Mr Lawrence\nSakamoto arr.John Metcalfe \n The Unseen Way\n Barbara Thompson  \nSuite from West Side Story\nLeonard Bernstein arr. Simon Parkin \nPequena Czarda\nItturalde arr. John Harle \nBordel\, Cafe and Nightclub 1960 from Histoire du Tango\n Piazzolla arr. Simon Parkin \n Clair de Lune\nClair de Lune arr. Simon Parkin \n Briggflatts: Flare\, Garsdale\, Rant\n John Harle and Simon Parkin  \n Shine You No More\n Rune Sorensen arr. Simon Parkin \n \n© Robin Clewley Photography \n\n“By some way the sparkiest new kid on the classical music block” \nThe Times \n“A true inspiration…she frankly rocks” \nHuffington Post \n“… saxophonist Jess Gillam was the indisputable highlight of the Last Night of the Proms.” \nBBC News \n“There are many more established presenters who lack Gillam’s warmth and impressive ability” \nThe Guardian \n“She had the Royal Albert Hall in the palm of her hand” \nThe Telegraph \nJess Gillam\nForce musicale de la nature\, Jess Gillam s’est faite connaître en devenant le premier saxophoniste à atteindre la finale de BBC Young Musician et la plus jeune soliste à se produire à la Last Night of the Proms. Passionnée par l’idée d’inspirer et d’apporter de la joie aux gens par la musique\, Jess invite son public à des voyages de découverte musicale grâce à ses performances électrisantes et à sa programmation éclectique.\nSon enthousiasme contagieux et sa passion pour la musique classique et non classique illuminent chaque scène. Dans son nouvel ensemble Jess Gillam\, elle réunit un groupe de brillants musiciens qui partagent son approche audacieuse\, stimulante et ouverte d’esprit. \nAprès avoir été en tête des hit-parades classiques avec son dernier album « TIME »\, Jess interprète la musique de ce disque avec un petit ensemble composé d’un groupe incroyable de musiciens venant d’horizons musicaux très divers mais ayant des racines dans la musique classique. Ce concert promet d’être explosif\, conçu pour mettre en valeur la diversité\, le dynamisme et la polyvalence du saxophone\, et pour inciter le public à réfléchir\, à danser et à sourire ! \nwww.jessgillamsax.co.uk \nhttps://www.bbc.co.uk/programmes/m00040ch \nhttps://www.bbc.co.uk/programmes/m001h5zq \n\nArticles de presse\n\nThe guardian\nBig Issue North Magazine\nMusic Teacher Magazine
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SUMMARY:LES SOLISTES DE LA MENUHIN ACADEMY AVEC RENAUD CAPUÇON
DESCRIPTION:LES SOLISTES\nDE LA MENUHIN ACADEMY\nAvec leurs professeurs et Renaud Capuçon\nConcert de Gala\n  \nPartenaire de la soirée:\n \n\nLa Menuhin Academy\, notre orchestre en résidence\, nous offre comme chaque année un magnifique concert en présence de tous ses professeurs\, y compris son directeur artistique\, notre cher ami Renaud. Les bénéfices de la soirée sont versés à l’Académie afin de l’aider à financer son merveilleux travail auprès de jeunes talents issus du monde entier. \nMarie-Noëlle Tirogalas  \n\nPROGRAMME\nJohann Sebastian Bach (1685-1750)\nConcerto Brandebourgeois nº3 \nGustav Mahler (1860-1911)\nQuatuor \nPyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893)\nSouvenir de Florence \n  \n \n©Helène Sutin \n\nRENAUD CAPUÇON\nNé à Chambéry en 1976\, Renaud Capuçon a commencé ses études au Conservatoire national supérieur de musique de Paris à 14 ans\, où il a reçu de nombreuses récompenses durant ses cinq années d’études. Il s’est ensuite installé à Berlin pour étudier avec Thomas Brandis et Isaac Stern et a reçu le prix de la Berliner Akademie der Künste. En 1997\, il est choisi par Claudio Abbado pour devenir Konzertmeister du Gustav Mahler Jugendorchester\, pendant trois étés\, travaillant avec des chefs comme Pierre Boulez\, Seiji Ozawa\, Franz Welser-Möst et Claudio Abbado. \nDès lors\, Renaud Capuçon s’est imposé comme soliste de très haut niveau. Il joue avec les grands orchestres : Berliner Philharmoniker\, Boston Symphony Orchestra\, Chamber Orchestra of Europe\, Filarmonica della Scala\, London Symphony Orchestra\, New York Philharmonic\, Wiener Philharmoniker\, Orchestre de Paris\, Orchestre National de France et Orchestre Philharmonique de Radio France. Il travaille avec de nombreux chefs\, tels que Daniel Barenboim\, Semyon Bychkov\, Ernő Dohnányi\, Gustavo Dudamel\, Christoph Eschenbach\, Valery Gergiev\, Bernard Haitink\, Daniel Harding\, Long Yu\, Paavo Järvi\, Andris Nelsons\, Yannick Nézet-Séguin\, François-Xavier Roth\, Lahav Shani\, Robin Ticciati\, Jaap van Zweden… \nSon engagement pour la musique de chambre l’a conduit à collaborer avec Martha Argerich\, Nicholas Angelich\, Daniel Barenboim\, Yuri Bashmet\, Yefim Bronfman\, Khatia Buniatishvili\, Hélène Grimaud\, Maria João Pires\, Daniil Trifonov\, Yo-Yo Ma et Yuja Wang\, ainsi qu’avec son frère\, le violoncelliste Gautier Capuçon. Il a ainsi notamment joué aux festivals de Berlin\, Lucerne\, Verbier\, Aix-en-Provence\, La Roque d’Anthéron\, San Sebastián\, Stresa\, Salzbourg\, Édimbourg et Tanglewood. Il a également représenté la France dans certains des événements internationaux les plus prestigieux : en 2018 il s’est produit avec Yo-Yo Ma sous l’Arc de triomphe pour la commémoration de l’Armistice en présence de plus de 70 chefs d’État ; il a par ailleurs joué au sommet du G7 à Biarritz en 2019. \nRenaud Capuçon est le directeur artistique de deux festivals : les Sommets musicaux de Gstaad\, depuis 2016\, et le Festival de Pâques d’Aix-en-Provence\, qu’il a fondé en 2013. En 2019-2020 il s’est produit avec le Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks\, la Filarmonica della Scala\, les Wiener Symphoniker\, l’Israel Philharmonic Orchestra\, l’Orchestre philharmonique tchèque\, le London Philharmonic Orchestra et le Chamber Orchestra of Europe. Il fera des tournées aux États-Unis avec le Budapest Festival Orchestra et assurera la création mondiale d’un concerto pour violon de Michael Jarrell avec le Tokyo Symphony Orchestra. Il se produira en récital à la Salzburger Festspiele\, au Musikverein et au Wigmore\nHall ; il jouera le cycle complet des trios de Beethoven avec Gautier Capuçon et Frank Braley et enregistrera toutes les sonates pour violon et piano de Mozart en live avec Kit Armstrong. \nRenaud Capuçon a construit une vaste discographie et enregistre exclusivement chez Erato/Warner Classics. Ses récentes parutions incluent des sonates de Bach avec David Fray\, des trios de Dvořák et de Tchaïkovski avec Lahav Shani et Kian Soltani en direct du Festival d’Aix\, les deux concerti pour violon de Bartók avec le London Symphony Orchestra et François-Xavier Roth\, un disque Brahms et Berg avec les Wiener Philharmoniker et Daniel Harding et des œuvres de musique de chambre de Debussy. Son disque Au cinéma\, comportant une sélection de musiques de films\, est sorti en octobre 2018 et a été acclamé par la critique. En 2017\, Renaud Capuçon a fondé un nouvel ensemble\, les Lausanne Soloists\, composé d’actuels et d’anciens étudiants de la Haute École de musique de Lausanne\, où il est professeur depuis 2014. Il joue le Guarneri del Gesù «Panette» (1737) qui a appartenu à Isaac Stern. Il a été nommé chevalier dans l’Ordre National du Mérite en juin 2011 et chevalier de la Légion d’honneur en mars 2016. \n\nGÉRARD CAUSSÉ\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nGérard Caussé est l’un des rares altistes classiques à mener une carrière internationale de soliste. Il est\, avec Nobuko Imai\, l’une des deux plus grandes stars de l’instrument depuis William Primrose. Il joue sur un alto très ancien (1560) de Gasparo da Salo. Caussé est étroitement associé à la musique de chambre de Mozart\, qui\, selon lui\, a été le premier compositeur à réaliser le potentiel de l’alto en tant que « médiateur » entre les voix supérieures et inférieures de l’orchestre et du quatuor à cordes.\nIl joue également la musique des deux compositeurs de l’ère romantique qui ont le plus favorisé l’alto\, Hector Berlioz et Max Bruch.\nCependant\, il est aussi un champion particulier de la musique du XXe siècle\, car c’est à cette époque que l’alto s’est le plus imposé comme instrument solo. Il joue des œuvres de Bartók\, Britten\, Martinu et Stravinsky\, et des œuvres solos ont été écrites pour lui par Grisey\, Hersant\, Jolas\, Lenot\, Masson\, Nunes et Reverdy. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nIl a participé à la création mondiale du quatuor à cordes Ainsi la nuit d’Henri Dutilleux\, communément classé avec les quatuors de Debussy et Ravel comme les plus grandes œuvres françaises de cette forme. Caussé a enregistré plus de 25 disques compacts sur les grands labels EMI\, Philips\, Erato et Deutsche Grammophon\, et a remporté le Prix de l’Académie Charles Gros\, le Prix Gabriel Fauré\, le Prix de la SACEM et le Grand Prix du Disque français. \nSon arrivée\, en octobre 2021\, à la Menuhin Academy\, s’inscrit dans une longue histoire tracée depuis quelques cinq décennies avec Yehudi Menuhin :\nEn 1970\, concert avec Yehudi Menuhin \, salle Pleyel à Paris.\nPuis\, avec l’Orchestre Sinfonia Varsovia\, sous la direction de Yehudi Menuhin\, plusieurs « Symphonie Concertante » de Mozart avec Vladimir Spivakov.\nEgalement plusieurs Jurys Internationaux présidés par Yehudi Menuhin.\nL’histoire se poursuit avec Alberto Lysy\, merveilleux violoniste\, qui reprend le flambeau de Yehudi Menuhin à la tête de la Camerata. \nUn nouveau chapitre s’ouvre donc pour lui en octobre 2021.  À l’invitation de la Menuhin Academy et de son Directeur Artistique\, Renaud Capuçon\, il vient se joindre à cette École de l’Excellence\, et à son éthique au long cours : celle de la transmission\, du partage\, de l’exigence et de l’inventivité. \n\n\n\n\nGUILLAUME CHILEMME\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nremier Prix du Swedish International Duo Competition avec le pianiste Nathanaël Gouin\, et 3ème Grand Prix ainsi que Prix spécial des élèves des conservatoires de Paris au concours international Marguerite Long-Jacques Thibaud\, Guillaume Chilemme figure parmi les violonistes les plus reconnus de sa génération. En 2010\, après avoir obtenu ses Masters de Violon et de Musique de chambre avec félicitations dans les classes de Boris Garlitsky et Pierre-Laurent Aimard au Conservatoire National Supérieur de Paris\, il part se perfectionner auprès de Stéphane Picard et d’Eckart Runge (Quatuor Artemis) à Berlin\, puis auprès de David Grimal à Saarbrücken. Sélectionné par Seiji Ozawa de 2008 à 2013 pour participer à l’International Music Academy Switzerland\, il bénéficie de l’enseignement de Nobuko Imaï\, Pamela Frank\, Sadao Harada\, Robert Mann et Seiji Ozawa. Passionné par le répertoire du quatuor à cordes\, il fonde avec Marie Chilemme\, Matthieu Handtschoewercker et Bruno Delepelaire\, le Quatuor Cavatine avec lequel il remporte la même année deux prix au Concours International de Musique de Chambre de Hambourg (ICMC).\nEn août 2013\, le quatuor remporte le deuxième Grand Prix au prestigieux Concours International de Quatuor à Cordes de Banff (Canada). \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nGuillaume Chilemme forme depuis de nombreuses années un duo avec son ami Nathanaël Gouin. Leur discographie comporte notamment un album consacré aux sonates de Ravel et de Canal (Label Maguelone) et un enregistrement consacré à la musique de Schubert (Label Evidence). Par ailleurs\, ils se produisent régulièrement en trio avec Yan Levionnois. Guillaume est invité dans de nombreux festivals : Les Folles Journées de Nantes\, Varsovie\, Tokyo\, Les Sommets Musicaux de Gstaad\, Musique à L’Empéri\, Les Schubertiades de Schwarzenberg\, le Festival de Pâques à Aix-en-Provence\, le Festival de l’Orangerie de Sceaux\, le Julitafestival en Suède\, le Festival des Serres d’Auteuil\, La Roque d’Anthéron\, le Festival des Arcs\, le Festival de Pâques à Deauville… Il s’y produit aux côtés de musiciens tels que Frank Braley\, Andreas Ottensamer\, Renaud Capuçon\, Gauthier Capuçon\, Raphaël Pidoux\, Michel Portal\, Lise Berthaud\, Paul Meyer\, Emmanuel Pahud\, le Quatuor Voce\, Alois Posch\, Christian Ivaldi\, Nicholas Angelich\, Pierre Fouchenneret\, Claire Désert\, Adam Laloum\, Victor Julien-Laferrière\, Xavier Gagnepain\, Florent Boffard\, Emmanuelle Bertrand\, Khatia Buniatishvili… Depuis 2016 Guillaume Chilemme est le nouveau violon solo de l’Orchestre d’Auvergne.\n\nIl est fréquemment invité en tant que Violon solo dans divers orchestres : l’Orchestre du Capitole de Toulouse\, l’Orchestre de Radio France\, le Malher Chamber Orchestra\, l’Orchestre Symphonique de Barcelone\, l’Orchestre Gulbenkian de Lisbonne\,La Camerata de Salzbourg… Il a fait partie durant du collectif d’artistes Les Dissonances de David Grimal durant de nombreuses années. Guillaume Chilemme se produit régulièrement en tant que soliste. Il est notamment invité par l’Orchestre du Capitole de Toulouse sous la baguette de Tugan Sokhiev\, l’Orchestre Besançon Franche-Comté\, l’ensemble Les Dissonances\, l’Orchestre d’Auvergne… Depuis 2015\, il prend part au « Adolph Busch Project »\, quatuor créé par Renaud Capuçon avec Edgar Moreau et Adrien Lamarca. Les quatre musiciens se produisent dans les plus grandes salles d’Europe (Concertgebouw d’Amsterdam\, Musikverein de Vienne\, Wigmore Hall de Londres… Il enseigne au sein de l’ International Menuhin Music Academy (Suisse).\n\nGuillaume Chilemme est lauréat de la fondation Safran (2015).\nIl joue un magnifique violon de Nicolas Lupot « Quatuor Château Pape Clément » de 1795\, généreusement mis à disposition par Bernard Magrez.\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nCLEMENS HAGEN\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nLe violoncelliste Clemens Hagen est né à Salzbourg dans une famille de musiciens. À l’âge de six ans\, il a commencé à étudier le violoncelle ; deux ans plus tard\, il était étudiant au Mozarteum de Salzbourg et il a ensuite étudié au Conservatoire de Bâle avec Wilfred Tachezi et Heinrich Schiff. En 1983\, il a reçu un prix spécial des Wiener Philharmoniker et le prix Karl Bцhm. \nClemens Hagen s’est produit avec de nombreux orchestres illustres\, dont le Philharmonique de Berlin\, l’Orchestre symphonique de Vienne\, l’Orchestre du Concertgebouw\, la Camerata Academica Salzburg\, l’Orchestre symphonique de la radio de Fribourg (SWR)\, la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen\, l’Orchestre de chambre d’Europe\, l’Orchestre NHK de Tokyo et l’Orchestre de Cleveland. Il a collaboré avec des chefs d’orchestre tels que Claudio Abbado\, Sylvain Cambreling\, Daniel Harding\, Nikolaus Harnoncourt\, Manfred Honeck\, Ingo Metzmacher\, Horst Stein et Franz Welser-Mцst. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nClemens Hagen a interprété le Triple Concerto de Beethoven à la Styriarte de Graz avec l’Orchestre de Chambre d’Europe sous la direction de Nikolaus Harnoncourt\, Thomas Zehetmair et Pierre-Laurent Aimard. Ce projet a été produit par Warner Classics. Il a effectué une tournée en Allemagne avec le Houston Symphony Orchestra sous la direction de Hans Graf. En 2006\, Clemens Hagen est retourné au Cleveland Orchestra pour des concerts sous la direction d’Osmo Vдnskд. \nOutre ses récitals en solo et ses concerts réguliers avec le Quatuor Hagen\, il joue de la musique de chambre avec Martha Argerich\, Renaud Capuзon\, Itamar Golan\, Paul Gulda\, Hйlйne Grimaud\, Gidon Kremer\, Oleg Maisenberg\, Andrбs Schiff\, Benjamin Schmid et Mitsuko Uchida. \nClemens Hagen a effectué des tournées avec la Radio Philharmonie Hannover NDR et Eiji Oue\, se produisant à Vienne\, Budapest et Zagreb. Il a également donné des concerts en trio des Variations Goldberg de Bach (arrangées par Sitkovetsky) avec Mihaela Martin et Nobuko Imai à Amsterdam\, Rotterdam\, Hambourg et Vienne. \nPour le concert d’ouverture des Wiener Festwochen (Festival international de Vienne) en 2009\, Clemens Hagen a été invité en tant que soliste à se produire avec les Wiener Philharmoniker sous la direction de Nikolaus Harnoncourt. \nIl a enregistré les Sonates pour violoncelle de Beethoven avec Paul Gulda pour JVC Records et le Double Concerto de Brahms avec Gidon Kremer et l’Orchestre du Concertgebouw sous la direction de Nikolaus Harnoncourt pour Teldec. Récemment\, Dabringhaus und Grimm a publié un CD de musique de chambre de Brahms et Pfizner\, enregistré avec Benjamin Schmid et Claudius Tanski. \nClemens Hagen joue un violoncelle Antonio Stradivari de 1698. \n\n\n\n\nLIONEL COTTET\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nNé à Genève en 1987\, Lionel Cottet étudie à la Juilliard School de New York\, au Mozarteum de Salzbourg\, à la Hochschule de Zurich et au Conservatoire Supérieur de Genève\, auprès de Joel Krosnick\, Clemens Hagen\, Thomas Grossenbacher et François Guye. Nommé violoncelle solo du Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks à Munich en 2016\, il mène aussi une carrière de soliste et chambriste sur les plus grandes scènes internationales : Carnegie Hall de New York\, Wigmore Hall de Londres\, Philharmonie de Berlin\, Musikverein de Vienne\, Suntory Hall de Tokyo. Il se produit en soliste notamment avec l’Academy of St Martin in the Fields\, l’Orchestre National de Russie dirigé par Mikhail Pletnev\, le Philharmonique de Belgrade\, l’Orchestre Symphonique de la Radio polonaise\, l’Orchestre de Chambre de Lausanne\, le Sinfonieorchester St. Gallen ou le Musikkollegium Winterthur. Passionné de musique de chambre\, il est présent dans les plus grands festivals: Marlboro\, Bergen\, Verbier\, Gstaad\, aux côtés d’artistes comme Itzhak Perlman\, Mitsuko Uchida\, Igor Levit ou encore en duo avec son partenaire de musique de chambre Louis Schwizgebel-Wang. Il a également joué avec l’ensemble des 12 violoncellistes du Berliner\nPhilharmoniker ainsi qu’au sein de cet orchestre légendaire. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nLauréat de nombreuses compétitions internationales (Concours Lutoslawski de Varsovie\, Concours Brahms en Autriche\, Astral Artist Auditions à Philadelphie) et finaliste du Concours Eurovision\, il est aussi lauréat du Swiss Ambassador’s Award\, Soliste du Migros Kulturprozent et boursier des fondations Leenards et Wilsdorf. Dès septembre 2022\, Lionel Cottet sera 1er violoncelle solo de l’Orchestre de la Suisse Romande\, après avoir brillamment remporté l’audition. Il se produira d’ailleurs en soliste avec l’orchestre et son\nchef principal Jonathan Nott dès l’ouverture de la saison au Victoria Hall de Genève. Ses deux albums enregistrés chez Sony Classic (From Latin America to Paris et Romberg Concertos) ont été vivement salués par la presse. \nEn véritable ambassadeur de la musique\, Lionel Cottet participe à de nombreux programmes de sensibilisation et d’éducation auprès d’écoles et de communautés n’ayant que peu accès à la musique classique. Il joue sur un violoncelle Jean-Baptiste Vuillaume de 1852. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nPABLO DE NAVERAN\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nNé en 1975 à Bilbao\, Pablo de Naverán a commencé d’étudier le violoncelle à l’âge de 11 ans avec Mihai Besedovschi. Il a été admis à 17 ans à la prestigieuse International Menuhin Music Academy\, Gstaad (Suisse)\, où il a étudié avec Lord Menuhin\, Alberto Lysy and Radu Aldulescu\, une expérience qui a profondément influencé sa carrière. Il a rejoint plus tard la classe de Philippe Muller au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris\, où il a passé son diplôme académique\, en obtenant la plus haute mention. Il a remporté de nombreux prix dans des concours nationaux et internationaux\, tels que le Gaspar Cassadó International Cello Competition\, le National Spanish Chamber Music Competition for Young Musicians\, le premier prix du Conservatoire National de Paris et le prix d’interprétation du Collège d’Espagne à Paris. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nPablo de Naverán s’est produit dans des récitals et comme soliste dans de nombreux pays : Suisse\, Allemagne\, France\, Hollande\, Belgique\, Suède\, Autriche\, Italie\, Portugal\, Espagne\, Argentine\, Ukraine et Japon\, et dans des hauts lieux de la musique tels que le Teatro Colón (Buenos Aires)\, le Tokyo and Osaka Symphony Hall\, le Victoria Hall (Genève)\, l’Athénée roumain (Bucarest)\, la Tonhalle (Zürich)\, la Philharmonie (Berlin)\, le Teatro Arriaga (Bilbao) et le Mozarteum (Salzbourg). \nÉtant donné son intérêt particulier pour la musique de chambre\, il a été invité à se produire dans de prestigieux festivals : Cello-Fest (Belgrade)\, Festival de Radio-France (Montpellier)\, Menuhin Festival (Gstaad)\, Salzburg Festival\, Midis-Minimes (Brussels)\, Prussia Cove (England)\, Festival do Estoril (Portugal)\, Festival of Torroella (Spain)\, Festival Lysy (Argentina)\, Incontri Musicali (Siena)\, Festival Ibérico (Spain)\, Festival di Pompei (Italy)\, Schubert Festival (Austria). \nSalué par la presse internationale pour son exceptionnel talent musical et ses capacités de communication\, Pablo de Naverán a séduit le public comme les critiques depuis son plus jeune âge. Sa discographie variée pour des maisons comme Dinemec Classics (Suisse)\, Hilargi (Espagne)\, Several Records (Espagne) ou Stil (France)\, a été accueillie avec enthousiasme dans les media et dans le public. \nÀ l’âge de 27 ans\, il a été engagé comme professeur de violoncelle et de musique de chambre à l’International Menuhin Academy en Suisse\, ainsi qu’en tant que violoncelliste solo de la Camerata Lysy. Il a été professeur au Conservatoire Supérieur de Musique d’Estrémadure (Espagne) et il est actuellement professeur permanent à plein temps à la Menuhin Academy en Suisse (à Rolle) où il donnait déjà des cours réguliers. Il est également régulièrement invité à donner des master classes en Suisse\, Espagne\, Belgique et Portugal. \nPablo de Naverán joue sur un violoncelle Carlo Antonio Testore de 1723. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nOLEG KASKIV\nOleg Kaskiv est né à Kremenetz\, Ukraine\, en 1978. Il a d’bord étudié à l’Ecole de Musique Spéciale de Krushelnytska\, puis au Conservatoire Lysenke de Lviv\, Ukraine. Durant cette période\, il a remporté de nombreux prix\, dont les Concours Internationaux Dvarionas (Lituanie) et Kotorovych (Ukraine). Il a rejoint la Menuhin Académie en tant qu’étudiant en 1996\, sous la houlette d’Alberto Lysy. Il y enseigne aujourd’hui le violon et dirige l’orchestre de l’Académie. Depuis 2007\, il enseigne également au Conservatoire de Genève. Au sein de l’Académie Menuhin\, il a joué avec la Camérata Lysy lors de tournées mondiales. \nIl a été lauréat de nombreux concours de violons\, dont le Queen Elisabeth International Music Competition (Belgique)\, l’International Oistrakh Competition (Ukraine)\, l’International Spohr Competition (Allemagne)\, l’International Montreal Competition (Canada)\, l’International Premio Lipizer (Italie)\, et l’International Molinari Competition (Suisse). \nIl a joué en tant que soliste avec la Camerata Lysy\, la Camerata de Lausanne\, l’Orchestre National de Belgique\, l’Orchestre Symphonique de Montréal\, l’Orchestre Symphonique de Baden-Baden\, l’orchestre National de Kiev\, et l’Orchestre Philarmonique d’Odessa. Il joue sur un\nviolon Guarneri del Gesù de 1729. Oleg Kaskiv joue le violon «Caspar Hauser»  de Giuseppe Guarneri del Gesù (vers 1724)\, généreusement fourni par un sponsor privé suisse. \n\nL'IMMA\, International Menuhin Music AcademyQuand Lord Menuhin créa en 1977 avec son disciple et ami Alberto Lysy l’International Menuhin Music Academy\, à Gstaad\, il inventait une forme toute nouvelle d’académie musicale\, sans frais de scolarité\, où les futurs solistes\, recrutés pour 3 ou 4 ans dans le monde entier après leurs études secondaires\, seraient réunis par une même passion de la musique et une même volonté de progresser\, apprendraient à jouer ensemble et à se produire en public et partageraient un même idéal humaniste de tolérance et d’ouverture au monde et aux autres. Un noyau de trois professeurs anciens élèves de Menuhin et de Lysy se chargèrent après 2009 de transmettre cette flamme et cet héritage artistique et culturel : Oleg Kaskiv reprit la direction musicale et l’enseignement du violon\, Pablo de Naverán\, celui du violoncelle\, Ivan Vukčević\, celui de l’alto. Ils ont formé quotidiennement avec la même ferveur les seize solistes qui composent l’ensemble des Menuhin Academy Soloists et qui bénéficient de l’accompagnement au piano d’Olga Sitkovetsky (de la Menuhin School dans le Surrey). Les meilleurs se présentent à des concours réputés. \nDe 2012 à 2019\, Maxim Vengerov a été le directeur artistique de l’Académie. \nEn 2015\, les solistes de l’Académie sont devenus l’orchestre résident de l’Institut Le Rosey à Rolle. \nIls y offrent des concerts publics\, participent à plusieurs festivals en Suisse et en Europe et préparent des tournées internationales. Au total une trentaine de concerts annuels. \nEn juillet 2019\, Renaud Capuçon a rejoint l’Académie pour en prendre la direction artistique et lui insuffler un élan nouveau. Il s’est adjoint un deuxième enseignant pour le violon\, Guillaume Chilemme. De prestigieuses invitations sont depuis régulièrement lancées pour organiser des master classes au Rosey Concert Hall pour chaque instrument et pour la musique de chambre. Le corps professoral s’est récemment étoffé grâce à la venue de deux autres maîtres\, Gérard Caussé pour l’alto et Clemens Hagen pour le violoncelle. \n\nwww.menuhin.com
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SUMMARY:ORCHESTRE DE LA SUISSE ROMANDE
DESCRIPTION:ORCHESTRE DE LA SUISSE ROMANDE\nDirection : Jonathan Nott\nSoprano Elizabeth Watss \nMezzo-Soprano Hanna Hipp \nTénor Saimir Pirgu \nBaryton Daniel Schmutzhard \nChoeur Zürcher Sing-Akademie \nChef de choeur Florian Helgath \n\nLa sublime 9ème Symphonie de Beethoven sera l’une des grandes productions au Rosey Concert Hall ! Nous sommes très heureux de retrouver « notre » orchestre\, l’OSR avec le chœur de la Zürcher Sing-Akademie pour cette Ode à la Joie inoubliable. \nMarie-Noëlle Tirogalas \n\n« Avec le généreux soutien d’Aline Foriel-Destezet »\n\nPROGRAMME\nSymphonie Nº 9\nEn ré mineur op. 125 avec un chœur final sur ‘l’Ode à la joie’ de Schiller. \n  \n \n© Niels Ackermann \n\nOSR: Orchestre de la Suisse Romande\nActeur culturel incontournable de la Suisse romande\, l’OSR est le premier orchestre symphonique de la région ainsi que l’orchestre principal du Grand Théâtre de Genève. Composé de 112 musiciens\, l’OSR compte aujourd’hui parmi les grands orchestres internationaux. Fondé en 1918 par Ernest Ansermet\, l’OSR rayonne à la fois en Suisse romande\, ainsi qu’à l’international. Il perpétue aujourd’hui ses valeurs d’ouverture\, de partage et de création. L’OSR assume également ses missions de médiation culturelle\, de pédagogie et de valorisation de son patrimoine par de nombreuses actions au sein de la Cité. Mêlant styles et époques et à l’aube de son deuxième siècle d’existence\, l’OSR se veut résolument être un passeur de culture et d’émotions. \n\nJonathan Nott\nTout au long de sa carrière riche et variée\, il a dirigé la majorité des orchestres et formations contemporaines renommés de notre époque ainsi qu’un nombre impressionnant de solistes\, avec lesquels il a enregistré pour les firmes TUDOR\, SONY\, le label japonais OCTAVIA et plus récemment en collaboration avec l’OSR\, en « multi-channel 9.1 Auro 3D »\, pour PENTATONE\, avec des œuvres de Claude Debussy\, Richard Strauss et György Ligeti reflétant l’héritage musical français\, allemand et contemporain de l’orchestre\, paru en 2018. Un deuxième enregistrement comprenant un programme symphonique autour du thème de « Pelléas et Mélisande » avec des œuvres de Schönberg et une nouvelle suite symphonique de Jonathan Nott basée sur l’opéra de Debussy\, publié fin 2021 fait l’objet de nombreux éloges et est acclamé par la critique internationale; il a récemment reçu le Preis der deutschen Schallplattenkritik. La publication d’un troisième CD avec la participation du pianiste Francesco Piemontesi autour des œuvres de Ravel\, Schoenberg et Messiaen est sorti le 1er juillet 2022. \nUne des préoccupations principales de Jonathan Nott est la transmission de son expérience et le soutien aux générations futures. L’inspiration qu’il éveille chez les jeunes musicien-ne-s s’affirme par son rôle au sein de la Junge Deutsche Philharmonie où il aura été chef principal pour une durée de dix années d’ici la fin de son mandat en 2024\, ainsi qu’auprès du Gustav Mahler Jugend Orchester où il est régulièrement invité à diriger. Par ailleurs\, il a initié le Gustav Mahler Conducting Competition\, conçue pour encourager et soutenir les chef-fe-s mondialement reconnus de demain. \nActuellement il consacre son temps libre à la réalisation d’un ouvrage multimédia autour des symphonies de Mahler\, faisant état de ses recherches au travers de maints détails et de références à sa longue expérience en tant que chef. \n\nElizabeth Watss \nElizabeth Watts naît à Norwich (UK) où elle chante dans le chœur de la cathédrale. Elle commence par étudier l’archéologie avant de revenir à la musique au Royal College of Music (RCM) de Londres. \nEn récital\, en concert et sur la scène lyrique\, la jeune chanteuse s’est déjà produite dans plusieurs hauts lieux de la musique : Royal Opera House Covent Garden\, Wigmore Hall\, Welsh National Opera\, BBC Proms\, Santa Fe Opera\, Handel and Haydn Society de Boston. Elle interprète notamment Contessa (Le nozze di Figaro)\, Donna Elvira (Don Giovanni)\, Fiodiligi (Così fan tutte)\, Almirena (Rinaldo) ou Marzelline (Fidelio). \nElle reçoit de nombreuses distinctions\, dont le Kathleen Ferrier Prize en 2006\, le Rosenblatt Recital Song Prize au BBC Cardiff Singer of the World competition en 2007 et le prix Borletti-Buitoni Trust Award en 2011. Lauréate d’un programme consacré aux jeunes artistes\, le « BBC New Generation Artist »\, elle est ensuite invitée comme artiste en résidence au Southbank Centre de Londres. \nElizabeth Walls a de nombreux enregistrements à son actif : Schubert Lieder\, Strauss\, The Complete Songs et Mozart arias avec le Scottish Chamber Orchestra\, différentes œuvres de Scarlatti et de Bach avec The English Concert et plus récemment La Passion selon Brockes de Haendel avec l’Academy of Ancient Music. \nElle est nommée Honorary Doctor of Music par la Sheffield University en 2013 et devient Fellow du RCM en 2017. \n\nHanna Hipp\nHanna Hipp\, polonaise basée en Angleterre\, est ancien membre du Jette Parker Young Artist Programme. Son chant ardent et passionné fait d’elle une favorite du répertoire de premier plan des mezzos lyriques. \nElle chante pour la première fois au Royal Opera House Covent Garden dans le rôle de Magdalene (Die Meistersinger von Nürnberg mis en scène par Holten sous la direction de Pappano)\, puis interprète Hänsel (Hänsel und Gretel) : elle excelle autant dans les rôles éminemment féminins que dans ceux de jeunes garçons. Ainsi\, elle incarne Octavian (Der Rosenkavalier)\, Frances (Gloriana)\, Isolier (Le Comte Ory)\, Béatrice (Béatrice et Bénédict)\, Varvara (Katya Kabanova)\, Fantasio\, sous la direction de grands chefs et metteurs en scène : Bolton\, Gatti\, Zanetti\, Dutoit\, Jurowsky\, et McVicar\, Haenchen\, Holten\, entre autres. \nEn concert\, elle chante notamment les Nuits d’été de Berlioz avec le BBC Symphony Orchestra\, l’Orchestre de Chambre de Paris\, le City of Birmingham Symphony Orchestra et le Oulu Sinfonia\, le Requiem de Mozart ou la Neuvième de Beethoven. Elle a enregistré un CD de mélodies de Pizzetti pour Resonus. \nLors de la saison 2021-22\, elle retourne au Royal Opera House pour Cherubino sous la baguette de Pappano\, au English National Opera pour Dorabella avec Hasan et au Barbican pour Der Trommler (Kaiser von Atlantis). \n\n Saimir Pirgu \nNé en Albanie\, Saimir Pirgu étudie le violon dès son plus jeune âge. Ce n’est qu’à 19 ans qu’il entend à la télévision le fameux concert des trois ténors aux Thermes de Caracalla. Fasciné\, il décide alors de devenir chanteur d’opéra. Dès lors\, sa progression est fulgurante : il part faire ses études au Conservatorio Monteverdi de Bolzano avec Vito Maria Brunetti\, rencontre Pavarotti avec qui il travaille de nombreux rôles\, gagne le Premier Prix des concours internationaux Caruso et Tito Schipa et à 22 ans\, il est invité par Abbado pour Ferrando (Così fan tutte) à Ferrara. \nSes aigus éclatants\, son timbre chaleureux\, son jeu convaincant lui ouvrent les portes des plus grands théâtres lyriques : Teatro alla Scala\, Metropolitan Opera\, Bayerische Staatsoper\, Arena di Verona\, Salzburger Festspiele\, Opernhaus Zürich\, sous la direction de Muti\, Thielemann\, P. Jordan\, Mehta\, Pappano\, entre autres chefs prestigieux. \nEn 2021-22\, il interprète Des Grieux (Manon) à l’Opéra de Lyon et au Théâtre des Champs-Élysées\, Steva (Jenufa) au Royal Opera House Covent Garden\, Duca (Rigoletto) au Liceu Opera Barcelona et au Staatsoper Berlin\, Rodolfo (La Bohème) au Teatro Colón\, Tamino (Die Zauberflöte) au Wiener Staatsoper\, le Te Deum de Bruckner à Rome et la Neuvième de Beethoven à Detroit. \nSaimir Pirgu est ambassadeur de la Fondation Down Syndrome Albania depuis 2013. \n\nDaniel Schmutzhard\nNé en Autriche\, Daniel Schmutzhard est très tôt soliste des Wilterner Sängerknaben. Il commence ses études au conservatoire d’Innsbruck et les continue à l’Universität für Musik und Darstellende Kunst de Vienne. Dès 2005\, il est engagé au Volksoper Wien\, puis à l’Oper Frankfurt. Commence alors une carrière internationale : Festival d’Aix-en-Provence\, Staatsoper Berlin\, Salzburger Festspiele\, Bayreuther Festspiele\, Bayerische Staatsoper\, Bregenzer Festspiele\, New National Theatre de Tokyo\, entre autres. \nIl chante un très vaste répertoire\, tant à l’opéra qu’au concert\, sous la direction de grands chefs tels que Sir Rattle\, Weigle\, Barenboim\, Jacobs\, Petrenko ou Jurowsky et metteurs en scène comme Kosky\, Wieler\, Kentridge ou Bieito: il donne Papageno (Die Zauberflöte)\, Don Giovanni\, Marcello (La Bohème)\, Wolfram (Tannhäuser)\, Eugène Onéguine\, ou Die Schöpfung\, Lieder eines fahrenden Gesellen\, War Requiem\, parmi tant d’autres. \nPendant la saison 2021-22\, il interprète notamment Corpo (Rappresentatione di anima\, et di corpo) dans la nouvelle production du Theater an der Wien\, avec l’ensemble Il Giardino Armonico et mis en scène par Carsen ; Alberich (Rheingold) en concert avec le Concerto Köln à Cologne et au Het Concertgebouw sous la direction de Nagano ; le rôle-titre de Svanda Dudák au Komische Oper Berlin dans la nouvelle mise en scène de Homoki. \nDaniel Schmutzhard vit avec sa femme Annette Dasch et leurs deux jeunes enfants à Francfort. \n\nZürcher Sing-Akademie\nÀ la fois chœur symphonique et ensemble a cappella\, la Zürcher Sing-Akademie est depuis longtemps reconnu parmi les chœurs professionnels européens pour sa souplesse et sa polyvalence artistique aussi bien que pour ses interprétations inspirées. \nFondée en 2011\, la Zürcher Sing-Akademie collabore avec de nombreux chefs à la réputation internationale\, tels qu’Antonini\, Barenboim\, Haitink\, Heras-Casado\, Jacobs\, Järvi\, Nagano\, Norrington\, Nott ou Zinman. Depuis la saison 2017-18\, la Zürcher Sing-Akademie est placée sous la direction artistique de Florian Helgath\, son chef principal. \nLe chœur a effectué des tournées en Allemagne\, en Italie\, en Israël\, aux Pays-Bas\, au Liban\, à Taïwan et en Chine\, ainsi que dans diverses capitales européennes. Partenaire du Tonhalle Orchester Zürich  depuis sa création\, la Zürcher Sing-Akademie travaille aussi régulièrement avec des ensembles renommés comme le Freiburger Barockorchester\, le Luzerner Sinfonieorchester\, l’Orchestre de la Suisse Romande\, le Kammerorchester Basel\, le Musikkollegium Winterthur\, la Hofkapelle München ou l’ensemble baroque La Scintilla. \nLa Zürcher Sing-Akademie se produit régulièrement dans des programmes a cappella\, qui incluent souvent des œuvres de compositeurs suisses. À l’origine de nombreuses commandes et créations\, l’ensemble apporte une contribution significative dans le développement du répertoire choral. \nDe nombreux enregistrements de CD primés ont déjà été publiés avec l’ensemble\, tels que Leonore de Beethoven sous la direction de Jacobs et sa Fantaisie  für Chor und Orchester sous la direction de Heras-Casado\, tous deux avec le Freiburger Barockorchester pour Harmonia Mundi. En 2022\, le premier enregistrement a cappella du chœur sortira également sur le label suisse Claves Records. \n\nFlorian Helgath\nFlorian Helgath s’impose comme l’un des plus importants chefs de chœur de la jeune génération. Florian Helgath est directeur artistique de ChorWerk Ruhr depuis 2011. Depuis 2017-2018\, il est également directeur artistique de la Zürcher Sing-Akademie. \nFlorian Helgath a débuté comme choriste dans sa ville natale avec le Regensburger Domspatzen. Il a étudié la direction de chœur à la Hochschule für Musik und Theater de Munich et a obtenu son diplôme de master en 2008. Michael Gläser\, Stefan Parkman et Dan-Olof Stenlund sont ses professeurs les plus marquants et ont été une grande source d’inspiration pour lui dans sa carrière de chef d’orchestre. Artiste récompensé et finaliste de l’Eric Ericson Award en 2006 et du Concours international de jeunes chefs d’orchestre de Budapest en 2007\, Florian Helgath a déjà attiré l’attention sur la scène musicale chorale internationale. \nFlorian Helgath a été chef d’orchestre du Chœur national danois de 2009 à 2015 et directeur artistique du via-nova-chor de Munich de 2008 à 2016. Avec cet ensemble\, il a dirigé de nombreuses premières exécutions et a été récompensé par des prix internationaux. \nFlorian Helgath est également chef d’orchestre invité régulier du SWR Vokalensemble\, du RIAS Kammerchor\, du Chœur MDR de la radio de Leipzig\, du Chœur de la radio bavaroise\, du Chœur de la radio néerlandaise\, du Chœur de Radio France et du Chœur philharmonique de Varsovie\, entre autres\, et collabore avec l’Orchestre de la Radio de Munich\, l’Orchestre symphonique de Bochum\, l’Orchestre symphonique d’Odense\, le Brussels Philharmonics\, le Münchner Symphoniker\, l’Akademie für Alte Musik Berlin\, le Concerto Köln et l’Ensemble Resonanz. Il s’est produit dans de grands festivals et salles de concert comme le Berliner Festspiele\, l’Audi Sommerkonzerte\, l’Eclat Festival de Stuttgart\, les Thüringer Bachwochen et\, en particulier\, la Ruhrtriennale\, pour des opéras contemporains et de nombreux projets divers.
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DESCRIPTION:ELECTRIC ARCADE\nDirection : Eimear Noone\nAvec les Solistes de la Menuhin Academy\n\n\nEimear Noone était venue diriger l’orchestre qui accompagnait le fantôme de la Callas lors de son concert hologramme en 2019. Nous sommes impatients de retrouver cette pétillante cheffe d’orchestre à la tête d’un nouveau projet : une soirée autour des musiques de jeux vidéo. Accompagnée par son propre band\, elle retrouve également les solistes de la Menuhin Academy qui relèvent le défi d’interpréter un genre bien différent ! \nMarie-Noëlle Tirogalas \n\nPROGRAMME\n\n Halo  \nThe Legend of Zelda  \nCastlevania  \nMetal Gear Solid  \nMalach – World of Warcraft  \n Baba Yetu – Civilization IV  \nEzio’s Family – Assassin’s Creed  \n Uncharted  \nEthereal Essence – WoW \n \n Human Fall Flat – City Level\n \nFortnite \nOri and the Will of the Wisps  \nHades\n \nOne Winged angel – Final Fantasy 7 \n\n \n© Steve Humphreys \n\n“If you have ever battled wolves at the gates of Draenor or helped Link rescue Princess Zelda then chances are you’ve been moved by the music of Eímear Noone.” \nThe Times \nEimear Noone\nEimear Noone – la référence et l’une des rares femmes compositeurs et chefs d’orchestre de l’espace gaming\, propose un concert qui fera un voyage à travers l’histoire des jeux vidéo : de HALO à HADES\, nominé aux BAFTA\, de Final Fantasy à Fortnite\, de Castlevania à Civilization et un opéra rock de Tetris (parce que…pourquoi pas ?!) ce concert s’appuie sur les grandes partitions orchestrales des jeux vidéo. \nOrganisé et arrangé par Eímear Noone et Craig Stuart Garfinkle\, le concert réunira du rock et de l’électronique\, afin d’offrir un mélange de grands classiques nostalgiques et de partitions actuelles\, des méga-titres de Triple-A aux favoris des fans de jeux indépendants primés. \n\nLes Solistes de la Menuhin Academy\nQuand Lord Menuhin créa en 1977 avec son disciple et ami Alberto Lysy\, l’International Menuhin Music Academy à Gstaad\, il inventait une forme toute nouvelle d’académie musicale\, sans frais de scolarité\, où les futurs solistes\, recrutés pour 3 ou 4 ans dans le monde entier après leurs études secondaires\, seraient réunis par une même passion de la musique et une même volonté de progresser\, apprendraient à jouer ensemble et à se produire en public et partageraient un même idéal humaniste de tolérance et d’ouverture au monde et aux autres. Un noyau de trois professeurs anciens élèves de Menuhin et de Lysy se chargèrent après 2009 de transmettre cette flamme et cet héritage artistique et culturel: Oleg Kaskiv reprit la direction musicale et l’enseignement du violon\, Pablo de Naverán\, celui du violoncelle\, Ivan Vukčević\, celui de l’alto. Ils ont formé quotidiennement avec la même ferveur les seize solistes qui composent l’ensemble des Menuhin Academy Soloists et qui bénéficient de l’accompagnement au piano d’Olga Sitkovetsky (de la Menuhin School dans le Surrey). Les meilleurs se présentent à des concours réputés. \nDe 2012 à 2019\, Maxim Vengerov a été le directeur artistique de l’Académie. \nEn 2015\, les solistes de l’Académie sont devenus l’orchestre résident de l’Institut Le Rosey à Rolle. \nIls y offrent des concerts publics\, participent à plusieurs festivals en Suisse et en Europe et préparent des tournées internationales. Au total une trentaine de concerts annuels. \nEn juillet 2019\, Renaud Capuçon a rejoint l’Académie pour en prendre la direction artistique et lui insuffler un élan nouveau. Il s’est adjoint un deuxième enseignant pour le violon\, Guillaume Chilemme. De prestigieuses invitations sont depuis régulièrement lancées pour organiser des master classes au Rosey Concert Hall pour chaque instrument et pour la musique de chambre. Le corps professoral s’est récemment étoffé grâce à la venue de deux autres maîtres\, Gérard Caussé pour l’alto et Clemens Hagen pour le violoncelle. \nwww.menuhin.com
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SUMMARY:GRAND CHOEUR ET ORCHESTRE DE L'HEMU
DESCRIPTION:GRAND CHOEUR ET ORCHESTRE DE L’HEMU\nDirection : Kaspar Zehnder\n\n\nLa Fondation Le Rosey collabore depuis 2020 avec la HEMU en finançant des bourses pour quelques-uns de ses brillants étudiants. L’orchestre de cette école de musique avait foulé notre scène en octobre 2021 avec le concert du Gala « Crescendo Con la Musica » ; il revient accompagné d’un chœur de 200 artistes pour une production titanesque autour de Saint-Saëns. Les bénéfices de cette soirée seront alloués à de nouvelles bourses pour la HEMU. \nMarie-Noëlle Tirogalas \n\nPROGRAMME\nCésar Franck (1822-1890)\nLes Sept paroles du Christ en Croix \n\nCamille Saint-Saëns (1835-1921)\nSymphonie nº3 en ut mineur op. 78\n\n\n  \n \nChoeur de l'HEMU\nLe Choeur de l’HEMU rassemble l’ensemble des étudiant·es Bachelor\, chanteur·euses comme instrumentistes. Une expérience jugée essentielle qui permet à toutes et tous d’acquérir les bases de la respiration commune et de vivre l’émotion grisante des grands choeurs. Au programme : oeuvres a cappella\, projets crossover et grandes fresques rassembleuses avec le concours d’autres ensembles de l’HEMU\, tels que l’Orchestre de l’HEMU ou l’HEMU Jazz Orchestra.  \n \n© Olivier Wavre \n\nOrchestre de l'HEMU\n L’Orchestre de l’HEMU est une formation à géométrie variable qui combine intérêt pédagogique et impératifs de la scène professionnelle. Sous la baguette de prestigieux chef.fes invité.es\, et souvent aux côtés d’autres ensembles de l’HEMU\, l’Orchestre embrasse un répertoire couvrant près de quatre siècles de création musicale\, de 1650 à nos jours\, avec à la clef plusieurs enregistrements. Grâce à une mise en commun régulière de ses forces avec celles de l’Orchestre de Chambre de Lausanne (OCL)\, il lui est possible en outre d’interpréter des oeuvres monumentales sur la scène de la Salle Métropole à Lausanne. Hôte de théâtres de premier plan tels que l’Opéra de Lausanne\, le Crochetan à Monthey et le Théâtre du Jorat à Mézières\, l’Orchestre de l’HEMU se profile également depuis plusieurs années sur la scène lyrique\, participant à des productions remarquées.  \n\nKaspar Zehnder\nKaspar Zehnder est originaire de la région des Préalpes bernoises dans le canton de Berne/Suisse. Il est chef d’orchestre principal de la Philharmonie de Hradec Králové (CZ) depuis 2018 et de l’Orchestre symphonique de Bienne Soleure (CH) depuis 2012. Après les écoles jusqu’au baccalauréat dans la filière classique et linguistique\, il a étudié la flûte et la direction d’orchestre à Berne\, Paris\, Sienne et à l’European Mozart Academy. De 1999 à 2020\, il a été directeur artistique du festival Murten Classics et de 2004 à 2012\, directeur musical du Zentrum Paul Klee. En tant que flûtiste\, il effectue régulièrement des tournées de musique de chambre avec Magdalena Kožená\, Sir Simon Rattle et d’autres amis. Kaspar Zehnder dirige des orchestres de premier plan dans toute l’Europe. Son répertoire comprend d’innombrables oeuvres symphoniques et vocales\, des grands oratorios de J.S. Bach à la musique d’ensemble de notre époque\, et englobe presque toute la création symphonique classique et romantique\, avec un accent sur tout ce qui est inconnu\, nouveau et redécouvert.  \n \n© Andrina Kaegi
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LOCATION:Rosey Concert Hall\, Le Rosey\, Rolle\, 1180\, Suisse
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SUMMARY:DIE SIEBEN TODSÜNDEN / THE SEVEN DEADLY SINS
DESCRIPTION:DIE SIEBEN TODSÜNDEN\nTHE SEVEN DEADLY SINS\nSingspiel de Kurt Weill\n\n\nAprès le formidable succès de Carmen\, le premier opéra donné au Rosey Concert Hall\, nous renouvelons l’expérience avec une mise en scène particulière du Singspiel (genre lyrique allemand dans lequel alternent dialogues parlés ou chantés et airs) Les sept péchés capitaux\, proposé en allemand et en anglais. Cette version est une production du Théâtre Orchestre Bienne et Soleure. \nMarie-Noëlle Tirogalas \n\n\nRésumé\n\nCette soirée particulière présente Weill et Brecht en double: découvrez «Les sept péchés capitaux» tour à tour! On revit à chaque fois par les yeux et les oreilles le même jeu ingénieux dans des langues\, distributions et perspectives différentes… \nKurt Weill compose l’œuvre en 1933 pour le Théâtre des Champs-Elysées à Paris en reprenant la critique sociale acerbe de Brecht dans des sonorités entraînantes évoquant le tango\, le foxtrot et le barbershop. En attribuant exclusivement des voix d’hommes à toute la famille (y compris la mère)\, Weill met l’accent sur les structures patriarcales dominantes. Elles ironisent avec pertinence sur la morale ambivalente et petite-bourgeoise d’une société prête à abandonner ses valeurs et sa santé psychique pour sa prospérité. \nMise en Scène : Olivier Tambosi\nDirection : Yannis Pouspourikas\nThéâtre Orchestre Bienne Soleure (TOBS)\n \nVersion pour 15 joueurs du HK Gruber et Christian Muthspiel \n\n\nOlivier Tambosi\nNé à Paris\, il a étudié la philosophie\, théologie et mise en scène d’opéra à Vienne. Il met en scène des opéras dans le monde entier\, notamment au MET\, à l’Opéra de San Francisco\, au Volksoper de Vienne\, ainsi qu’au Festival de Bregenz et au Lucerne Festival. Au TOBS\, il a créé «Maria de Buenos Aires»\, «La Veuve Joyeuse» et «Sweeney Todd». \n\nYannis Pouspourikas\nChef d’orchestre né à Marseille en 1971. Très vite\, il part étudier au Conservatoire supérieur de Genève\, puis à l’Opéra de Zurich\, où il obtient un premier prix de direction d’orchestre à l’unanimité du jury. Il est rapidement engagé comme chef assistant à l’Opéra national de Paris\, puis par Sir Simon Rattle au festival de Glyndebourne. En 1999\, il fait ses débuts à Genève dans La Chauve-Souris. De 2000 à 2004\, il occupe les fonctions de chef d’orchestre assistant et de deuxième chef de chœur à l’Opéra national de Paris. Il collabore alors régulièrement avec le festival de Glyndebourne\, le festival d’Orange\, le Teatro Real à Madrid\, le Grand Théâtre à Genève et le théâtre de La Monnaie à Bruxelles. \nÀ l’aise dans l’univers lyrique\, Yannis Pouspourikas soigne tout autant le répertoire symphonique. Il se produit notamment à la tête de l’Orchestre de la Suisse romande\, l’Orchestre de Monte-Carlo\, l’Orchestre de la Radio suisse italienne (Le Sacre du printemps\, La Mer…)\, l’Orchestre philharmonique de Strasbourg\, l’Orchestre national de Lorraine\, l’Orchestre de Picardie\, l’Orchestre de la Radio de Dublin\, l’Orchestre de chambre de Genève ou l’Orchestre symphonique de Madrid (Teatro Real). Des solistes tels que Khatia Buniatishvili\, Anne Gastinel\, Laurent Korcia ou Xavier Phillips ont récemment joué sous sa baguette. \nEn 2004\, il est nommé chef d’orchestre en résidence à l’Orchestre national de Lyon\, et dès 2005 il occupe de plus la charge de chef d’orchestre associé à l’Orchestre Symphonique de Mulhouse pendant quatre saisons. Yannis Pouspourikas est nommé en septembre 2008 Huisdirigent à l’Opéra des Flandres. Il y dirige un répertoire très varié\, allant de Peter Grimes à Samson et Dalila en passant par Candide\, Hérodiade\, Mahagonny\, Zauberflöte ou Carmen. \nEn septembre 2010\, après avoir remplacé Jesus Lopez-Cobos pour Les Contes d’Hoffmann à l’Opéra national de Paris\, Yannis Pouspourikas y dirige Le Loup d’Henri Dutilleux\, en présence du compositeur. Depuis\, il y dirige régulièrement comme chef invité. \nInvité régulièrement en Allemagne\, il y dirige par exemple la première symphonie de Mahler\, la huitième symphonie de Bruckner ainsi que la rare Faust-Symphonie de F. Liszt (Braunschweig)\, Le Sacre du printemps\, La Cinquième Symphonie de Tchaïkovsky à la tête du Südwestdeutsche Philharmonie Konstanz\, L’Oiseau de feu à Wuppertal\, Werther au National Theater Mannheim…. \nPlus récemment\, il a occupé la position de Premier Kappelmeister au Aalto Theater Essener Philharmoniker\, et occupe depuis 2020 le poste de chef en résidence au Theater Erfurt: il y dirige des titres tels que Tchaikovsky Jeanne d’Arc\, Nabucco\, Damnation de Faust ou Le Sacre du Printemps. En parallèle depuis août 2022 le poste de chef permanent au Theater Orchester Biel Solothurn. il y dirige Tchaikovsky Mazeppa\, Bartok Le château de Barbe-bleue\, et y fait lors de son premier concert comme chef titulaire la création mondiale du Concerto Noir\, deuxième concerto pour violon de Christian Jost (soliste: Viviane Hagner). \nComme invité\, Yannis Pouspourikas apparait régulièrement à L’opéra national de Paris (Stravinsky symphonie en trois mouvements lors de la saison 2021-2022)\, l’Opéra de Zürich (Casse-Noisettes)\, au Grand-Théâtre de Genève comme à L’opéra de Budapest (Fountain of Bakhchissaraï). \nUn premier CD Harsanyi/Saint-Saëns avec l’Orchestre de la Suisse romande est publié chez Lyrinx. \nSon premier CD comme directeur musical de l’Orchestre de Bienne Soleure sortira en décembre 2022. \n\n\n\nTélécharger le dossier de presse \n\nIntrigue\n\nUne petite maison en Louisiane: pour financer son rêve de devenir propriétaire\, Anna est envoyée à l’étranger par sa famille. Le voyage dure sept ans et la conduit à travers sept villes d’une Amérique fictive. Pour éviter les «sept péchés capitaux des petits bourgeois»\, elle doit mentir\, tricher\, être humiliée et se prostituer\, elle ne doit pas montrer de compassion face à l’injustice et elle ne doit pas tomber amoureuse. Pour supporter cette pression\, sa personnalité se scinde en deux: Anna I est rationnelle\, guidée par le succès et le contrôle\, tandis qu’Anna II reflète les sentiments\, les aspirations et les idéaux d’un moi enfoui et réprimé. Ainsi\, nous assistons à un voyage intérieur d’Anna I et d’Anna II: à la recherche d’une identité sexuelle dans le tiraillement entre ses pôles féminin et masculin. Ce voyage se transforme en un cauchemar interminable. Les personnalités dissociées deviennent indépendantes et entrent de plus en plus en conflit l’une avec l’autre. L’auto-optimisation compulsive tourne à l’autoexploitation\, le déni de soi\, à l’autodestruction. \nOlivier Tambosi \n\n\n\nLa nécessité rend inventif\n\nAprès l’accession au pouvoir des nationaux- socialistes en janvier 1933\, Weill ne pensait pas que cette «hantise hitlérienne»\, comme l’appelait Brecht\, durerait: «Je considère ce qui se passe ici comme tellement malsain que je ne peux pas imaginer comment cela pourrait durer plus de quelques mois.» Mais malheureusement\, la situation ne cessa de s’aggraver pour le compositeur juif: la musique de Weill\, qualifiée de «dégénérée»\, fut interdite\, ses partitions et ses disques\, détruits. Il rencontra de plus en plus de difficultés financières et il ne lui resta plus qu’à quitter l’Allemagne. Il se rendit à Paris avec le couple Erika et Caspar Neher\, où ils arrivèrent le 23 mars 1933. À Paris\, Weill n’était pas un inconnu: ses oeuvres «Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny»\, «Der Jasager» et «Die Dreigroschenoper » y avaient déjà été jouées avec grand succès. Il n’est donc pas surprenant qu’Edward James\, un multimillionnaire anglais\, ait contacté Weill après deux semaines seulement pour lui commander une musique de ballet. James prévoyait une soirée de ballet en six parties avec la troupe «Les Ballets 1933»\, fondée par Boris Kochno et George Balanchine. Tous deux étaient d’anciens membres des «Ballets russes» de Sergei Diaghilev. Weill proposa Jean Cocteau comme librettiste\, mais celui-ci refusa par manque de temps. \nConscient de l’énorme impact publicitaire\, James Kurt Weill proposa de collaborer à nouveau avec Bertolt Brecht. Même si ce dernier avait traité Weill de «faux Richard Strauss» lors des répétitions de «Mahagonny » en 1931 et que le courant ne passait plus entre les deux hommes. Les conditions étaient donc loin d’être idéales. Tout en considérant le ballet comme «la plus stupide des formes d’art»\, Brecht accepta toutefois\, car lui aussi avait un urgent besoin d’argent. C’est donc par pure nécessité que Brecht et Weill écrivirent leur ultime oeuvre en commun à Paris. Après avoir travaillé huit jours avec Brecht\, Weill estima que ce dernier était l’un des «compagnons les plus répugnants\, les plus désagréables sur terre». Les répétitions de «Die sieben Todsünden» («Les Sept péchés capitaux») durent être éprouvantes\, non seulement au niveau linguistique – Lotte Lenya rapporte que George Balanchine ne comprenait pas un traitre mot d’allemand et que tout devait être traduit vers le français puis vers le russe – mais aussi au niveau émotionnel. La confusion des sentiments les plus divers régnait car tous les artistes impliqués étaient liés entre eux d’une manière ou d’une autre: Lotte Lenya\, qui jouait le rôle d’Anna I\, était (encore) l’épouse de Kurt Weill et entretenait une liaison avec le premier ténor\, Otto Pasetti. On murmurait par ailleurs qu’elle avait une relation avec Tilly Losch\, l’interprète d’Anna II. Celle-ci était elle-même mariée avec Edward James\, le financier. Tilly Losch divorça d’Edward James en 1934 – elle l’accusait d’homosexualité. Weill\, quant à lui\, prit pour maîtresse Erika Neher\, la femme du décorateur de théâtre Caspar Neher. Le 7 juin 1933\, «Die sieben Todsünden» furent représentés pour la première fois au Théâtre des Champs-Élysées à Paris. \nLa mère était d’ailleurs interprétée par le célèbre acteur suisse Heinrich Gretler (entre autres Alp-Öhi\, Wachtmeister Studer). Sans doute parce qu’elle était donnée en allemand\, l’oeuvre n’eut pas le succès escompté. Le correspondant parisien du magazine «The New Yorker» qualifia «Les Sept Péchés Capitaux» de «breuvage pour lequel personne n’a manifestement éprouvé de goût». Seuls les émigrés allemands vivant à Paris réagirent avec enthousiasme. Walter Mehring rapporta: «Une élite a célébré les artistes et les interprètes\, comme on en avait l’habitude à la grande époque de l’art théâtral allemand. » Alors que Weill considérait «Die sieben Todsünden» comme l’une de ses meilleures oeuvres\, Brecht s’exprima de manière désobligeante sur la première le 10 juin 1933 dans une carte postale adressée à sa femme Helene Weigel: «Le ballet s’est joliment déroulé\, mais n’était pas si important.» La première représentation en anglais de «Die sieben Todsünden» eut lieu dès la fin juin 1933 à Londres sous le titre «Anna – Anna». La traduction\, réalisée à court terme\, était l’oeuvre d’Edward James et de Lotte Lenya. Après d’autres représentations à Copenhague en 1936\, la pièce disparut des scènes pendant une longue période. Ce n’est que grâce à l’enregistrement de Lotte Lenya en 1956 que l’oeuvre devint connue d’un plus large public et entama une marche triomphale qui se perpétue aujourd’hui. Pour la représentation new-yorkaise des «Seven Deadly Sins» en 1959\, le grand écrivain anglophone et librettiste d’opéra chevronné W. H. Auden et son partenaire Chester Kallman furent chargés d’une nouvelle traduction\, que l’on pourra entendre en deuxième partie de soirée. \nNathalie Widmer
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SUMMARY:L'AVARE
DESCRIPTION:L’AVARE\nde Molière\n\n\nLe grand retour du théâtre sur la scène du Rosey Concert Hall avec la pièce indémodable de Molière. Michel Boujenah en Harpagon dans une mise en scène quasi cinématographique de Daniel Benoin ravira nos spectateurs de tous âges. \nMarie-Noëlle Tirogalas \n\n\n\n\n \n© Philip Ducap \n\nMarilu production présente une coproduction DBP et Théâtre des Variétés. \nUne pièce d’une étonnante modernité\, psychologiquement fascinante. L’histoire de l’Avare\, comme de toutes les autres grandes oeuvres de Molière\, est l’histoire d’une passion effrénée\, sinon folle\, qui finit par troubler l’ordre social. A l’inverse de Dom Juan qui existe dans la dépense\, il s’agit là d’une passion de la restriction\, du retour vers soi\, de la retenue\, du revenu. Harpagon\, pour qui tous les moyens de lutter contre la mort sont bons\, cherche avidement ce qui lui semble éternel – l’argent – et ce qui peut lui insuffler une nouvelle vie\, la jeunesse de Marianne… L’or\, à l’évidence\, ne pouvait assouvir sa faim ; extérieur à lui\, il ne pouvait que vouer Harpagon à l’échec et à ‘angoisse. Et cet échec a vraiment débuté lorsqu’Harpagon\, fasciné par Marianne\, comme Arnolphe par Agnès ou Alceste par Célimène\, a commencé à désirer passionnément celle qui pourrait être sa petite fille… Alors\, tout va se dérégler\, les rôles vont s’inverser\, les fils vont prendre le pouvoir\, les valets trouveront l’or caché et l’avidité d’Harpagon deviendra l’avarice. \nDaniel Benoin \nL'Avare\nHarpagon n’aime que son argent et soupçonne tout le monde de vouloir le lui voler. Pour marier ses deux enfants\, il a fait le choix d’une riche veuve pour son fils Cléante et pour sa fille\, Élise\, du seigneur Anselme\, un homme mûr\, noble et fort riche. Harpagon est pressé de caser ses enfants pour épouser lui-même une jeune fille pauvre\, Mariane\, dont la beauté l’a charmé… \nMise en scène Daniel Benoin \nDécors Jean-Pierre Laporte \nCostumes Nathalie Bérard-Benoin \nLumières Daniel Benoin \nVidéo Paulo Correia \nAssistante mise en scène Kelly Rolfo \nAssistante costumes Sophie Visentin \nAvec \nMichel Boujenah dans le rôle Harpagon et 10 comédiens \n\n\n\nDistribution\n\nMichel Boujenah \nHarpagon \nSophie Gourdin\nFrosine \nBruno Andrieux \nLa flèche / Anselme \nMathieu Métral\nValère \n\nMélissa Prat \nÉlise \nNoémie Bianco\nMarianne \nAntonin Chalon\nCléante \nPaul Chariéras\nMaître Jacques \nFabien Houssaye\nLe Commissaire Brindavoine \nJulien Nacache\nLa Merluche
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SUMMARY:PINK MARTINI
DESCRIPTION:PINK MARTINI\nFeaturing : China Forbes\n\n\nPrévu initialement en 2020\, reporté puis annulé\, nous sommes ravis de pouvoir enfin partager avec vous une soirée aux accents jazzy du célèbre groupe américain pour un concert unique en Suisse. \nMarie-Noëlle Tirogalas \n\nPROGRAMME\n \n© Chris Hornbecker \n\nPink Martini\nIn 1994\, in his hometown of Portland\, Oregon\, Thomas Lauderdale was working in politics\, thinking he would run for mayor one day. Like other eager politicians-in-training\, he went to every political fundraiser under the sun… but was dismayed to find the music at these events underwhelming\, lackluster\, loud\, and un-neighborly. Drawing inspiration from music from all over the world—crossing genres of classical\, jazz and old-fashioned pop—and hoping to appeal to conservatives and liberals alike\, he founded the “little orchestra” Pink Martini in 1994. His aim? To provide more beautiful and inclusive musical soundtracks for political fundraisers supporting causes such as civil rights\, affordable housing\, the environment\, libraries\, public broadcasting\, education\, and parks. \nOne year later\, Lauderdale called China Forbes\, a Harvard classmate living in New York City\, and asked her to join Pink Martini. They began to write songs together. Their first\, “Sympathique\,” was an overnight sensation in France and nominated for Song of the Year at the Victoires de la Musique Awards. To this day\, it remains a mantra for striking workers: “Je ne veux pas travailler (I don’t want to work)”. \nPink Martini has sold well over 3 million albums worldwide on their own independent label Heinz Records (named after Lauderdale’s dog). In 2016\, Pink Martini released its ninth studio album\, Je dis oui!\, which features vocals from China Forbes\, Storm Large\, Ari Shapiro\, fashion guru Ikram Goldman\, civil rights activist Kathleen Saadat\, and Rufus Wainwright. The album’s 15 tracks span eight languages (French\, Farsi\, Armenian\, Portuguese\, Arabic\, Turkish\, Xhosa and English)\, and affirm the band’s history of global inclusivity and collaborative spirit.  In 2019\, Pink Martini collaborated on a new release with the international singing sensation Meow Meow\, entitled Hotel Amour\, and also released two 5-song EPs\, Besame Mucho\, featuring regular guest singer Edna Vazquez\, and Tomorrow\, featuring regular guest singer Jimmie Herrod\, a finalist on 2021’s season of NBC’s America’s Got Talent. During their pandemic hiatus\, the band release two new digital singles written by Thomas Lauderdale\, China Forbes\, and producer Jim Bianco\, “Let’s Be Friends\,” and “The Lemonade Song\,” which already has nearly 8 million streams on Spotify alone. \nFeaturing more than a dozen musicians\, Pink Martini performs its multilingual repertoire throughout the world. Says Lauderdale\, “We’re very much an American band\, but we spend a lot of time abroad and therefore have the incredible diplomatic opportunity to represent a broader\, more inclusive America… the America which remains the most heterogeneously populated country in the world… composed of people of every country\, every language\, every religion.” \nThe band made its European debut at the Cannes Film Festival in 1997 and its orchestral debut with the Oregon Symphony the following year. Since then\, Pink Martini has played with more than 50 orchestras internationally\, including Los Angeles Philharmonic\, Boston Pops\, National Symphony\, San Francisco Symphony\, Cleveland Orchestra\, and the BBC Concert Orchestra at London’s Royal Albert Hall. Other appearances include a performance at the official post-Oscars celebration Governors Ball\, four sold-out concerts at Carnegie Hall\, the opening party of the remodeled Museum of Modern Art in New York\, multiple sellouts and a festival opening at Montreal Jazz Festival\, and multiple appearances\, including sellouts\, at the Hollywood Ball and Walt Disney Concert Hall in downtown Los Angeles. In its 20th year\, Pink Martini was inducted into the Hollywood Bowl Hall of Fame and the Oregon Music Hall of Fame. In 2022\, the band is celebrating its 28th year of performing with its first full season of global touring since 2019\, due to the disruptions brought about by the pandemic. \n\n\n\nChina Forbes\nChina Forbes was born and raised in Cambridge\, Massachusetts where she graduated cum laude from Harvard and was awarded the Jonathan Levy Prize for « most promising actor ». She earned her Equity card appearing in New York regional theatre and off-Broadway productions while also performing regularly as a singer/songwriter in NYC clubs. Her first album « Love Handle » was released in 1995 and she was chosen to sing « Ordinary Girl\, » the theme song to the TV show Clueless. \nIt was that same year Harvard classmate Thomas Lauderdale invited her to sing with Pink Martini\, and she has since fronted the band as well as written many of the band’s most beloved songs with Lauderdale\, including “Sympathique\,” “Lilly\,” “Clementine\,” “Let’s Never Stop Falling in Love\,” « Over the Valley » to name a few. China’s solo original song “Hey Eugene” is the title track of Pink Martini’s third album and many of her songs can also be heard on television and film. She sang “Qué Será Será” over the credits of Jane Campion’s film « In the Cut » and her original song « The Northern Line » appears at the end of sister Maya Forbes’ directorial debut « Infinitely Polar Bear » (Sony Pictures Classics). Both films star Mark Ruffalo by coincidence. \nWith Pink Martini\, China has appeared on The Late Show with David Letterman\, Late Night with Conan O’Brien\, The Tonight Show with Jay Leno and Later with Jools Holland. She has performed songs in over 20 languages on 9 Pink Martini studio albums and has sung duets with Rufus Wainwright\, Michael Feinstein\, Carol Channing and many other wonderful artists. She has performed in venues from Carnegie Hall to Red Rocks\, the Hollywood Bowl to Paris’s l’Olympia and Sydney Opera House. Her second solo album « 78 » came out on Heinz Records in 2008\, a collection of autobiographical folk-rock songs. \nIn July 2021 China released her post-pandemic anthem “Full Circle”\, followed by “Rise”\, a song of home and mental-health awareness. China is currently at work on a forthcoming full length solo album. \n \n© Autumn de Wilde
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SUMMARY:MÜNCHNER PHILHARMONIKER
DESCRIPTION:MÜNCHNER PHILHARMONIKER\nDirection : Lahav Shani\nPiano : Anastasia Voltchok\n\n\nLe Münchner Philarmoniker\, l’un des plus grands orchestres européens. Il manquait encore à l’appel des orchestres philharmoniques qui se sont succédé au fil des saisons. Après le Royal Philharmonic Orchestra\, l’Orchestre Philharmonique de St-Petersbourg\, les Berliner Philharmoniker\, le Mariinsky\, l’Orchestre National de France et naturellement l’OSR- pour ne citer qu’eux- nous sommes très heureux d’accueillir la célèbre formation allemande. \nMarie-Noëlle Tirogalas \n\nPROGRAMME\nAntonín Dvořák (1841-1904)\nConcert Overture « Carnival »\, Op. 92 \nMaurice Ravel (1875-1937)\nConcerto pour piano en sol majeur \nHector Berlioz (1803-1869)\nSymphonie fantastique \n  \n\n \n\n© Judith Buss \n  \n\n\nMünchner Philharmoniker\nThe Munich Philharmonic was founded in 1893\, and since then\, under the direction of renowned conductors\, it has vastly enriched Munich’s musical life. Gustav Mahler conducted the orchestra in the world premières of his 4th and 8th Symphonies\, and in November 1911\, the world première of Mahler’s « Das Lied von der Erde » took place under Bruno Walter’s direction. Ferdinand Löwe led the first Bruckner concerts and established the orchestra’s Bruckner tradition\, which was then gloriously continued by Siegmund von Hausegger and Oswald von Kabasta. \nDuring the Rudolf Kempe era the Philharmonic made its first tour to what was then the U.S.S.R. The legendary Bruckner concerts with general music director Sergiu Celibidache made a major contribution to the orchestra’s international reputation. The Munich Philharmonic made Zubin Mehta the first « conductor laureate » in the orchestra’s history. For the 100th anniversary of the première of Gustav Mahler’s Symphony No. 8 in Munich\, chief conductor Christian Thielemann conducted two performances of this work. He was succeeded as chief conductor by Lorin Maazel\, who held the position until his death in 2014. \nFrom 2015 to 2022 the position of chief conductor of the Munich Philharmonic was held by Valery Gergiev. Programme highlights conceived by Valery Gergiev include performances of symphonic cycles by Shostakovich\, Stravinsky\, Prokofiev and Rachmaninov as well as new formats\, such as the « MPHIL 360° » festival. In September 2016\, the first CD recordings documenting the Munich Philharmonic’s work were released under the orchestra’s own label\, « MPHIL ». From 2017 to 2019\, the Munich Philharmonic and Valery Gergiev recorded all of Anton Bruckner’s symphonies in the basilica of St. Florian Monastery\, Anton Bruckner’s final resting place. \nWith »Spielfeld Klassik«\, the Munich Philharmonic has developed a comprehensive music education programme for young and old. Up to 35\,000 people of all ages attended the more than 150 events held each year. \nOn 13 October 2018 the Munich Philharmonic and Valery Gergiev celebrated the 125th anniversary of the Munich Philharmonic by performing Igor Strawinsky’s « Symphonie de Psaumes » and Gustav Mahler’s Symphony No. 8. In October 2021\, the Munich Philharmonic inaugurated the Isarphilharmonie – the orchestra’s new home and concert hall while the Gasteig is being renovated. The hall was designed by architects « Gerkan\, Marg und Partner »\, with the acoustics designed by Yasuhisa Toyota and his company\nNagata Acoustics. True to the Munich Philharmonics’ new motto\, « Being approachable and breaking new ground«\, the orchestra is expanding its festival programme and will create new points of access for audiences with formats such as « MPHIL late »\, « NACHtKLANG » and « Wandelkonzerte » to be held regularly from now on. \n\n\n\n\n\n\nLahav Shani\nIn the 18/19 season\, Lahav Shani took over from Yannick Nézet-Séguin as Chief Conductor of the Rotterdam Philharmonic Orchestra. From the 20/21 season he is the Music Director of the Israel Philharmonic Orchestra\, taking over from Zubin Mehta who held the appointment for 50 years. From the 17/18 season until summer 20 Shani was also Principal Guest Conductor of the Vienna Symphony Orchestra. \nIn June 2016 Shani debuted with the Rotterdam Philharmonic Orchestra as conductor and solo pianist. No less than two months later\, his appointment as Chief Conductor was announced and he became the youngest conductor to hold the position in the orchestra’s history. The Rotterdam Philharmonic with Shani have an exclusive recording contract with Warner Classics. \nShani’s close relationship with the Israel Philharmonic Orchestra began well over 10 years ago. He debuted with the orchestra aged sixteen\, and in 2007 performed Tchaikovsky Piano Concerto under the baton of Zubin Mehta aged eighteen. He then went on to play regularly with the orchestra as a double bassist. In 2013\, after winning the Gustav Mahler International Conducting Competition in Bamberg\, the orchestra invited him to step in to conduct their season-opening concerts. Since then\, he has returned to the orchestra every year as both a conductor and pianist. \nRecent and upcoming guest conductor highlights include engagements with Wiener Philharmoniker\, Berliner Philharmoniker\, Gewandhaus Orchester\, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks\, London Symphony Orchestra\, Filarmonica della Scala\, Boston Symphony Orchestra\, Royal Concertgebouw Orchestra\, Philadelphia Orchestra\, Budapest Festival Orchestra\, Orchestre de Paris and Philharmonia Orchestra. \nBorn in Tel Aviv in 1989\, Shani began his piano studies aged six with Hannah Shalgi\, before continuing with Prof. Arie Vardi at the Buchmann-Mehta School of Music. He went on to study conducting under Prof. Christian Ehwald and piano with Prof. Fabio Bidini at the Academy of Music Hanns Eisler\, Berlin and was mentored by Daniel Barenboim during his time there. As a pianist\, Shani has performed as a soloist with Daniel Barenboim\, Zubin Mehta\,Gianandrea Noseda and Valery Gergiev. He has play-directed piano concerti with many orchestras including the Vienna Philharmonic\, Philharmonia Orchestra\, Staatskapelle Berlin and Royal Concertgebouw Orchestra. Shani also has considerable experience performing chamber music and in recital and is a regular performer at the Verbier Festival\, and has also appeared at the Aix-en-Provence Easter and Jerusalem Chamber Music Festivals. \n \n\n© Marco Borggreve \n  \n\n\nAnastasia Voltchok\n« Le jeu d’Anastasia Voltchok est puissant\, vigoureux et volcanique. Non seulement sa technique semble être sans limites\, mais il semble que l’esprit de Richter soit dans la salle. » \nRocco Zacheo\, Le Temps\, Genève.  \nCette artiste polyvalente a obtenu un doctorat en arts musicaux de l’université du Maryland et la médaille d’or au Concours international de piano de Cincinnati en 2003. Elle naît dans une famille de musiciens professionnels dont la tradition musicale remonte à son grand-père\, le fameux baryton ukrainien Sergiy Kozak. Anastasia Voltchok mène une vie marquée par la musique\, les beaux-arts et une vision ouverte du monde. Parmi ses mentors et ses professeurs figurent Larissa Dedova\, Rudolf Buchbinder\, André Watts et Santiago Rodriguez. \nDepuis ses débuts orchestraux à l’âge de huit ans dans un concerto de Haydn\, Anastasia Voltchok s’est produite dans toute l’Europe occidentale et orientale\, ainsi qu’aux États-Unis\, Elle joue notamment avec l’Indianapolis Symphony Orchestra\, l’Orchestre du Théâtre Mariinsky\, le Bamberger Symphoniker\, le Symphoniker Hamburg\, l’Orchestra della Svizzera italiana\, l’Orquesta Sinfónica de Navarra\, le Kremerata Baltica et l’Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo. \nAnastasia Voltchok collabore étroitement avec des chefs d’orchestres et des solistes\, tels que Dennis Russell Davies\, Valery Gergiev\, Roman Kofman\, Gidon Kremer et Martha Argerich. \nAnastasia Voltchok est régulièrement invitée à jouer en récital\, notamment au Lincoln Center de New York\, à la Tonhalle de Zurich\, à la Sala Santa Cecilia de Rome\, au Victoria Hall de Genève et à la Fondation Gulbenkian de Lisbonne. \nSes concerts ont été diffusés partout en Europe et aux Etats-Unis. Anastasia Voltchok a enregistré chez Novalis\, Solo Musica et Genuin. \n \n© Anne-Laure Lechat \n 
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SUMMARY:MORCHEEBA
DESCRIPTION:MORCHEEBA\n« BLACKEST BLUE »\n  \n\n\nLe concert de rentrée en fanfare\, auquel tous les Roséens assistent\, lance notre neuvième saison sur des airs trip-hop\, soul et pop ! Une invitation à se laisser porter par des sonorités différentes au rythme soutenu. \n  \nMarie-Noëlle Tirogalas \n\nPROGRAMME\n \n©Michelle Hayward \n\n\nMorcheeba\nIn March 2020\, Skye and Ross were nearing the end of another long tour – they can go years without visiting the same country twice – and the diary suddenly emptied. The pair are used to spending most of each year on the road. Once\, they’d only play countries where their record company had an outpost. Now\, they can see from the streaming platforms where people are listening and travel there to play. \n  \n“Cape Town was amazing\,” remembers Ross of their 2018 South African gig. “We played at the beautiful Kirstenbosch Gardens in Cape Town with Table Mountain as the perfect backdrop. We had 5\,000 people all singing along. North Africa\, central America too. We try to get around the world as much as possible and love playing new places.” \n  \nTourbus parked\, they began writing what became their tenth album ‘Blackest Blue’. By December 2020\, they’d finished 10 lustrous new songs touching on disintegrating familial and romantic relationships\, love and kinship\, the world around and the consolations of cannabis. On tour\, Morcheeba is Skye (vocals)\, Ross (guitar)\, Dom Pipkin (keys)\, Skye’s husband Steve Gordon (bass) and Skye’s eldest son Jaega Mckenna-Gordon (drums). In the studio it’s mostly just Skye and Ross – he plays guitar\, lap steel\, bass\, keyboards and percussion. Skye started playing the cello during lockdown\, whenever she had a little time to herself. “It’s an instrument I’ve always wanted to learn ». Ross encouraged her to play it on the album and she does on ‘Falling Skies’. \n  \nRoss found lockdown idyllic at first. Writing on an acoustic guitar\, sending ideas between his and Skye’s home studios in south London and Surrey. Spending time with his wife and kids\, reading books about forests\, psychedelic plants and quantum physics. “I had more time to play guitar\,” he says happily. “It put me back in touch with feelings I hadn’t had since I was a teenager. When I started playing as a kid\, it was a solitary thing\, a meditation to transcend whatever shitty time I was going through”. \n  \nThe duo let go\, writing and playing what they felt like. “I had a poem I’d written about my free diving experience in Thailand\,” Skye says about lead single Sounds of Blue. “‘Oh Oh Yeah’ is a song about getting stoned. Back in the day we didn’t think about singles and the ‘need to hear the chorus in 30 seconds’. You’d have seven\, eight-minute songs. So we went for it.” \n  \n“We’re always trying to find a sound that already should have existed but didn’t\,” explains Ross. “A song that went missing sometime in 1969\, an obscure Morricone-esque soundtrack… Skye sounds like sweet molasses\, so we wanted to mix that with a gravelly male voice as a contrast.” \n  \nFalling for the rich\, traditional yet modern quality of American folk group The Barr Brothers after seeing them live a couple of times\, Ross contacted singer Brad Barr\, sharing a few ideas before alighting on a sketch of a gorgeous piano ballad that became ‘Say It’s Over’. Brad came with the first two lines\, and said “…it is fair to say it’s a breakup song…” \n  \nThen Ross was listening to the radio and heard a song so good he had to pull the car over to Shazam it. “It sounded like an old Mississippi blues record!” It was singer-songwriter Duke Garwood. Ross enlisted him for the closing duet ‘The Edge of the World’. “Duke’s voice is very deep and rich which suited it perfectly. We wanted that kind of voodoo vibe\,” Ross enthuses. “He makes most of his records in the Mojave Desert with Mark Lanegan but he’s from Hastings.” \n  \n‘The  Moon’  is  a  cover  originally  by  Irena  Žilić\,  a  Croatian singer-songwriter. Ross fell in love with the song when they shared a bill in Zagreb with Irena and asked her permission to cover it. Skye added another verse to it and that is where the album title ‘Blackest Blue’ came from. \nPerhaps Skye’s gloriously unruffled vocal tone means some people don’t catch the darkness in lyrics like; “Put your knife away\, I’ve already cut my heart out”\, from the album opener or the despairing; “Ain’t gonna lie\, feel like I wanna die”\, from ‘Killed Our Love’. There’s plenty of hurt that walks with the hope when Skye sings. \n  \nThe band saw intense protesting up close in Chile\, first stop on their 2019 south American tour. Skye and Steve were sightseeing in Santiago on the afternoon of the gig\, moving through the estallido social\, a noisy but good-natured demonstration against social inequality. As day dimmed into night\, the protest darkened into rioting. Peaceful banging of pots and pans became soldiers firing rubber bullets and tear gas at protestors. There were already too many fans queuing at the venue to cancel the gig. And no way to get there but on foot\, through the fires and riot police\, past the burned-out buses blocking the roads\, even though Skye’s son was recovering from a broken ankle. Weeks later\, he’d get stopped by security at Gatwick when they found traces of explosives from the riot on his crutches. “I walked with my dress over my face\,” Skye says; “our local rep was obviously panicked\, which made me even more nervous. My heart was racing\, my eyes sore from the tear gas.” \n  \nDespite the chaos\, the gig went well\, charged by a strange and surreal energy. By the end\, all the roads around the venue were shut and filled with armoured vehicles\, so the band played on\, taking requests from the fans\, then everyone hung out until it was safe to leave. It reminded them that\, whatever happens in the world outside\, there’s nothing like the healing power of music to bring us all together. \n  \nWhen Skye was writing lyrics for ‘Falling Skies’\, she was thinking about her family\, Black Lives Matter and the very white village they’ve made a home in. “I don’t know if it was paranoia\,” she says; “but I looked at people and wondered\, do you hate black people? It made me a lot more aware of where I was living. Having chats with the other black family in the village\, wondering if we should move somewhere that had more diversity.” \n  \nSkye was brought up by white parents in East London\, supposedly temporarily\, but she was never able to go back to her biological mum. “I was six weeks old when I came to my foster parents.” Skye had a happy childhood\, although growing up in a white family made her aware of race in a way that most children never are. “I always felt like apologising for being black\,” she remembers. “Wanting not to alienate white people. I was a quiet child growing up. Studying fashion helped to bring me out of myself.” \n  \nIt was 1994 when Ross met east Londoner Skye at a party\, she ended up dating his mate who mentioned that Skye could sing. Skye was not happy about it. “Why did you tell them I could sing?!” Her only experience was a local singing class\, some backing vocals in a funk band\, and one try at busking in Covent Garden. She wasn’t ready to sing into a microphone\, or in front of people – but it was a chance remark that changed their lives. Ross and his brother Paul wrote and recorded their debut single ‘Trigger Hippie’ with Skye which effectively started the group Morcheeba as a trio and got them an indie record deal. They released the acclaimed debut album ‘Who Can You Trust?’ in 1996 and inevitably started playing live with a first gig at The Jazz Cafe in London. \n  \nOver the next few years the band went global with ‘Big Calm’ (1998)\, ‘Fragments of Freedom’ (2000) and ‘Charango’ (2002) and the brilliance of signature songs ‘The Sea’ and ‘Rome Wasn’t Built In A Day’. They produced an album for Talking Heads legend David Byrne\, got film soundtrack work from Morcheeba fan and Oscar-winning director Steven Soderbergh and in 2003 were the first western band to do a full tour of China. But Skye was ousted from the band that year when Ross’ brother DJ/producer Paul wanted to change direction\, and she didn’t feature on ‘The Antidote’ (2005) or ‘Dive Deep’ (2008). \nMeanwhile\, Ross moved to LA in 2006 and built a studio in the Hollywood Hills for recording with Morcheeba and soundtrack productions. “I spent a lot of time out in the desert taking psychedelics and living out some acid rock fantasy\,” he concedes. After releasing two solo albums ‘Mind How You Go’ and ‘Keeping Secrets’\, Skye agreed to return to Morcheeba in 2009. The albums ‘Blood Like Lemonade’ (2010) and ‘Head Up High’ (2013) followed. Paul then left in 2015 turning the band into a duo. \n  \nSince then the pair have become closer and they got back to work\, first making an album as Skye & Ross\, then ‘Blaze Away’ (2018) as Morcheeba. “The connection we have now is great\,” Skye reveals. “We understand each other\, and we’re both hard working. Our agent might say\, ‘oh it’s a gruelling schedule\, sometimes five gigs in a row…’ and we’ll both immediately say YES!” \n  \nUltimately\, « Blackest Blue is about finding a way through the darkest of times and emerging the other side changed but intact. »
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SUMMARY:ORCHESTRE SYMPHONIQUE SUISSE DES JEUNES
DESCRIPTION:Orchestre Symphonique\nSuisse des Jeunes\nDirection : Kai Bumann\nViolon : Daniel Lozakovich\n\n\nL’Orchestre Symphonique Suisse des Jeunes est un orchestre comme aucun autre : des jeunes musiciens extrêmement brillants\, de 15 à 25 ans\, se réunissent pour deux tournées annuelles\, offrant à la musique classique sa relève. \nNous sommes particulièrement heureux de les accueillir au Rosey Concert Hall avec\, en soliste\, notre ami\, jeune violoniste prodige Daniel Lozakovich\, dont la brillante carrière est une source d’inspiration. \nMarie-Noëlle Tirogalas \n\nPROGRAMME\nPiotr Ilitch Tchaïkovski (1840-1893)\nConcerto pour violon en Ré majeur op. 35 \n\nBéla Bartók (1881-1945)\nConcerto pour orchestre \n \n\nL'Orchestre Suisse Symphonique des Jeunes\nDepuis plus de cinquante ans\, l’Orchestre Symphonique Suisse des Jeunes (OSSJ) allie talent et passion en réunissant de jeunes musicien·ne·s de toute la Suisse. Cela en fait une des rares organisations culturelles suisses actives sur le plan national. \nL’Orchestre Symphonique Suisse des Jeunes est un orchestre exceptionnel : jusqu’à cent jeunes musiciens âgés de 15 à 25 ans\, venant des quatre coins de la Suisse\, se réunissent sous la baguette du chef de renommée internationale\, Kai Bumann\, afin d’interpréter des œuvres exigeantes\, recouvrant toutes les périodes de la musique classique. \nLors des répétitions et des concerts\, les talentueux jeunes musiciens se forgent une précieuse expérience d’orchestre\, qui marquera de façon durable le reste de leur carrière. Ainsi beaucoup d’anciens membres de l’OSSJ occupent aujourd’hui un poste dans un orchestre professionnel renommé. La grande diversité́ de langues présente à l’OSSJ permet également de tisser des liens entre les différents cercles culturels suisses. Durant ses tournées de printemps et d’automne\, comptant chacune six à sept concerts dans toute la Suisse\, l’Orchestre Symphonique Suisse des Jeunes s’efforce de charmer le public\, toujours à reconquérir\, et d’enthousiasmer les médias. C’est grâce au soutien financier de l’État\, des cantons\, communes\, entreprises\, associations privées et mécènes que cette plateforme unique peut être mise à disposition des musiciens. À travers ce phénoménal encouragement de la relève dans le domaine de la musique classique\, l’OSSJ apporte une contribution non-négligeable à la culture et à la formation en Suisse. \n\n\nKai Bumann\nNé en 1961 à Berlin\, Kai Bumann débute sa carrière scénique en 1986\, à la suite de ses études – il est co-répétiteur dans un premier temps à Trèves\, puis dès 1988 à Freiburg. En 1989\, il devient premier Kapellmeister au Landestheater de Detmold\, où il occupe la place de directeur musical ad intérim en 1992/1993. Pendant la saison 1996/1997\, il est engagé au Staatstheater Wiesbaden. En 1997\, le Staatsoper de Cracovie le nomme chef titulaire. En 1998\, Bumann fait ses débuts au Deutschen Oper de Berlin. Il dirige en 2003 la première du « Falstaff » de Verdi à l’opéra de chambre de Varsovie et occupe le poste de directeur musical dans cette institution jusqu’en été 2013. \nEn 1994\, Bumann obtient le deuxième prix de direction au concours international d’exécution musicale de Genève (CIEM). Peu de temps après\, son activité en Pologne s’intensifie et il se produit dès lors régulièrement dans toutes les grandes villes du pays. \nDe la saison 2008/2009 à l’été 2012\, il occupe le poste de chef titulaire et de directeur artistique de la Philharmonie de Danzig. Entre 2013 et 2016\, il est chef invité de la Philharmonie de Lodz. Au commencement de la saison 2015/2016\, Kai Bumann devient chef titulaire des deux orchestres de la philharmonie de Bydgoszcz (Bromberg). Il est également professeur à l’Académie de musique de Gdansk\, où il se plait à enseigner à de jeunes chefs prometteurs. \nKai Bumann dirige l’Orchestre Symphonique Suisse des Jeunes depuis 1998. \n\nDistribution\nViolon 1\nBeatrice Alice Harmon (Bâle/Zurich)\, premier violon \nAline Brunner (Münchenstein) \nWojciech Chmielewski (Bern) \nShirin de Viragh (Zollikon) \nSelina Frei (Rüti/ZH) \nMarius Gruffel (Perly) \nSusanne Isenberg (Sion) \nFilippo Jakova (Lugano) \nAlexis Mauritz (Lausanne) \nStefanie Müller (Luzern) \nClaire Nendaz (Sion) \nNaomi Onaka (Winterthur) \nLivia Unternährer (Buttisholz) \nSara Voegeli \nJonathan Zipperle (Menziken) \nViolon 2\nSophia Tankosic (Meilen)\, cheffe d’attaque \nAude Chappuis (Bretonnières) \nLea Frei (Rüti/ZH) \nSarah Hirschi (Adligenswil) \nMelanie Krebser (Kriens) \nGina Lanzrein (Moosseedorf) \nEmilie Merten (Bannwil) \nAline Sarah Müller (Berne) \nMika Ruckstuhl (Petit-Lancy/GE) \nFiore Streit (Berne) \nEmilie Tâche (Bâle) \nLázár Tóth \nSara Walser (Laupersdorf) \nAlto\nCoralie Tschanz (Châbles/Zurich)\, cheffe d’attaque \nCéleste Bouillet \nYunan Chen (Bâle) \nLior Kamanga (Lucerne) \nMira Maranta (Lucerne) \nNina Mayer (Grolley) \nNaomi Spicher (Corcelles-près-Payerne) \nBea Steinbach (Kriens) \nCamille Stromboni \nAntoine Thévoz (Penthalaz) \nHanna Werner (Tägertschi) \nVioloncelle\nCamille Thévoz (Penthalaz)\, cheffe d’attaque \nMarie Ausländer (Lausanne) \nGiulietta Di Marco (Lausanne) \nHélène François (Lausanne) \nClaire Heinrich (Lausanne) \nAlina Mayer Whitla (Basel) \nFrancisca Parente (Genève) \nDavid Pfistner (Luzern) \nDélia Phan (Lausanne) \nJuliette Rochat (Pully) \nContrebasse\nJoël Küchler (Einsiedeln)\, chef d’attaque \nJuliana Gonçalves (Lausanne) \nLia Neff \nLina Sophia Obertanner (Zurich) \nArthur Popescu \nFlûte\nMarta Dzieciol (Bâle) \nJoana Fernandes (Bâle) \nGinestra Spadari (Genève) \nIker Sáez-Liébana (Zurich) \nHautbois\nPietro Bodini (Lugano) \nManuel Nunes (Zurich) \nElisa Olmeda (Bâle) \nClarinette\nAntony Burkhard (Zurich) \nGabriel Pernet (Bex) \nPatricia Sa Duarte (Bâle) \nMarco Sousa (Massagno) \nBasson\nSimon Demangeat (Gaillard) \nRé Minart-Warscott (Annemasse) \nJoana Rocha (Genève) \nCor\nPhilippe Hess (Bâle) \nMaurin Jenni (Schüpfheim) \nMaxime Lambert (Grolley) \nAndré Marques \nNils Wiesli (Kriens) \nTrompette\nJon Flurin Buchli (Lucerne) \nRodrigo Machado (Zurich) \nJonas Wilhalm (Birsfelden) \nMaria Zumbrunn (Wittinsburg) \nTrombone\nRomain Nussbaumer (Olten) \nElias Schäfer (Meilen) \nGian Marco Simonett (Langenthal) \nTuba\nMathieu Saá Tejada \nPercussion\nCamille Cossy (Bex) \nCharles de Ceuninck (Carouge) \nHarpe\nMarlene Andersson (Lausanne) \nEloïse Fares (Ambilly) \n\nDaniel Lozakovich\nDaniel Lozakovich\, dont les interprétations majestueuses laisse les critiques et le public sous le charme\, est né à Stockholm en 2001 et a commencé le violon peu avant sept ans. Il a fait ses débuts de soliste deux ans plus tard avec l’Orchestre de chambre des Virtuoses de Moscou et Vladimir Spivakov à Moscou et s’est rapidement produit avec\, entre autres\, le Royal Stokholm Philharmonic\, le Moscou Philharmonic et le Royal Liverpool Philharmonic\, l’Orchestre national de France et l’Orchestre symphonique de la radio suédoise. \nDepuis\, Daniel a travaillé régulièrement avec d’autres orchestres de premier plan comme l’Orchestre de la Suisse Romande\, l’Orchestre national du Capitole de Toulouse\, l’Orchestre symphonique de Göteborg\, l’Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai et l’Orchester der Komischen Oper Berlin\, ainsi qu’avec certains des chefs les plus éminents\, notamment Vasily Petrenko\, Leonard Slatkin\, Andris Nelsons\, Semyon Bychkov\, Neeme Järvi\, Klaus Mäkelä\, Robin Ticciati et Lahav Shani. Ses partenaires de musique de chambre\, quant à eux\, incluent Emanuel Ax\, Khatia Buniatishvili\, Seong-Jin Cho\, Sergei Babayan\, Martin Fröst\, Renaud Capuçon\, Daniel Hope\, Shlomo Mintz et Maxim Vengerov. \nLe monde du violon bourdonnait de nouvelles sur l’étonnant jeune suédois bien avant que Daniel ne fasse sa percée internationale en mai 2016\, lorsqu’il a fait la une des journaux du monde entier comme lauréat du Concours international de violon Vladimir Spivakov et\, peu après\, en tant que soliste de retour avec l’Orchestre du Mariinsky sous la direction de Valery Gergiev lors du concert de clôture du XVe Festival de Pâques de Moscou. Il a signé un contrat exclusif avec Deutsche Grammophon en juin 2016\, peu après son 15e anniversaire. Cet accord a fait de lui le plus jeune membre de la famille d’artistes de DG. Il a également renforcé son statut de virtuose unique en son genre\, doté d’une gamme d’expression et de musicalité envoûtante. \nPeu avant de signer avec le label jaune\, Daniel Hope\, un autre artiste de DG\, a invité Daniel Lozakovich à se joindre à lui pour enregistrer une sélection de Duos pour deux violons de Bartók pour l’album My Tribute to Yehudi Menuhin de Hope. Le premier enregistrement complet de Lozakovich pour Deutsche Grammophon\, réalisé avec le Kammerorchester des Symphonieorchesters des Bayerischen Rundfunks\, est sorti en juin 2018 et comprend les deux concertos pour violon de Bach (BWV 1041 et 1042)\, ainsi que sa Partita n°2 en ré mineur BWV 1004 pour violon seul. Son premier album a connu un grand succès\, atteignant la première place du classement Amazon français (toutes catégories musicales confondues) et la première place du classement des albums classiques en Allemagne. \nNone but the Lonely Heart\, le deuxième album de Lozakovich\, est sorti en octobre 2019. Consacré à Tchaïkovski\, il comprend le concerto pour violon\, enregistré en direct avec l’Orchestre national philharmonique de Russie et Spivakov ( » une lecture engagée\, retenue et profonde\, d’une musicalité sans égale « \, classiquenews.com)\, la Méditation pour violon et orchestre et des arrangements de deux œuvres vocales\, l’air de Lensky dans Eugène Onéguine et la chanson dont l’album tire son nom : la Romance Op.6 n°6\,  » None but the lonely heart « . \nPour son dernier album\, Daniel s’est associé à son mentor Gergiev et aux Münchner Philharmoniker pour célébrer le 250e anniversaire de la naissance de Beethoven avec un enregistrement sur le vif de son concerto pour violon\, une œuvre qu’il considère comme « le plus grand concerto jamais écrit ». Disponible en vidéo e-album depuis le 5 juin 2020\, l’enregistrement est prévu pour une sortie en CD et en e-album le 21 août. \nAprès avoir commencé la saison 2019-20 en interprétant le deuxième concerto pour violon de Prokofiev avec l’Orchestre Mariinsky et Gergiev à Montreux et le concerto pour violon n° 1 de Bruch avec le RTÉ National Symphony Orchestra et Nathalie Stutzmann à Dublin\, Daniel s’est ensuite rendu aux États-Unis pour faire des débuts très attendus avec le LA Philharmonic et Esa-Pekka Salonen\, avec trois interprétations du concerto de Tchaïkovski. En novembre\, il est retourné aux États-Unis pour redonner cette œuvre et a fait ses débuts dans la série d’abonnement avec l’Orchestre symphonique de Boston sous la direction de Nelsons\, avant d’interpréter ce même concerto à Toronto et au Gulbenkian à Lisbonne. Il a terminé l’année 2019 par une série de concerts à Munich et Amsterdam\, dans le concerto de Beethoven avec le Philharmonique de Munich et Gergiev. En février 2020\, il a fait ses débuts avec l’Orchestre de Paris dirigé par Christoph Eschenbach en donnant deux fois le concerto de Mendelssohn lors des concerts de clôture du Festival international de musique des Canaries. \nLa saison prochaine\, il se produira notamment au Festival de Tsinandali en Géorgie\, avec le concerto de Tchaïkovski avec l’Orchestre national de France\, le Philharmonia Orchestra\, l’Utah Symphony et l’Orchestre métropolitain\, avec le concerto de Beethoven avec le Wiener Kammerorchester et l’Orchestre symphonique de Pittsburgh\, et le concerto de Mendelssohn avec le Gewandhausorchester de Leipzig. \nOutre sa victoire au Concours Spivakov\, Daniel Lozakovich a remporté de nombreux prix\, notamment le prix du « Jeune artiste de l’année » 2017 au Festival des Nations (Allemagne)\, le prix du « Jeune talent » 2017 aux Premios Excelentia (Espagne) et le prix du « Jeune artiste prometteur » 2019 aux Premios Batuta (Mexique). \nIl a commencé à étudier avec le professeur Josef Rissin à l’Université de musique de Karlsruhe en 2012 et\, depuis 2015\, il est encadré par Eduard Wulfson à Genève. Il joue à la fois le Stradivarius  » ex-Baron Rothschild « \, généreusement prêté au nom du propriétaire par Reuning & Son (Boston) et Eduard Wulfson\, et le Stradivarius Le Reynier (1727)\, aimablement prêté par le groupe LVMH.
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SUMMARY:BÉJART BALLET LAUSANNE – COMPLET
DESCRIPTION:BÉJART BALLET LAUSANNE\n– Complet –\nLe Presbytère n’a rien perdu de son charme\, ni le jardin de son éclat\nChorégraphie Maurice Béjart \nMusique Queen\, Wolfgang Amadeus Mozart \nCréation costumes Gianni Versace \nCréation lumière Clément Cayrol \nRéalisation lumière Dominique Roman \nMontage vidéo Germaine Cohen \nPremière Salle Métropole\, Lausanne – 15 décembre 1996\nReprise Teatro Comunale\, Vicence – 8 mars 2008 \n\nLe spectacle du Béjart Ballet Lausanne\, véritable référence dans le monde chorégraphique\, est époustouflant : une chorégraphie de Maurice Béjart sur la musique de Queen et de Mozart en hommage au danseur Jorge Donn et à Freddy Mercury\, morts tous les deux du Sida à 45 ans. \nUn hymne à l’amour\, à la passion\, un combat pour la vie et un pied de nez au coronavirus.  \nMarie-Noëlle Tirogalas  \n\nIl y a un peu plus de trente ans\, au milieu de la surprenante musique de Berlioz entrecoupée de bombardements et de bruits de mitrailleuses\, un Frère Laurent peu conventionnel s’écriait devant Jorge Donn et Hitomi Asakawa : « Faites l’amour\, pas la guerre ! ». \nAujourd’hui\, Gil Roman\, qui a à peu près l’âge de la création de mon Roméo et Juliette\, entouré de danseurs qui n’ont jamais vu ce ballet répond : « Vous nous avez dit : faites l’amour\, pas la guerre. Nous avons fait l’amour\, pourquoi l’amour nous fait-il la guerre ? ». \nCri d’angoisse d’une jeunesse pour laquelle le problème de la mort par l’amour s’ajoute à celui des guerres multiples qui n’ont pas cessé dans le monde depuis la soi-disant FIN de la dernière guerre mondiale ! \nMes ballets sont avant tout des rencontres : avec une musique\, avec la vie\, avec la mort\, avec l’amour… avec des êtres dont le passé et l’œuvre se réincarnent en moi\, de même que le danseur que je ne suis plus\, se réincarne à chaque fois en des interprètes qui le dépassent. \nCoup de foudre pour la musique de Queen. Invention\, violence\, humour\, amour\, tout est là. Je les aime\, ils m’inspirent\, ils me guident et\, de temps en temps dans ce no man’s land où nous irons tous un jour\, Freddie Mercury\, j’en suis sûr\, se met au piano avec Mozart. \nUn ballet sur la jeunesse et l’espoir puisque\, indécrottable\, optimiste\, je crois aussi malgré tout que the show must go on\, comme le chante Queen. \nMaurice Béjart \n\n©François Paolini\n  \n\nDistribution\nIT’S A BEAUTIFUL DAY\nTIME/LET ME LIVE Toute la compagnie \nFREDDIE Angelo Perfido \nBRIGHTON ROCK Min Kyung Lee\, Carme Andres\, Fabrice Gallarrague\, Mari Ohashi\, Dorian Browne\, Chiara Posca\, Masayoshi Onuki \nHEAVEN FOR EVERYONE Mattia Galiotto\, Dorian Browne\nL’ANGE  Paolo Randon \nI WAS BORN TO LOVE YOU Valerija Frank\nLA MARIÉE  Floriane Bigeon\nL’ANGE  Antoine Le Moal \nMOZART – COSI FAN TUTTE Mari Ohashi\, Dorian Browne\, Chiara Posca\, Masayoshi Onuki \nA KIND OF MAGIC Andrea Luzi\, Denovane Victoire\, Mattia Galiotto\, Clara Boitet\, Alessandro Cavallo\, Cyprien Bouvier\, Angelo Perfido (Freddie)\, Javier Casado Suárez\, Hideo Kishimoto\, Fabrice Gallarrague\, Kwinten Guilliams\, Vito Pansini\, Leroy Mokgatle\, Federico Matetich \nMOZART / THAMOS OUVERTURE Dorian Browne \nGET DOWN MAKE LOVE Mari Ohashi\, Dorian Browne \nMOZART – CONCERTO 21 Kathleen Thielhelm\, Antoine Le Moal \nSEASIDE RENDEZ-VOUS Manoela Gonçalves\nHideo Kishimoto\, Alessandro Cavallo\, Oana Cojocaru\, Bianca Stoicheciu\, Min Kyung Lee \nYOU TAKE MY BREATH AWAY Mari Ohashi\, Dorian Browne\, Daniel Aguado Ramsay\, Denovane Victoire\, Carme Andres\, Manoela Gonçalves \nMOZART – MUSIQUE MACONNIQUE Dorian Browne \nRADIO GAGA Leroy Mokgatle \nA WINTER’S TALE Masayoshi Onuki\nMattia Galiotto\, Carme Andres \nMILLIONNAIRE WALTZ Wictor Hugo Pedroso\, Cyprien Bouvier\, Denovane Victoire\, Alessandro Cavallo\, Daniel Aguado Ramsay \nLOVE OF MY LIFE Mari Ohashi\, Dorian Browne\, Chiara Posca\, Masayoshi Onuki \nBRIGHTON ROCK Cyprien Bouvier\, Denovane Victoire\, Jule Deutschmann\, Oana Cojocaru \nBOHEMIAN RHAPSODY Toute la compagnie \nI WANT TO BREAK FREE (VIDEO) Jorge Donn (vidéo) et toute la compagnie \nTHE SHOW MUST GO ON Toute la compagnie \n  \nDistribution sujette à modifications\n  \n\nFiche artistique\nMUSIQUE\nJohn Deacon\nAlbum : Made in Heaven ;\nTitre : Winter’s Tale ;\nInterprètes : Queen ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : 4835542\n*\nAlbum : The Works ;\nTitre : I Want To Break Free\, live at Wembley 86.\nInterprètes : Queen ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : 7995942 \n  \nBrian May\nAlbum : Live Killer ;\nTitre : Brighton Rock ;\nInterprètes : Queen ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : 7895002\n*\nAlbum : Sheer Heart Attack ;\nTitre : Brighton Rock\, solo live at Wembley 86 ;\nInterprètes : Queen ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : 7995942\n*\nAlbum : A Night At the Opera ;\nTitre : The Prophet’s Song ;\nInterprètes : Queen ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : 7894922 \n  \nFreddie Mercury\nAlbum : A Night at the Opera ;\nTitre : Love of my life\, live at Wembley 86 ;\nInterprètes : Queen ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : 7995942\n*\nAlbum : A Night at the Opera ;\nTitre : Bohemian Rhapsody\, live at Wembley 86 ;\nInterprètes : Queen ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : 7995942\n*\nAlbum : A Night At The Opera ;\nTitre : Seaside Rendezvous ;\nInterprète : Queen ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : 7894922\n*\nAlbum : A Day at the Races ;\nTitre : Millionaire Waltz ;\nInterprètes : Queen ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : UOCD 668\n*\nAlbum : A Day at the Races ;\nTitre : You Take My Breath Away ;\nInterprètes : Queen ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : UOCD 668\n*\nAlbum : Made in Heaven ;\nTitre : I Was Born To Love You ;\nInterprètes : Queen ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : 4835542\n*\nAlbum : Live Killers ;\nTitre : Get down make love ;\nInterprètes : Queen ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : 7895002 \n  \nRoger Taylor\nAlbum : The Works ;\nTitre : Radio Gaga ;\nInterprètes : Queen ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : CDP 7460162\n*\nAlbum : Made in Heaven ;\nTitre : Heaven for Everyone ;\nInterprètes : Queen ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : 4835542\n*\nAlbum : A Kind Of Magic ;\nTitre : A Kind Of Magic ;\nInterprètes : Queen ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : 7462672 \n  \nQueen\nAlbum : Innuendo ;\nTitre : The Show Must Go On ;\nInterprètes : Queen ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : CDP 7958872\n*\nAlbum : Made in Heaven ;\nTitre : It’s A Beautiful Day ;\nInterprètes : Queen ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : 4835542\n*\nAlbum : Made in Heaven ;\nTitre : Let Me Live ;\nInterprètes : Queen ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : 4835542 \n  \nBuck Ram\nAlbum : The Freddie Mercury Album ;\nTitre : The Great Pretender ;\nInterprète : Freddie Mercury ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : 077778099925 \n  \nDave Clark\, John Christie\nAlbum : The Freddie Mercury Album ;\nTitre : Time ;\nInterprète : Freddie Mercury ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : 077778099925 \n  \nWolfgang Amadeus Mozart\nAlbum : Symphonien Nr. 39\, 40\, 41 ;\nTitre : K. 477 Maurerische Trauermusik ;\nDirecteur : Eugene Jochum ;\nInterprètes : Bamberger Symphoniker ;\nDistribution : ORFEO ;\nRéf. : C 045902 A\n*\nAlbum : Thamos\, König in Ägypten ;\nTitre : Nr. Andante Moderato ;\nDirecteur : Nikolaus Harnoncourt ;\nInterprètes : Concertgebouw Orchestra Amsterdam ;\nDistribution : TELEDEL ;\nRéf. : 2428952\n*\nAlbum : Piano Concerto N.21 ;\nTitres : Klavier Konzert N21 C-DUR « Elvira Madigan » KV 427\, Il Andante ;\nDirecteur : Wolfgang Sawallisch ;\nInterprètes : Philharmonia Orchestra London\, Annie Fischer ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : CDE 76777782\n*\nAlbum : Sinfonia Concertante K. 364 in E-Flat Major ;\nTitre : Andante ;\nDirecteur : Nikolaus Harnoncourt ;\nInterprètes : Wiener Philharmoniker\, Gidon Kremer (violon)\, Kim Kashkashian (viola/alto) ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : 429 606-2-\n*\nAlbum : Così fan tutte ;\nTitres : Recitativo: Non V’è Piu Tempo\, Muoio D’affanno!… Quintetto: Di Scrivermi Ogni Giorno… ;\nDirecteur : Karl Böhm ;\nInterprètes : Elisabeth Schwarzkopf\, Christa Ludwig\, Alfredo Kraus\, Giuseppe Taddei\, Walter Berry ;\nDistribution : EMI ;\nRéf. : CMS 7693302 \n  \nRÔLES À LA CRÉATION\nGil Roman\, Gregor Metzger\, Christine Blanc\, Koen Onzia\,\nJuichi Kobayashi \n  \nRÔLES À LA REPRISE\nOscar Chacón\, Julien Favreau\, Keisuke Nasuno\, Elisabet Ros\, Kateryna Shalkina\, Masayoshi Onuki
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Nous avons fait l’amour\, pourquoi l’amour nous fait-il la guerre ? ». \nCri d’angoisse d’une jeunesse pour laquelle le problème de la mort par l’amour s’ajoute à celui des guerres multiples qui n’ont pas cessé dans le monde depuis la soi-disant FIN de la dernière guerre mondiale ! \nMes ballets sont avant tout des rencontres : avec une musique\, avec la vie\, avec la mort\, avec l’amour… avec des êtres dont le passé et l’œuvre se réincarnent en moi\, de même que le danseur que je ne suis plus\, se réincarne à chaque fois en des interprètes qui le dépassent. \nCoup de foudre pour la musique de Queen. Invention\, violence\, humour\, amour\, tout est là. Je les aime\, ils m’inspirent\, ils me guident et\, de temps en temps dans ce no man’s land où nous irons tous un jour\, Freddie Mercury\, j’en suis sûr\, se met au piano avec Mozart. \nUn ballet sur la jeunesse et l’espoir puisque\, indécrottable\, optimiste\, je crois aussi malgré tout que the show must go on\, comme le chante Queen. \nMaurice Béjart \n\n©François Paolini\n  \n  \n\nDistribution\nIT’S A BEAUTIFUL DAY \nTIME/LET ME LIVE Toute la compagnie \nFREDDIE Fabrice Gallarrague \nBRIGHTON ROCK Solène Burel\, Carme Andres\, Antoine Le Moal\, Mari Ohashi\, Dorian Browne\, Chiara Posca\, Vito Pansini \nHEAVEN FOR EVERYONE Mattia Galiotto\, Dorian Browne\nL’ANGE  Jiayong Sun \nI WAS BORN TO LOVE YOU Elisabet Ros\nLA MARIÉE  Floriane Bigeon\nL’ANGE  Antoine Le Moal \nMOZART – COSI FAN TUTTE Mari Ohashi\, Dorian Browne\, Chiara Posca\, Vito Pansini \nA KIND OF MAGIC Andrea Luzi\, Denovane Victoire\, Mattia Galiotto\, Clara Boitet\, Federico Matetich\, Cyprien Bouvier\, Fabrice 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